Musik-Lehre - News und was beschäftigt uns zur Zeit

Inhalt
1
Geschichte der Musik (s.a. Kap. 8) .................................................................................................. 5
2
Die Notenschrift .............................................................................................................................. 6
2.1
Allgemeines ............................................................................................................................. 6
2.2
Tonbenennung/Notennamen ................................................................................................. 7
2.3
Notenschlüssel ........................................................................................................................ 8
2.3.1
Violinschlüssel (G-Schlüssel) ............................................................................................ 8
2.3.2
Altschlüssel ...................................................................................................................... 8
2.3.3
Tenorschlüssel ................................................................................................................. 8
2.3.4
Bassschlüssel ................................................................................................................... 9
2.3.5
Historisches zum Notenschlüssel .................................................................................... 9
2.3.6
Notenschlüssel im 19. Jahrhundert ............................................................................... 11
2.3.7
Chiavetten ..................................................................................................................... 11
2.3.8
Oktavierende Schlüssel ................................................................................................. 12
2.3.9
Tabulaturen ................................................................................................................... 12
2.4
Hilfslinien ............................................................................................................................... 13
2.5
Vorzeichen, Versetzungszeichen ........................................................................................... 13
2.6
Enharmonische Verwechslung .............................................................................................. 14
2.7
Notenwert (Länge der Noten) ............................................................................................... 15
2.8
Triole...................................................................................................................................... 16
2.9
Zusammengesetzte Längenwerte ......................................................................................... 16
2.10
Pausen ................................................................................................................................... 17
2.11
Verzierungen (Ornamentik)................................................................................................... 18
2.11.1
Kurzer Vorschlag (Nebennote, Durchgangsnote) .......................................................... 18
2.11.2
Der lange Vorschlag (Vorhalt) ....................................................................................... 18
2.11.3
Der Schleifer .................................................................................................................. 19
2.11.4
Pralltriller ....................................................................................................................... 20
2.11.5
Mordent......................................................................................................................... 20
2.11.6
Doppelschlag ................................................................................................................. 21
2.11.7
Triller.............................................................................................................................. 21
2.11.8
Verzierungen nach Intervallen ...................................................................................... 22
2.12
Tempobezeichnungen ........................................................................................................... 23
2.13
Tempo, Metronom ................................................................................................................ 24
Musiklehre
Seite 1
3
2.14
Dynamik (Lautstärken) .......................................................................................................... 25
2.15
Charakterisierung .................................................................................................................. 26
2.16
Artikulation ............................................................................................................................ 27
Akkustik ......................................................................................................................................... 28
3.1
4
5
6
Allgemeines ........................................................................................................................... 28
Intervalle........................................................................................................................................ 29
4.1
Allgemeines ........................................................................................................................... 29
4.2
Alteration............................................................................................................................... 30
4.3
Alteration / Gehörschulung ................................................................................................... 31
4.4
Konsonanzen / Dissonanzen.................................................................................................. 32
Takt und Rhythmus........................................................................................................................ 34
5.1
Allgemeines ........................................................................................................................... 34
5.2
Takteinteilung ........................................................................................................................ 34
5.3
Der Auftakt ............................................................................................................................ 35
5.4
Der Rhythmus ........................................................................................................................ 35
Tonleitern ...................................................................................................................................... 36
6.1
Allgemein ............................................................................................................................... 36
6.2
Tetrachorde ........................................................................................................................... 36
6.2.1
Pentatonik ..................................................................................................................... 36
6.2.2
Ganztonleiter ................................................................................................................. 37
6.2.3
Durtonleiter (Diatonik) .................................................................................................. 37
6.3
Dur – Quintenzirkel (-Spirale) ................................................................................................ 38
6.4
Moll-Tonleiter ........................................................................................................................ 39
6.4.1
Reine Moll...................................................................................................................... 40
6.4.2
Harmonisches Moll ........................................................................................................ 40
6.4.3
Melodisches Moll .......................................................................................................... 40
6.5
Quintenzirkel: Dur + Moll ...................................................................................................... 41
6.6
Zigeuner-Moll ........................................................................................................................ 41
6.7
Chromatische Tonleiter ......................................................................................................... 42
