PDF | 10 Seiten - KÜNSTE - SINNE - BILDUNG

BKJ-Jahrestagung 5./6.10.2012
Künste – Sinne – Bildung. Wie gelingt ästhetisches Lernen?
Prof. Dr. Burkhard Hill (Hochschule München)
Musikvermittlung in „offenen“ Kontexten
Ich werde das Thema im Wesentlichen am Praxisbeispiel „jamtruck“ aus Essen bearbeiten und
exemplarisch einige Grundzüge der „niedrigschwelligen“ Musikarbeit mit Kindern und
Jugendlichen darstellen.
1. „Offene Kontexte“ als Orte des informellen Lernens
Der Titel meines Vortrages „Musikvermittlung in ‚offenen‘ Kontexten“ bezeichnet eine
musikpädagogische Arbeit mit Kindern und Jugendlichen, die in außerunterrichtlichen
Zusammenhängen stattfindet. In den Erziehungswissenschaften steht der Begriff des informellen
Lernens für Settings, wo im Unterschied zum schulischen Lernen besonders die
selbstgesteuerten und lebensweltlich eingebetteten, im Ergebnis „offenen“ Lernaktivitäten von
Kindern und Jugendlichen gefördert werden (BMFSFJ 2005, S. 95f.). Innerhalb der Kulturellen
Bildung wird diesbezüglich über neue Lernkulturen diskutiert, fehlerfreundlich, ermutigend und
ergebnisoffen angelegt sind und gleichwohl einen möglichst hohen ästhetischen Anspruch
erheben. (Hill, Biburger, Wenzlik 2008) Dies ist zum Beispiel in Jugendzentren, in
Jugendkunstschulen, in Projektphasen an Schulen, in Workshops von Musikinitiativen und in
vollständig selbstorganisierten Gruppen (z.B. Bands) von Jugendlichen möglich. Diese
Musikvermittlung findet durch Kulturpädagoginnen und Kulturpädagogen statt, die mit
außerunterrichtlichen Lernsituationen vertraut sind und keinem Lehrplan folgen müssen. Die
Teilnehmerinnen und Teilnehmer sind in diesen Kontexten aufgefordert, sich mit ihren
Bedürfnissen und Interessen an der Formulierung der Lernziele einzubringen. Das
Vermittlungstempo richtet sich nach den Fähigkeiten und Fertigkeiten der Teilnehmer. Lernen
geschieht gleichermaßen bezogen auf musikalisch-ästhetische Aneignung wie auf die Gestaltung
sozialer Prozesse.
Sehr gut verkörpert derzeit das Projekt „jamtruck“ der städtischen Folkwang-Musikschule in
Essen diese konzeptionellen Überlegungen.
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Ein sehr gut ausgestatteter LKW mit Probenraum und digitalem Aufnahmestudio fährt
vormittags Schulen und nachmittags Jugendfreizeitstätten in Essen an. Jeweils zwei
Musikpädagogen betreuen dann für einen Zeitraum von einem halben Jahr wöchentlich Gruppen
von 4 bis 6 Jugendlichen. Das Ziel ist, erstens ein eigenes Musikstück zu entwickeln und
zweitens diesen Song in Studioqualität aufzunehmen und als CD bzw. MP3 verfügbar zu
machen. Auf dem LKW ist der Slogan des Projektes „Macht eure Musik“ im Graffiti-Style zu
sehen.