6.8
Kirchentonarten .................................................................................................................... 43
6.8.1
Dorisch ........................................................................................................................... 43
6.8.2
Phrygisch ....................................................................................................................... 43
6.8.3
Lydisch ........................................................................................................................... 43
6.8.4
Mixolydisch .................................................................................................................... 43
Musiklehre
Seite 2
7
6.8.5
Äolisch ........................................................................................................................... 44
6.8.6
Ionisch (Dur) .................................................................................................................. 44
Akkordlehre ................................................................................................................................... 45
7.1
Allgemeines ........................................................................................................................... 45
7.2
Akkorde aus Terzen aufgebaut, Dreiklang ............................................................................ 45
7.2.1
Umkehrungen des Dreiklangs ....................................................................................... 46
7.2.2
Dreiklänge der Dur- und Molltonleiter .......................................................................... 47
7.2.3
Hauptdreiklänge ............................................................................................................ 47
7.3
7.3.1
Die Septakkorde der Dur-Tonleiter: .............................................................................. 49
7.3.2
Die Septakkorde der Moll-Tonleiter: ............................................................................. 49
7.4
8
Septakkord............................................................................................................................. 49
Dominantseptakkord ............................................................................................................. 50
Diverses ......................................................................................................................................... 51
8.1
Musikbezeichnungen............................................................................................................. 51
8.1.1
Capriccio (Caprice) ......................................................................................................... 51
8.1.2
Concerto ........................................................................................................................ 51
8.1.3
Gavotte .......................................................................................................................... 51
8.1.4
Gigue.............................................................................................................................. 52
8.1.5
Kandenz ......................................................................................................................... 52
8.1.6
Menuett ......................................................................................................................... 52
8.1.7
Ouvertüre ...................................................................................................................... 52
8.1.8
Partita ............................................................................................................................ 53
8.1.9
Pastorale ........................................................................................................................ 53
8.1.10
Rondo ............................................................................................................................ 53
8.1.11
Sonate ............................................................................................................................ 53
8.1.12
Suite ............................................................................................................................... 53
8.1.13
Sinfonie .......................................................................................................................... 54
8.1.14
Trio / Duett / Quartett usw. .......................................................................................... 54
8.2
Epochen ................................................................................................................................. 55
8.2.1
Musik der Vor- und Frühgeschickte .............................................................................. 55
8.2.2
Musik der Antike ........................................................................................................... 55
8.2.3
Musik des Mittelalters ................................................................................................... 55
8.2.4
Renaissancemusik.......................................................................................................... 56
8.2.5
Barockmusik .................................................................................................................. 57
Musiklehre
Seite 3
8.2.6
Klassik ............................................................................................................................ 58
8.2.7
Romantik ....................................................................................................................... 59
8.2.8
Neue Musik.................................................................................................................... 62
Neueste Nachträge/Ergänzungen/Korrekturen:
Kapitel
2.11.1
2.11.2
2.11.4
2.11.5
2.11.6
8.1.2
8.1.5
8.1.11
8.1.13
8.1.14
Musiklehre
Titel
der kurze Vorschlag
der lange Vorschlag
Pralltriller
Mordent
Doppelschlag
Concerto
Kadenz
Sonata
Symphony
Trio
Datum
14.11.2011
14.11.2011
14.11.2011
14.11.2011
14.11.2011
16.01.2012
16.01.2012
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16.01.2012
16.01.2012
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1 Geschichte der Musik (s.a. Kap. 8)
Epoche
Mittelalter
Renaissance
Barock
(Wiener)
Klassik
Romantik
20.
Jahrhundert
Musiklehre
Zeit
Stilmerkmale
Vertreter
6001400
Um 900 erste Mehrstimmigkeit, Kirchentonarten.
14001600
Vokalpolyphonie, jede Stimme hat für sich
Giovanni da Palestrina,
Melodiecharakter (z.B. Madrigale), Akzent auf der
Orlando di Lasso,
Horizontalen (Melodie), Harmonien sind zufällig, Terz gilt
H. Schütz (spät)
noch als dissonant.
J. S. Bach,
G. Ph. Telemann,
G. F. Händel,
A. Vivaldi,
C. Monteverdi,
H. Purcell,
A. / G. D. Scarlatti
16001750
"Entdeckung" des Dreiklangs, "vertikales" Denken
(Harmonie) entsteht. Monodie (Einstimmigkeit): eine
Melodie plus Begleitung. Entwicklung des Generalbass,
und des Solokonzerts. Monothematik.
17501830
Themen werden immer grandioser ausgeführt, Harmonik
J. Haydn,
einfacher als im Barock, die Form (Sonatensatz) wird
W. A. Mozart,
zentral: Ideal der Ausgeglichenheit, der Schönheit.
L. v. Beethoven
Zweithematik.
18201900
19002000
Formal wird auf die Klassik aufgebaut. Schubert erfindet
das (dt.) Kunstlied (später auch Schumann und Hugo
Wolf). Die Harmonik wird wieder wichtiger, Dissonanz
ist beliebt, Grundtonbezogenheit und Tonalität werden
am Ende aufgehoben (Wagner, Schönberg).
F. Schubert (Bindeglied),
J. Brahms,
R. Schumann,
F. Chopin,
A. Dvorák,
P. I. Tschaikowsky,
R. Wagner (Ende)
Es tritt eine Unzahl verschiedener Musikrichtungen auf.
E-Musik (ernste Musik), U-Musik (Unterhaltungsmusik)
Atonalität.
A. Schönberg,
B. Bartók,
D. Schostakowitsch,
A. Honegger,
John Cage.
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2 Die Notenschrift
2.1 Allgemeines
In der heute gebräuchlichen Notenschrift werden als Symbole für Töne ausgefüllte und
hohle Ovale (Notenköpfe) verwendet. Sie werden auf fünf waagrecht parallel laufenden
Notenlinien (Notensystem) geschrieben. Die Notenlinien dienen der Tonhöhe. Die
Notenköpfe werden entweder auf der Linie oder im Zwischenraum einer solchen Linie
geschrieben. Ausserdem gehört der Platz ober- oder unterhalb der 5 Linien auch dem
Notensystem. Für dieses System werden die Noten mit sogenannten Hilfslinien geschrieben.