2. Methodische und didaktische Prinzipien der Arbeit in
„Offenen Kontexten“
Umgesetzt wird dieser Anspruch durch eine didaktisch sehr genau
konzipierte Vermittlungsarbeit. Das Team besteht aus
Musikpädagogen, die normalerweise an der Folkwang-Musikschule
ihren Dienst versehen. Beim Projekt jamtruck gehen sie mit einem
veränderten Anspruch heran, da sie ohne Leistungsdruck zunächst
musikalische Basics vermitteln. Die Kurse beginnen mit
Bodypercussion und Rhythmusarbeit. Hier lernen die Kinder und
Jugendlichen die Struktur von Rhythmen kennen und welche
Bedeutung sie haben, um Musikerinnen und Musiker zu
synchronisieren. Sie lernen Takte zu zählen, Pausen in der Länge zu
bestimmen, auf den Punkt genau gemeinsam zu spielen und zu enden. Anschließend geht es an
die Instrumente. Die Jugendlichen handeln untereinander aus, wer welches Instrument spielen
kann. Die Coachs zeigen den Kindern und Jugendlichen erste Griffe an Keyboard, Gitarre und EBaß sowie Schlagtechniken am Schlagzeug. Von Anfang an gilt
die eiserne Regel: Musikstücke nachspielen ist verboten. Die
Kinder und Jugendlichen werden vielmehr ermutigt, selbst etwas
aus dem Rüstzeug zu gestalten, das ihnen von Woche zu Woche
am Instrument vermittelt wird. Die Überlegung ist nicht nur, dass
die fremden Musikstücke als Vorgaben die eigene Phantasie
einschränken würden, sondern auch dass sie indirekt als normative Vorgabe die Entwicklung
eigener Lernschritte und Lernziele untergraben würden. Die Kinder und Jugendlichen sollen sich
unbeeinflusst davon in Ruhe auf ihre eigene Spiel- und Ausdrucksfähigkeit konzentrieren
können.
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Die Musikpädagogen legen Wert darauf, dass ein respektvoller Umgangston herrscht, dass
Zuhören und Ausredenlassen zur Normalität gehören und dass insgesamt viel über die
Gruppenarbeit geredet wird. Zu Hilfe kommt ihnen dabei die moderne Aufnahmetechnik, die –
genauso wie die Instrumente – fest installiert ist. Jede Stunde wird per Computer mitgeschnitten.
Im Abhörraum befindet sich eine kleine Sitzecke, wo alle Platz haben. Dort wird der jeweilige
Arbeitsstand abgehört und von der Gruppe begutachtet.
Sicher ist dies eine der methodischen Schlüsselaktivitäten, denn durch die Audioaufnahme
werden die Jugendlichen zu Produzenten und Rezipienten ihrer eigenen Musik. Sie erhalten von
Beginn an Audiodokumente ihres Schaffens und gleichzeitig werden sie zu Zuhörern ihrer
eigenen Aktivitäten. Das erleichtert das Reflektieren in der Gruppe und die Festlegung von
weiteren Entwicklungsschritten.
3. Partizipationsmöglichkeiten
Wo können die Jugendlichen denn innerhalb dieses didaktischen Konzepts nun selbst aktiv
werden? Anfangs ist die Konzentration naturgemäß sehr stark auf die Aneignung des eigenen
Instruments gerichtet. Bei einem Betreuungsschlüssel von 2 Coachs auf 5-6 Kinder und
Jugendliche ist gewährleistet, dass in der knappen zur Verfügung stehenden Zeit intensive
Hilfestellung gegeben werden kann. Denn die Jugendlichen sind in der Regel Musikanfänger und
haben zuhause kein Instrument zum Üben. Alle weitere Gestaltung wird dann im Dialog
zwischen Teilnehmern und Coachs entwickelt. Dazu gehört auch die Frage nach beliebten
Musikstilen, das Aufzeigen von musikalischen Alternativen usw. In der Regel artikulieren sich
die Jugendlichen auch relativ bald und deutlich, in welche Richtung es
gehen soll. Dazu ist das Anhören und die Besprechung der aktuellsten
Probenaufnahmen wichtig. Sie lernen, sich ohne musikalische
Fachbegriffe verständlich zu machen, indem sie sich z.B. singend oder
lautmalend ausdrücken. Bei der Textarbeit, die erst im letzten Drittel
der Gruppenarbeit begonnen wird, können die Jugendlichen ihre Ideen
nahezu unbegrenzt einbringen. Ausnahme: Rassismus, Fremdenfeindlichkeit, Diskriminierung
jeder Art. Schließlich sind sie bei der Gestaltung des CD-Covers gefordert, die mittels eines
Grafikprogramms im jamtruck umgesetzt werden kann. Sie können Fotos, Grafiken, Texte
mitbringen und vor Ort gestalten. Die Ergebnisse sind auf der Website unter
http://www.jamtruck.de zu sehen und zu hören.
4. Best Practice
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Wer die Gelegenheit hat, die Jamtruck-Bands bei der Arbeit zu beobachten, wird feststellen, dass
das Konzept sehr gut aufgeht. Die Jugendlichen kommen aus allen sozialen Schichten und aus
verschiedensten Ethnien. Im jamtruck geht es fast ausnahmslos sehr gesittet zu, es bedarf kaum
Interventionen durch die Coachs. Auch die Gesprächsrunden im Abhörraum funktionieren gut.
Die Coachs, allesamt auch gestandene Bühnenmusiker, wirken kompetent und gelassen. Die
Räumlichkeiten sind ansprechend gestaltet und professionell ausgestattet. Dass die Konzeption
erfolgreich umgesetzt werden kann, hat m.E. insbesondere drei Gründe:
(1) Die Musikpädagogen arbeiten nach dem eher sozialpädagogischen EmpowermentPrinzip. Sie sind geduldig, sie fordern Eigentätigkeit und Entscheidungen seitens der
Jugendlichen („Wie wollt ihr das Stück jetzt weiter entwickeln?“). Sie fordern heraus,
dass die Jugendlichen sich sprachlich und musikalisch zu ihren Vorstellungen äußern und
in der Gruppe mit den anderen darüber auseinandersetzen. In der Diskussion herrschen
Regeln des respektvollen Umgangs, auf deren Einhaltung sie achten. Sie verstehen ihre
Arbeit auch in erster Linie als eine gruppenpädagogische Arbeit, bei der die Musik das
Medium darstellt, das die Motivation herstellt, die gemeinsamen Aktivitäten strukturiert
und die Ziele vorgibt.
(2) Das „Nachspielverbot“ hält die Arbeit weitgehend frei von normativen Vorstellungen
darüber, wie Musik zu gestalten ist und Instrumente zu klingen haben. Dies schafft den
Raum für Experimente, für ein fehlerfreundliches Üben und Gestalten bzw. es ermutigt,
die eigenen Fähigkeiten im Gruppenkontext zu entwickeln. Damit sind
Grundbedingungen der Kreativitätsentwicklung gegeben. Phasen des Ausprobierens
gehören zu den Grundbestandteilen der Arbeit. Dabei werden auch unorthodoxe
Spielweisen akzeptiert, wenn die Jugendlichen dies so wollen. Als Beispiel wird von den
Mitarbeitern ein Junge angeführt, der die Gitarre auf den Knien liegend bediente, weil er
sie stehend nicht richtig spielen konnte.
(3) Der musikpädagogische Input wird ohne Leistungsdruck mit viel Fingerspitzengefühl für
individuelle Aneignungsformen und Kenntnissen darüber gegeben, wie Musikanfänger
sich Instrumente aneignen und dadurch Ausdruck entwickeln können, wie die
Bedürfnisse der Teilnehmer nach Gestaltung, zum Beispiel im Sinne von populären
Musikstilen, umgesetzt werden können usw. Die Coachs müssen nicht nur geduldig und
teils „lärmresistent“ sein, Fehler zulassen und teils von den an der Musikschule geltenden
Zielen abrücken. Sie müssen auch eine Haltung an den Tag legen, dass sie die
Arbeitsweisen, Ziele und Ausdrucksmöglichkeiten jederzeit mit den Teilnehmern neu
aushandeln müssen. Ihre Vorstellungen von Musik und vom Instrumentalspiel sind nur
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insofern von Bedeutung, als sie im Gruppenkontext geeignet sind, dem musikalischen
Gestaltungswillen der Kinder und Jugendlichen zum Ausdruck zu verhelfen.
Es gibt andere Projekte, die mit derselben
Konzeption arbeiten, z.B. der „jamliner“ in
Hamburg. Andere verzichten auf das strenge
Nachspielverbot, fühlen sich aber dennoch einer
– wie eben beschriebenen – niedrigschwelligen
Musikarbeit mit Kindern und Jugendlichen
verbunden, darunter besonders die Rock- und
HipHopmobile im Saarland, in Brandenburg
(Barnimer Land), in Koblenz, Siegen, Hannover, Berlin, Frankfurt usw. Allerdings sind diese in
der Regel nicht so vollständig und professionell ausgestattet, wie das Essener Modellprojekt.