Beispiel Notenkopf
Beispiel Notenlinien (Klavier) mit Bassschlüssel
Beispiel Notenschrift, Tonhöhe
Musiklehre
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2.2 Tonbenennung/Notennamen
Zur namentlichen Bezeichnung werden Buchstaben in folgender Reihenfolge verwendet:
C D E F G A H
C D E F G A H usw.
Der Abstand eines Tones bis zu seiner Wiederkehr acht Tonstufen höher wird OKTAVE
genannt.
Musiklehre
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2.3 Notenschlüssel
Notenschlüssel dienen in der Musik dazu, im Notensystem festzulegen, welche Tonhöhe die fünf
Notenlinien repräsentieren. Jeder Schlüssel hat dafür einen Referenzton, aus dessen Position sich die
Lage der anderen Töne ableitet, die Bedeutung der Notenlinien erschließt sich also erst durch den
Notenschlüssel.
2.3.1 Violinschlüssel (G-Schlüssel)
Der Violinschlüssel, auch G-Schlüssel genannt, braucht man vor allem für hohe Stimmen
und Instrumente (Frauenstimmen, Violine, Blasinstrumente).
Zudem findet er auch bei einigen tiefen Blasinstrumenten transponierend Verwendung,
z.B. Saxophone, Klarinetten und Tenorhorn können ohne Umdenken das Instrument
wechseln. So liest und greift ein Tenororist z.B. gleich wie auf dem Flügelhorn in Bb, der
Ton klingt nur statt einer Sekunde eine Note tiefer.
Der Violinschlüssel legt das g′ auf der zweiten Linie fest (die fünf Linien und vier Zwischenräume
werden von unten nach oben gezählt).
2.3.2 Altschlüssel
Für die Bratsche (Viola), das Altinstrument der Viola-da-gamba-Familie (Altgambe) und
Altposaune wird der oft auch „Bratschenschlüssel“ genannte Altschlüssel
vorgeschrieben.
Das c′ liegt auf der dritten Linie.
2.3.3 Tenorschlüssel
Der Tenorschlüssel wird für Passagen in höherer Lage bei tiefen Streich- und
Blasinstrumenten (Tenorposaune, Violoncello, Tenor-Bass-Instrument der Viola-dagamba-Familie, Fagott) verwendet.
Orientierungspunkt ist das c′ auf der vierten Linie.
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2.3.4 Bassschlüssel
Bassschlüssel oder F-Schlüssel
F Schlüssel findet man bei tiefen Männerstimmen und tiefen
Streichern (Violoncello, Kontrabass und Bassinstrument der Viola-da-gambaViola
Familie), tiefen Bläsern (Fagott,Tenor(Fagott,Tenor und Bassposaune, Tuba, Baritonhorn) und
manchen Schlaginstrumenten (Pauken). Bei Tasteninstrumenten ist die linke
Hand meistens im Bassschlüssel notiert, bei der Orgel auch das Pedal.
Beim Bassschlüssel befindet sich das kleine f auf der vierten Linie von unten (also auf der Linie
zwischen den beiden Punkten).
2.3.5 Historisches zum Notenschlüssel
Als Guido von Arezzo um 1025 das Liniensystem für die Notation von Musik erfand, benutzte
er zur Kennzeichnung der Halbtonschritte ein c oder ein f, mit dem er die meist farbige Linie
markierte, unter der sich der Halbtonschritt befand. Je nach Melodieverlauf wurden diese
Notenschlüssel in der Quadratnotation später auf eine der vier vorgesehenen Notenlinien
gelegt, um die Notwendigkeit von Hilfslinien zu vermeiden.
vermeid
Notenschlüssel in der Quadratnotation des Gregorianischen Chorals
C-Schlüssel
2.3.5.1
F-Schlüssel
C-Schlüssel
Die so entstandenen C-Schlüssel
Schlüssel wurden auch später weiterverwendet und werden bis
heute nach den Gesangsstimmen benannt, für die sie geeignet sind. Lediglich ihr Aussehen
hat sich verändert. Auf der Abbildung sieht man: (a) Alte C-Schlüssel;
C Schlüssel; (b) SopranSopran oder
Diskantschlüssel; (c) Mezzosopranschlüssel; (d) Altschlüssel;
schlüssel; (e) Tenorschlüssel (f)
Baritonschlüssel.
alte und neue C-Schlüssel
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2.3.5.2
F-Schlüssel
Für tiefere Stimmen entstand fast zeitgleich mit dem C-Schlüssel
C Schlüssel der Bassschlüssel, der das
kleine f anzeigt und dessen Form sich auf den Großbuchstaben F zurückführen lässt (a). Die
ersten Bassschlüssel lagen noch auf der Mittellinie, waren also eigentlich Baritonschlüssel
Bariton
(b),, später setzte sich die zweitoberste Linie als F-Linie
F
durch (c).
alte und neue F-Schlüssel
2.3.5.3
G-Schlüssel
Mit der Weiterentwicklung der Musik, vor allem als man begann, auch Instrumentalmusik zu
notieren, die zum Teil außerhalb des menschlichen Stimmraumes lag, wurde ein neuer,
höherer Schlüssel benötigt: Der nach seinem ursprünglichen Verwendungszweck benannte
benannt
Violinschlüssel wurde um 1200 erfunden. Die Bezeichnung „Sopranschlüssel“ ist zu
vermeiden, da ein C-Schlüssel
Schlüssel gleichen Namens existiert. Auch seine Gestalt entwickelte sich
aus dem Buchstaben des angezeigten Tones G,, dem ein Haken hinzugefügt wurde. Dieser
Die
könnte aus einem kursiven d auf der zugehörigen Linie (dem d″)) hervorgegangen sein.