Erwähnt werden müssen auch die zahlreichen Musikworkshops, die von Jugendzentren, Kulturund Musikinitiativen nach ähnlichem Muster veranstaltet werden, z.B. von der Musikinitiative
Nürnberger Land, vom Popbüro Stuttgart und der Stuttgarter Jugendhaus GmbH usw.
Gemeinsam ist diesen Projekten allen, dass sie sich in unterschiedlichen institutionellen
Zusammenhängen der Förderung von populärer Musik und von entsprechenden
Aneignungsformen in non-formalen und informellen Bildungskontexten verpflichtet fühlen, in
denen die Inhalte besonders auch von den Teilnehmerinnen und Teilnehmern mitbestimmt
werden können. Dies setzt in der Regel voraus, dass die Vermittler die „Szenen“ der populären
Musik kennen. Sie müssen nicht nur die musikalischen Stilistiken, sondern auch die dort
vorhandenen Orientierungen und Werte kennen und in einem dieser Bereiche
Bühnenerfahrungen haben. Authentizität ist ein hoher Wert unter Kindern und Jugendlichen, den
die Vermittler verkörpern müssen. Das informelle Lernen bezieht sich gerade auf die vielen nur
im Alltagshandeln wahrnehmbaren Gesetze, Werte, Verhaltensweisen und Ausdrucksformen, die
als Lernen in Popkulturen nicht nach dem Lehrbuch vermittelt werden können.
5. Das lernende Subjekt
Obwohl wir bis hier fortwährend Gruppenkontexte thematisiert haben, lernt jedoch nur das
einzelne Subjekt und jedes für sich individuell. Sowohl die Musik wie auch die Gruppe sind nur
Mittler für die individuellen Bildungsprozesse, von denen nachfolgend einige Aspekte besonders
erörtert werden sollen.
(a) Musik als Sinn- und Motivationskontext
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Die Musik ist der sinnlich erfahrbare Zusammenhang, in dem die subjektiven Bildungsprozesse
stattfinden. Sie ist nicht nur ein akustisches Phänomen, das über den Hörsinn ufgenommen wird,
sondern sie ist zugleich ein komplexer Sinnzusammenhang, an den viele Alltagserfahrungen,
Orientierungen, Werte geknüpft sind. Der Musikgeschmack, die Lieblingsmusik als
Stimmungsausdruck usw. sind sehr individuelle Vorlieben, die mit der Privatsphäre und der
ästhetischen Alltagspraxis verknüpft sind. Hier verfügt das Individuum über eine weitgehende
Autonomie zur Gestaltung der Vorlieben und seiner ästhetischen Praxis. Gleichzeitig ist Musik
ein soziales Phänomen, weil diese Vorlieben mit anderen geteilt werden, ein Fankult z.B.
gemeinsame Orientierungen und Aktivitäten stiftet. Musik transportiert als akustisches und
psychosoziales Phänomen also komplexe Sinnzusammenhänge. Für das Subjekt ist ein Angebot,
sich aktiv musizierend und rezeptiv mit Musik auseinanderzusetzen, wobei die individuellen
Zugänge maßgeblich berücksichtigt werden, höchst attraktiv, weil auf diese Weise neue
Gestaltungsmöglichkeiten im alltagsästhetischen Raum verfügbar werden. Oder weniger abstrakt
formuliert: Jugendliche setzen sich gern mit ihrer Musik auseinander, weil sie Bestandteil ihres
gefühlsmäßigen und sozialen Lebens und zugleich unmittelbarer Persönlichkeitsausdruck ist. Die
Motivation dazu ist fast immer vorhanden. Außerdem ist das Musikmachen in einer Band eine
äußerst prestigeträchtige Angelegenheit, da auf diese Weise ein exponierter Status erworben
werden kann. Persönlichkeitsbildung und soziale Anerkennung können durch dieses Medium
miteinander verknüpft werden.
(b) Individuelle Lernvoraussetzungen statt angeborener Musikalität
Durch die musikpädagogische Arbeit werden die Jugendlichen als Subjekte an Instrumente und
ihre Spielweisen herangeführt. Je nach motorischer Geschicklichkeit, Vorkenntnissen, Geduld,
Aufnahmefähigkeit und anatomischen Voraussetzungen gelingt dies langsamer oder schneller.