Entwicklung des Violinschlüssels
2.3.5.4
Γ-Schlüssel
Auf alten Noten für Tasteninstrumente findet man oft ein Liniensystem mit acht oder mehr
Linien, in dem alle Schlüssel
sel eingezeichnet wurden, ungefähr so, wie die Abbildung
(Reproduktion) links zeigt. Das Zeichen ganz unten ist ein griechisches Gamma,
Gamma mit dem
zeitweise das große G markiert wurde. Dieser Γ-Schlüssel
Γ Schlüssel für besonders tiefe Lagen hat sich
aber nicht gehalten.
Musiklehre
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mehrliniges Notensystem
2.3.6 Notenschlüssel im 19. Jahrhundert
Der Violinschlüssel setzte sich mit der Zeit als universaler Notenschlüssel für hohe Lagen
durch und löste in den meisten Fällen den C-Schlüssel
C Schlüssel ab. Nur für die Notation von
Gesangsstimmen waren Sopran-,
Sopran Alt- und Tenorschlüssel noch bis weit in die zweite Hälfte
des 19. Jahrhunderts der Standard, wie nebenstehender Ausschnitt einer reproduzierten
Chorpartitur von Johannes Brahms zeigt.
J. Brahms, Beginn des Chorliedes „Rosmarin“
2.3.7 Chiavetten
Notenschlüssel, die auf einer anderen Linie als üblich liegen, werden als Chiavetten
bezeichnet. Die verschiedenen C-Schlüssel
C Schlüssel haben sich aus dieser Tradition entwickelt, aber
auch bei den anderen Schlüsseln war die Versetzung früher üblich. So ist unser moderner
Bassschlüssel eigentlich aus einer Chiavette des Baritonschlüssels hervorgegangen. In
französischer Barockmusik findet man oft den G-Schlüssel
G Schlüssel auf der untersten Linie
(französischer Violinschlüssel).
Bei J. S. Bach findet man Chiavetten manchmal auch als Hilfestellung für Transpositionen,
wie im folgenden Ausschnitt aus seinem „Magnificat“, in dem eine Oboe d’amore, deren
Klang eine Terz tiefer ist, im französischen Violinschlüssel notiert ist (b), womit sich, von den
Vorzeichen abgesehen,
n, das gleiche Bild ergibt wie bei der klingenden Notation (a):
Chiavette
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2.3.8 Oktavierende Schlüssel
Wo man früher Chiavetten verwendete, um Hilfslinien zu vermeiden, so benutzt man heute
eine kursive, klein geschriebene 8 über oder unter dem Schlüssel,, um eine Oktavierung in die
jeweilige Richtung anzuzeigen. Der nach unten oktavierende Violinschlüssel beispielsweise
ist vor allem für Tenorstimme üblich. Seltener werden diese Schlüssel auch für Instrumente
verwendet, die ohnehin um eine Oktave transponieren,
transpon
z. B. Gitarre (nach unten
oktavierender Violinschlüssel), Piccoloflöte und Sopranblockflöte (nach oben oktavierender
Violinschlüssel) oder Kontrabass (nach unten oktavierender Bassschlüssel), was aber nicht
nötig und sogar irreführend ist. Bisweilen findet man auch eine 15,, die das Versetzen um
zwei Oktaven verlangt.
2.3.9 Tabulaturen
Bei Gitarren und anderen Zupfinstrumenten gibt es die Möglichkeit, anstelle herkömmlicher
Noten Tabulaturen zu notieren. In diesem Fall wird meistens ein vertikales „TAB“
„
anstelle
eines Schlüssels geschrieben. Es werden dann nicht zwangsläufig fünf Notenlinien
verwendet, sondern eine Linie für jede Saite des Instruments (bei der Gitarre also sechs
Linien). Mit Zahlen auf den Linien wird angegeben, in welchem Bund die betreffende
betre
Saite zu
greifen ist.
Ihren Ursprung hat die Tabulatur-Schreibweise
Tabulatur
in den alten Lauten-Werken
Werken des Mittelalters
und der Renaissance. Bis heute spielen Lautenisten oft nicht nach modernen Noten, sondern
nach – alten oder bearbeiteten – Tabulaturen.
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2.4 Hilfslinien
Da das Liniensystem nicht ausreicht, werden sogenannte Hilfslinien verwendet:
2.5 Vorzeichen, Versetzungszeichen
Die Tonhöhe eines jedes Stammtones kann verändert werden (höher, tiefer). Man benützt
dazu das Vor- bzw. Versetzungszeichen. Zur Erniedrigung eines Stammtones verwendet man
das B (b), zur doppelten Erniedrigung das doppelte B (bb), zur einfachen Erhöhung das Kreuz
(#) und zur doppelten Erhöhung das doppelte Kreuz (##).
Um diese Versetzungszeichen wieder aufzulösen braucht es das Auflösungszeichen (♮).
Vorzeichen gelten für ein ganzes Musikstück oder einen Abschnitt und stehen daher am Anfang eines
Musikstücks.