Entscheidend ist also zunächst ein individuelles Bündel an Dispositionen, das die Jugendlichen
mitbringen und das gängiger Weise als Musikalität bezeichnet wird. Der Begriff ist für die
Vermittlungstätigkeit in den „offenen“ Kontexten aber wenig hilfreich, da die normativen
Voraussetzungen für Musikalität an der Begabtenförderung orientiert sind. Die Musikpädagogen
müssen stattdessen über Strategien verfügen, mit der Unterschiedlichkeit der Teilnehmer
umzugehen und auch dann noch musikalische Basics zu vermitteln, wenn die individuellen
Voraussetzungen denkbar schlecht ausgeprägt sind.
(c) Ein Instrument spielen lernen
Aus der Sicht der Subjekte gestaltet sich der Lernprozess dahingehend, dass sie zunächst
nachvollziehen, was ihnen an Spieltechniken, Griffen bzw. Schlägen usw. gezeigt wird. Wenn
sie „be-griffen“ haben, was zu tun ist, müssen sie es nachahmen, wobei in der Regel die Grenzen
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der bisher ausgeprägten Motorik erreicht werden. Bei diesem Lernschritt sind Geduld,
Durchhaltevermögen und der Wille, es schaffen zu wollen, erforderlich. Gerade dies bereitet
vielen Kindern und Jugendlichen oft Probleme, wenn sie es bis dahin nicht gelernt haben, sich an
einem Problem abzuarbeiten und dadurch Lernfortschritte zu erzielen, wie es gerade in
bildungsfernen Milieus häufig der Fall ist. An dieser Stelle ist die Betreuung und Ermutigung
durch die Coachs sehr entscheidend. Sollte die Anstrengung von Erfolg gekrönt sein, muss das
gelernte als Routine eingeübt werden, so dass die Spieltechnik jederzeit verfügbar ist.
Die individuellen Lernerfolge sind als neu erworbenes Können darstellbar und vorzeigbar, z.B.
einige Akkorde an Keyboard oder Gitarre zu kennen und greifen zu können oder einen
Rhythmus am Schlagzeug mit mehreren Extremitäten gleichzeitig spielen zu können. Dabei ist
es unerheblich, welche Kunstfertigkeit dabei – nach äußeren Maßstäben bewertet – erworben
wurde. Entscheidend ist vielmehr zunächst der subjektiv erfahrene Fortschritt.
In der Regel werden im Zuge dessen auch einfache Formen der Notation vermittelt, nämlich
Taktschläge, Notenlängen, Akkordsymbole usw., so dass die Kinder und Jugendlichen mit
Möglichkeiten in Berührung kommen, sich zur Musik Notizen zu machen, also Musik zu
notieren.
(d) Gestalten lernen
Erst wenn ein bestimmtes Repertoire an Spielmöglichkeiten und ihren Variationen von den
Kindern und Jugendlichen angeeignet wurde, können einfache Gestaltungsakte in Angriff
genommen werden. Gestaltung geschieht hierbei meistens durch Experimente und durch die
Beurteilung der Wirkung von alternativen Spielweisen. Im Projekt jamtruck wird dies dadurch
ermöglicht, dass die Vermittler Alternativen aufzeigen: laut oder leise bzw. schnell oder langsam
spielen. Durch das Abhören der Probenmitschnitte kann, wenn dies durch das Zuhören in der
Situation alleine nicht gelingt, die Beurteilung der unterschiedlichen Wirkung noch verbessert
werden.
Gestaltungsmöglichkeiten liegen auch darin, sich stilistischen Vorstellungen der Kinder und
Jugendlichen anzunähern. Die Vermittler müssen dazu in der Lage sein, Soundvorstellungen der
Teilnehmer zu erkennen und umzusetzen bzw. ihnen adäquate Techniken zu vermitteln, wie z.B.
durch Einstellungen des Gitarrenverstärkers ein verzerrter „Metal-Sound“ erzeugt oder wie
durch veränderte rhythmische Betonungen ein Reggae-Feeling erreicht wird, welche Wirkungen
Pausen haben können usw.