Versetzungszeichen stehen immer innerhalb des Notentextes und gelten jeweils nur bis zum
nächsten Taktstrich. Sie stehen direkt vor der betroffenen Note.
Die Tabelle zeigt wie die Noten mit den Versetzungszeichen heissen:
Note
b
bb
#
##
C
ces
ceses
cis
cisis
D
des
deses
dis
disis
E
es
eses
eis
eisis
F
fes
feses
fis
fisis
G
ges
geses
gis
gisis
A
as
ases
ais
aisis
H
b
heses
his
hisis
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2.6 Enharmonische Verwechslung
Töne, welche in unserem Musiksystem gleich klingen, aber verschieden geschrieben werden,
sind enharmonisch identisch (d.h. sie haben auf einer Klaviertastatur dieselbe Taste). So ist
zum Beispiel der Ton cis' identisch mit dem Ton des'.
Typische Beispiele für die Enharmonische Verwechslung:
Verwechslung
Johann Sebastian Bach:
Franz Liszt:
Chromatische Fantasie,
Chapelle de Guillaume Tell,
Tell
enharmonische
enharmonische Verwechslung gis-as
Verwechslung as-gis
Musiklehre
Alexander N. Skrjabin:
Sonate op.70,
op.70 enharmonische Verwechslung
Ver
des-cis,
cis, es-dis
es
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2.7 Notenwert (Länge der Noten)
Die Längen der Note (Notenwert) werden von den hohlen oder gefüllten Notenköpfen und
den Notenhälsen bestimmt.
Bezeichnung
Notenschrift
Länge
Ganze Note
Notenkopf 1 (4/4)
Halbe Note
leerer Notenkopf mit Notenhals (1/2)
Viertel Note
voller Notenkopf mit Notenhals (¼)
Achtel Note
voller Notenkopf mit Notenhals und einem Fähnchen 1/8
Sechzehntel Note
voller Notenkopf mit Notenhals und zwei Fähnchen (1/16)
Zweiunddreissigstel
Note
voller Notenkopf mit Notenhals
und drei Fähnchen 1/32
Die Geschwindigkeit der Note wird natürlich auch von dem Tempo beeinflusst.
Steht rechts neben einer Note ein Punkt, so wird die Note um die Hälfte ihres Wertes
verlängert:
Ganze Note + Halbe Note = 6/4
Halbe Note + Viertel Note = 3/4
1/4 Note + 1/8 Note = 3/8
1/8 Note + 1/16 Note = 3/16
Musiklehre
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2.8 Triole
Eine Triole ist eine Gruppe von (im einfachsten Fall) drei gleich langen aufeinander folgenden Noten,
die insgesamt aber nur die Dauer von zwei Noten dieses Wertes hat. Triolen werden durch einen
Bogen oder eine Klammer über der Notengruppe mit einer kleinen "3" gekennzeichnet. Bei
Achtelnoten, die mit einem Balken verbunden sind, kann die Klammer wegfallen.
eine Achteltriole besteht aus drei
Achtelnoten, die insgesamt die Zeitdauer
einer Viertelnote einnehmen.
eine Vierteltriole besteht aus drei
Viertelnoten, die insgesamt die Zeitdauer
einer Halben Note einnehmen.
eine Halbetriole besteht aus drei Halben
Noten, die insgesamt die Zeitdauer einer
Ganzen Note einnehmen.
2.9 Zusammengesetzte Längenwerte
Es ist möglich, durch einen Bindebogen zwei oder mehrere Noten zusammenzubinden, um
höhere Längenwerte zu erreichen.
Musiklehre
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2.10 Pausen
Die Pausen werden folgendermassen geschrieben:
Ganze Pause:
Achtel Pause:
Halbe Pause:
Sechzehntel
Pause:
Viertel Pause:
Zweiunddreißigstel
Pause:
Wie bei den Notenzeichen kann auch bei den Pausenzeichen ein Punkt neben diesem
stehen. Auch hier wird der Wert der Pause um die Hälfte ihres Wertes verlängert:
= Ganze Pause + Halbe Pause = 6/4
= Halbe Pause + Viertel Pause = 3/4
= Viertel Pause + Achtel Pause = 3/8
usw.
Treten Pausen in größerer Zahl hintereinander auf, so verwendet man folgendes Zeichen:
Die Ziffern über dem Pausenzeichen bedeutet die Anzahl der Takte.
Musiklehre
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2.11 Verzierungen (Ornamentik)
Ornamentik ist die Lehre von den Verzierungen. Verzierungen sind kleine, durch besondere
Zeichen geforderte Umspielungen einzelner Töne mit ihrem oberen oder unteren Nebenton.
2.11.1 Kurzer Vorschlag (Nebennote, Durchgangsnote)
Der kurze Vorschlag wird durch eine kleine, durchgestrichene Note angezeigt. Er ist am
Grundtempo gemessen immer kurz und hat eher weniger Gewicht als die Hauptnote, es sei denn,
man beabsichtige eine lustige, freche Wirkung
2.11.2 Der lange Vorschlag (Vorhalt)
Der lange Vorschlag wird durch eine kleine, nicht durchgestrichene Note angezeigt. Je nach
Zeit der Komposition wird die Hauptnote somit halbiert.
Regeln (Dieter Flury)
1. Die Länge des Vorhalts beträgt mind. die Hälfte der Länge der Hauptnote. Der Vorhalt
wird auf den Schlag gespielt, seine Länge geht auf Kosten der Hauptnote.
2. Ist die Hauptnote eine Punktierte, nimmt der Vorhalt zwei Drittel der Länge.
3. Ist die Hauptnote im 6/8 (bzw. 12/8 od. 6/4 o.ä.)-Takt fünft Achtelschläge lang, bekommt
der Vorhalt davon drei, die Hauptnote zwei.
Musiklehre
Seite 18
4. Folgt auf die Hauptnote eine Pause, nimmt der Vorhalt die gesamte Dauer der Hauptnote
und die Auflösung wird in die Pause gespielt.
5. Ist die Hauptnote mit Haltebogen eine Note gleicher Höhe angebunden, wird die
angebundene als Pause behandelt und der Vorhalt bekommt nach Reg. 4 die ganze Dauer
der Hauptnote, die angebundene wird als Auflösung gespielt.
Hauptregel:
Diese fünf Regeln haben sich den Regeln der harmonischen Stimmführung unterzuordnen
und gelten nur, wenn sie keine Stimmführungsprobleme verursachen. Und sie gelten nur für
Vorhalte, sie auf schwachen Taktzeiten oder im Anlaut oder bei wiederholten Noten
anzuwenden ist sicher falsch.
Zusammengefasst:
Vorhalte werden auf den Schlag gespielt, ihre Länge beträgt mind. die Hälfte der Hauptnote,
die Hauptnote wird leise angebunden.
Durchgangsnoten werden zwischen die beiden Nachbarnoten hineingeschwindelt, Das
Gewischt liegt auf den Nachbarnoten.
Nebennoten sind am Grundtempo gemessen immer kurz und haben eher weniger Gewicht
als die Hauptnote, es sei denn, man beabsichtige eine lustige, freche Wirkung.
Die kleinen Nötchen dienen dazu, die Melodie gesanglicher und die Harmonie reicher zu
machen!
2.11.3 Der Schleifer
Der Schleifer besteht aus zwei oder mehr Noten und wird, wie der kurze Vorschlag,
möglichst schnell vor der Hauptnote gespielt.
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2.11.4 Pralltriller
Der Pralltriller ist ein rascher Wechsel eines Tones mit seiner oberen Nebennote.
Zusätzlich zum Pralltriller-Zeichen kann noch ein Versetzungszeichen beigefügt sein, welches
sich auf die obere Nebennote bezieht.
2.11.5 Mordent
Der Mordent ist ein rascher Wechsel eines Tones mit seiner unteren Nebennote.
Zusätzlich zum Mordent-Zeichen kann noch ein Versetzungszeichen beigefügt sein, welches
sich auf die untere Nebennote bezieht. Hier ein Beispiel für einen kurzen und einen langen
Mordent.
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2.11.6 Doppelschlag
Der Doppelschlag umspielt die Hauptnote.
Die Doppelschläge können mit b oder # ergänzt sein. Steht das Vorzeichen oberhalb des
Doppelschlag-Symboles wird die obere Note verändert, steht das Vorzeichen unter dem
Symbol wird die untere Note verändert.
2.11.7 Triller
Der Triller beginnt mit der Hauptnote und endet mit einem Nachschlag.
Der Nachschlag entfällt, wenn nach der Hauptnote die untere Nebennote kommt (außer der
Nachschlag ist extra notiert).
Musiklehre
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2.11.8 Verzierungen nach Intervallen
Siehe Anhang 2
Musiklehre
Seite 22
2.12 Tempobezeichnungen
In vielen Fällen verwenden Komponisten zur Kennzeichnung des Tempos eines Musikstückes
Ausdrücke. Am weitesten verbreitet sind italienische, französisch oder deutsche Ausdrücke.
Die wichtigsten italienischen Bezeichnungen sind:
adagietto
Adagio
Adagio molto
Allegramente
Allegreto
Allegro
Andante
Andantino
Grave
Larghetto
Largo
Lento
Moderato
Prestissimo
Presto
Vivace
Wie Adagio aber mit heiterem Charakter
Langsam
Sehr langsam
Munter, lebhaft
Etwa wie Allegro, mit heiterem Charakter
Lebhaft, heiter
Gehend
Etwa wie Andante, mit heiterem Charakter
schwer
Etwa wie Largo, mit heiterem Charakter
Breit, langsam
Langsam, gedehnt
Mässig, aber nicht langsam
Äusserst schnell
Schnell, schneller als allegro
lebhaft
58
104
132
66
40
44
52
88
180
160
Die Ausdrücke können miteinander verkoppelt werden. Zum Beispiel allegro moderato.