Die Gestaltungstechniken beziehen sich auf stilistische Kenntnisse und ihre klangliche
Umsetzung. In dem hier beschriebenen Kontext der Arbeit mit Kindern und Jugendlichen, die
zumeist auf Anfängerniveau stattfindet, geht es zunächst meist um die Erschließung einfacher
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Möglichkeiten. Die einzelnen Teilnehmer lernen daran, ästhetisch zu differenzieren und sich für
eine Alternative zu entscheiden.
(e) Musik und soziales Lernen
Da das Musizieren in den genannten Kontexten in der Regel in Gruppen stattfindet, sind
musikalisches und soziales Lernen unmittelbar miteinander verknüpft. Es geht immer darum, das
individuelle Tun mit dem äußeren Rahmen der Gruppe zu koordinieren. Dazu muss von den
Teilnehmern eine differenzierte Wahrnehmung entwickelt werden, die es ermöglicht, einerseits
auf sich selbst und die individuellen Herausforderungen, andererseits auf die Aktivitäten der
Gruppe zu achten und wie beides zusammen passt. Daher müssen mehrere Kompetenzen
erworben werden: Zuhören können, eigene Bedürfnisse und Interessen vermitteln können,
nötigenfalls abwarten können, aber auch Raum für sich beanspruchen können. Innerhalb der
Gruppe funktioniert dies nur dann, wenn die Mitglieder untereinander ein relativ ausgewogenes
Verhältnis von individuellen und gemeinschaftlichen Aktivitäten zu schaffen in der Lage sind,
die alle Bedürfnisse berücksichtigen. Musik ist wegen der Gleichzeitigkeit der Aktivitäten von
einzelnen Subjekten, die gemeinschaftlich einen Klang erzeugen, ein ideales
gruppenpädagogisches Medium. Die sinnlich erfahrbare Musik macht deutlich, wie gut eine
Gruppe „harmoniert“, also dazu in der Lage ist, die Einzelleistungen in einen Gesamtklang zu
integrieren.
(d) Transferleistungen: Lernen lernen
Bei den bis hier beschriebenen Lernvorgängen kontrollieren sich die Kinder und Jugendlichen
selbst über das Gehör. Das heißt, sie müssen lernen, sich selbst (und den anderen) beim Spielen
genau zuzuhören, um die Spielweise zu kontrollieren und die Motorik zu steuern. Das Lernen
durch Musik ist nicht abstrakt, sondern die Fortschritte sind sinnlich wahrnehmbar (hörbar).
Diese Unmittelbarkeit ist geeignet, weitere Motivation zu schaffen. Das sich selbst zuhören ist
die musikspezifische Form der Selbstbeobachtung, die beim Lernen als Kontrolle erforderlich
ist.
Die eben beschriebenen Anforderungen sind hoch. Erfahrungsgemäß gibt es auch einige Kinder
und Jugendliche, die ihnen nicht gewachsen sind, wenn die Geduld und das Zutrauen zu sich
selbst fehlen. Die Erfahrung, eine Anstrengung bewältigt und ein Können erlangt zu haben,
erfüllt jedoch die meisten Kinder und Jugendlichen mit Stolz. Das Erfolgserlebnis steigert das
Selbstwertgefühl und unter Umständen ist die positive Lernerfahrung als Transferleistung auf
andere Situationen übertragbar, nämlich als Zuversicht, Anforderungen grundsätzlich bewältigen
zu können.
(e) Persönlichkeitsbildung
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In diesem Sinne kann bei einer erfolgreichen Teilnahme an einem Musikprojekt in den
genannten Dimensionen eine Persönlichkeitsbildung stattfinden:
• Es wurden musikalische Fähigkeiten angeeignet, die vorzeigbar und wahrnehmbar sind.
• Es wurde Wissen über Instrumente, Spielweisen und Stilistiken angeeignet.
• Es wurden Experimente mit verschiedenen Ausdrucksmöglichkeiten durchgeführt und
Entscheidungen für bestimmte ästhetische Formen getroffen.
• Es wurden Herausforderungen des Lernens angenommen und bewältigt.
• Es wurde in einer Gruppe gearbeitet und etwas Gemeinsames produziert.
• Es wurden für ein individuelles und gemeinschaftliches Ziel Geduld und Energie
aufgebracht.
Die Erfahrung, diese anspruchsvollen und komplexen Herausforderungen gemeistert zu haben,
drückt sich unmittelbar im Stolz nach einem Auftritt aus, oder wenn die produzierte CD anderen
gezeigt wird. Dass aus diesem Stolz ein nachhaltiges Element der Persönlichkeitsbildung werden
kann, liegt an den Kontextbedingungen, in die die Kinder und Jugendlichen anschließend
entlassen werden. Wenn sie dort weiter ermutigt und durch vielfältige Unterstützung und
angemessene pädagogische Hilfestellungen befähigt werden, weitere Lernschritte zu vollziehen,
werden sie den Impuls aus den Musikaktivitäten für ihr persönliches Handeln aufnehmen und
weiter verfolgen können. Wenn sie unmittelbar anschließend eine weitere musikalische
Förderung erfahren können, kann sich daraus ein wichtiges Interessengebiert (Hobby)
entwickeln, in das sie bereit sind, weiter Zeit, Energie und – soweit vorhanden – auch Geld zu
investieren. Wenn sie sich unmittelbar erst einmal mit schulischen und beruflichen (oder
familiären) Herausforderungen auseinandersetzen müssen, kann sie der positive Impuls aus dem
Musikprojekt eventuell auch dort über einige Schwierigkeiten hinwegtragen.
Es kann auch sein, das die musikalischen Aktivitäten in dem aufregenden Alltag, den Kinder und
Jugendliche zu meistern haben, erst einmal völlig aus dem Blick gerät. Es gibt aber Hinweise aus
biografischen Studien, dass eine einmal erfolgreich ausgeübte musische Aktivität später wieder
aufgegriffen wird, wenn die Möglichkeiten dazu bestehen (Hill 1996; Josties 2008)
Im ungünstigsten Fall bleiben Kinder und Jugendliche sich selbst überlassen, verlieren
angesichts neuer Herausforderungen das Vertrauen in sich selbst, da ihnen vielleicht die
entsprechende Unterstützung fehlt und fallen zurück in Muster des Ausweichens, Verdrängens,
Ablehnens und der Verweigerung. Gegen diese negativen Dynamiken sind die beschriebenen
Musikprojekte alleine machtlos. Sie können Wege für positive Entwicklungen aufzeigen, sie
können aber bei weitem nicht alles an psychischen oder sozialen Defiziten heilen, unter denen
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Kinder und Jugendliche zu leiden haben, die sich selbst überlassen sind und von kaum einer
Seite Unterstützung erfahren.
Literatur:
BMFSFJ (2005): Bundesministerium für Frauen, Senioren, Familien und Jugend. Zwölfter
Kinder- und Jugendbericht. Bericht über die Lebenssituation junger Menschen und die
Leistungen der Kinder- und Jugendhilfe in Deutschland. Deutscher Bundestag, Drucksache
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Hill, Burkhard (1996): Rockmobil. Eine ethnografische Fallstudie aus der Jugendarbeit. Opladen
(Leske+Budrich)
Hill, Burkhard; Biburger, Tom; Wenzlik, Alexander (2008): Lernkultur und Kulturelle Bildung.
Veränderte Lernkulturen - Kooperationsauftrag an Schule, Jugendhilfe, Kunst und Kultur.
München (kopaed)
Hill, Burkhard; Wengenroth, Jennifer (erscheint 2013): Evaluation jamtruck Essen.
Josties, Elke (2008): Szeneorientierte Jugendkulturarbeit. Unkonventionelle Wege der
Qualifizierung Jugendlicher und junger Erwachsener. Berlin-Straßburg-Milow (Schibri Verlag)
Burkhard Hill, Sozialpädagoge, *1954, Dr. phil., Professor für Musische Bildung und kreatives
Gestalten in der Sozialen Arbeit an der Hochschule München, Schlagzeuger und Perkussionist
mit langjähriger Praxis in Pop-, Rock und Jazzbands. Arbeitsschwerpunkte: Theorien der
Sozialpädagogik und Sozialen Arbeit; Theorie und Praxis der Kulturellen Bildung;
Medienpädagogik; Forschung und Evaluation in der Kulturellen Bildung; Bandworkshops und
Trommelkurse
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