Häufig werden aber auch Adjektive hinzugefügt. Hier eine Liste der häufigsten Adjektiven:
Appassionato
Assai
Comodo
Con fuoco
Con moto
Con passione
Molto
Non troppo
Piu
Poco
Sostenuto
Musiklehre
Leidenschaftlich
Sehr
Gemächlich
Mit Feuer
Mit Bewegung
Mit Leidenschaft
Sehr, viel
Nicht zuviel, nicht zu sehr
Mehr
Ein wenig
Gehalten, getragen
Seite 23
Die Tempobezeichnungen gelten für ein gesamtes Musikstück, können aber während den
Stück verändert werden. Folgende Bezeichnungen helfen während des Stückes die Tempis zu
ändern:
Acc. / accel. / accelerando
Allargando
A tempo
Meno mosso
Piu mosso
Poco a poco
Rall. / rallentando
Rit. / ritard. / ritardando
Riten. / ritenuto
Rubato
Stretto
String. / stringendo
Schneller werden
Breiter werden
Wieder im vorigen Tempo
Weniger bewegt
Bewegter
Nach und nach
Allmählich langsamer
Langsamer werden
Tempo zurückhalten, plötzlich langsamer
Freies Tempo
Drängend, überstürzend, eilig
Drängend, schneller werden
2.13 Tempo, Metronom
Zur genauen Bestimmung eines Tempos werden insbesondere in neuerer Zeit häufig
Metronomzahlen benutzt. Die Zahlen geben die Anzahl Schläge in der Minute an. Der mit
der Metronomzahl verbundene Notenwert zeigt an, auf welchen Wert sich die
Tempoangabe bezieht.
Zum Beispiel
Musiklehre
= 120
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2.14 Dynamik (Lautstärken)
Die Lehre von der Abstufung der Tonstärkegrade nennt man Dynamik. Es stehen folgende
Zeichen für die Dynamik:
ffff
fff
ff
f
mf
mp
p
pp
ppp
pppp
Fp
sf, sfz, fz
Doppeltes fortissimo
Forte fortissimo
Fortissimo
Forte
Mezzoforte
Mezzopiano
Piano
Pianissimo
Piano pianissimo
Doppeltes pianissimo
Forte piano
Sforzato
So stark wie möglich
Äusserst stark
Sehr laut
Laut
Mässig laut
Mässig leise
Leise
Sehr leise
Äusserst leise
So leise wie möglich
Laut ansetzen, sofort leise
Ton besonders
hervorheben
Die gleitende Veränderung der Lautstärke wird durch folgende Zeichen ausgedrückt:
Cresc. / crescendo = lauter werden =
<
Decresc. / decrescendo = leiser werden =
Musiklehre
>
Seite 25
2.15 Charakterisierung
Um einem Stück mehr Charakter zu geben, stehen viele Ausdrücke zur Verwendung. Hier
eine Auswahl der häufigsten:
Affettuoso
Brillante
Cantabile
Con brio
Con espressione
Dolce
Espressivo
Scherzando
Musiklehre
Leidenschaftlich, freundlich
Glänzend
Singend
Mit Schwung, mit Feuer
Mit Ausdruck
Sanft, lieblich, zart
Ausdrucksvoll
Scherzend
Seite 26
2.16 Artikulation
Die Artikulation ist ein Teil der musikalischen Interpretation. Sie dient als äusserst wichtiges
Ausdruckselement. Man kennt zwei gegensätzliche Formen der Artikulation, das Staccato
(gestossen) und das Legato (gebunden).
Staccato: Punkte über den Noten bedeuten, daß diese kurz gespielt werden müssen.
Legato: Bögen über zwei oder mehreren Noten bedeuten, daß man gebunden (keine Pausen
zwischen den Noten) spielen muß:
Musiklehre
Seite 27
3 Akkustik
3.1 Allgemeines
Akustik ist die Lehre vom Schall. Der Begriff Ton bedeutet wissenschaftlich reine Schwingung.
Schall entsteht durch Schwankungen des Luftdrucks, die an unser Ohr gelangt. Ob ein Ballon zerplatzt
oder ein Mensch singt, immer breitet sich ein Luftdruckimpuls oder eine Folge von Impulsen als
Schallwellen aus. Die Luft dient dabei als Uebertragunsmedium. Wenn eine Schwingung unser Ohr
erreicht, nehmen wir sie als Ton oder Klang mit bestimmbarer Tonhöhe war.
Bei den meisten Musikinstrumenten ist ein Hohlraum, der die Schwingung verstärkt. Die Saiten der
Geige zum Beispiel geben ihre Schwingungen über den Steg an den Korpus weiter.
Da jeder Ton aus Schwingungen besteht, deren Geschwindigkeit die Tonhöhe bestimmt, lassen sich
die Tonhöhen in Schwingungszahlen ausdrücken (Frequenz)
Musiklehre
Seite 28
4 Intervalle
4.1 Allgemeines
Die Naturphilosophen der Antike entdeckten, dass sich mit Saitenteilungen in einfachen
ganzzahligen Verhältnissen musikalisch verwendbare Intervalle bilden lassen.
Den Abstand zweier Töne voneinander bezeichnet man als Intervall. Als Namen für diese
Abstände werden die lateinischen Ordnungszahlen gebraucht, und zwar so, daß das Intervall
der ersten Stufe Prim (lat. prima, die erste Note), das Intervall der zweiten Stufe Sekund (lat.
secunda, die zweite) genannt wird u.s.w..
Die ersten 8 Intervalle heißen:
Prim, Sekund, Terz, Quart, Quint, Sext, Septim und Oktav.
Zur Feststellung der Intervallgröße gehen wir von jenen Intervallen aus, die auf dem
Grundton der Durtonleiter aufgebaut sind, und zwar werden die Prim, Quart, Quint und
Oktav als rein (vollkommene Konsonanzen) und alle anderen Intervalle als groß bezeichnet.
Sekund / Terz / Sext / Sept / Non / Dezim
Prim / Quart / Quint / Oktav
Musiklehre
= gr. oder klein
= rein, vermindert oder übermässig
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4.2 Alteration
Die Intervalle können durch Alteration (# bzw. b) vergrößert oder verkleinert werden.
Reine Intervalle werden durch Vergrößerung übermäßig, durch Verkleinerung vermindert.
Beispiel:
die reine Quint c - g wird durch Erhöhung des g zum gis zur übermäßigen Quint;
durch Erniedrigung des g zum ges zur verminderten Quint :
Große Intervalle werden durch Vergrößerung übermäßig, durch Verkleinerung klein und
durch nochmalige Verkleinerung vermindert.
Beispiel :
die große Sekund c - d wird durch Erhöhung des 'd' zum 'dis' zur
übermäßigen Sekund;
durch Erniedrigung des 'd' zum 'des' wird sie zur kleinen Sekund:
Musiklehre
Seite 30
4.3 Alteration / Gehörschulung
Im Rahmen der Gehörschulung sind allerdings nur die großen bzw. kleinen Intervalle und die
reinen Intervalle interessant, da verminderte und übermäßige Intervalle nur in der Theorie
existieren.
Eine übermäßige Quint z.B. c - gis wäre vom Hören eine kleine Sext (c - as), da das gis
enharmonisch umgedeutet dem as entspricht.
Einzige Ausnahme ist die übermäßige Quart, welche der verminderten Quint entspricht.
Diese Intervall nennt man Tritonus, da dieser Abstand drei Ganztönen entspricht (c - d - e fis).
Die Intervalle werden, wie im obigen Beispiel, auch mit Ziffern bezeichnet (1=Prim,
2=Sekund, 3=Terz u.s.w.).
Musiklehre
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4.4 Konsonanzen / Dissonanzen
Intervalle teilt man in Konsonanzen und Dissonanzen. Zeichen von Konsonanz ist die
Wirkung von Ruhe und Entspannung, Zeichen von Dissonanz sind Reibung und Schärfe mit
dem Streben nach Auflösung in eine Konsonanz.
Konsonante Intervalle sind:
Prim, Oktav, Quart, Quint (vollkommene Konsonanzen)
Terz, Sext und Dezim (unvollkommene Konsonanzen)
Dissonante Intervalle sind:
alle Sekunden, Septen und alle übermäßigen und verminderten Intervalle.
Beispiele zur Bestimmung von Intervallen:
Beispiel 1:
Zuerst zählt man den Abstand der beiden Töne voneinander, wobei der erste Ton mitgezählt
wird. In diesem Beispiel sind es 3 Töne (d - e - fis) also eine Terz.
Dann kontrolliert man, ob der höhere Ton in der Tonleiter des unteren Tones vorhanden ist:
Das fis kommt in der D-Dur Tonleiter vor (D-Dur hat 2 Vorzeichen fis und cis), also ist dies
eine große Terz.
Beispiel 2:
Zuerst zählt man wieder den Abstand der beiden Töne voneinander, in diesem Beispiel sind
es 7 Töne (d - e - f - g - a - h - c), also eine Septim.
In der D-Dur Tonleiter ist der 7. Ton das cis (D-Dur hat 2 Vorzeichen fis und cis), also wäre d cis eine große Septim; in diesem Beispiel haben wir aber kein cis, sondern ein c.
Musiklehre
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Der Abstand ist also kleiner (das c ist einen Halbton tiefer als das cis, und dem d näher),
deshalb ist dies eine kleine Septim.
Beispiel 3:
Wie wir bereits vom vorigen Beispiel wissen, ist d - c eine kleine Septim. In diesem Beispiel
ist das d mit einem Kreuz zum dis erhöht, also einen Halbton höher und somit dem c näher,
also wird der Abstand dieser Töne noch kleiner.
Wenn man ein kleines Intervall nochmals verkleinert, wird dieses Intervall vermindert, dis - c
ist also eine verminderte Septim.
Beispiel 4:
Zuerst zählt man wieder den Abstand der beiden Töne voneinander, in diesem Beispiel sind
es 4 Töne (d - e - f - gis ) also eine Quart.
In der D-Dur Tonleiter gibt es kein gis, die reine Quart würde also d - g heißen. Durch das
Vorzeichen vergrößert sich der Abstand zwischen den beiden Tönen, die reine Quart wird so
zur übermäßigen Quart (Tritonus).
Beispiel 5:
Der Abstand der beiden Töne voneinander sind 3 Töne (es - f - gis ) also eine Terz.
In der Es-Dur Tonleiter gibt es kein gis, die große Terz würde also es - g heißen. Durch das
Vorzeichen vergrößert sich der Abstand zwischen den beiden Tönen, die große Terz wird so
zur übermäßigen Terz.
Enharmonisch umgedeutet wäre dies eine reine Quart (dis - gis bzw. es - as).
Musiklehre
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5 Takt und Rhythmus
5.1 Allgemeines
Mehrere Schläge werden zu Takten zusammengefaßt. "Takt" vom lat. ‘tactus’ , der Schlag. Das
Schlagen der Zählzeit eines Musikstückes durch den Dirigenten. Bis ins 18. Jahrhundert wurde der
Takt vom Dirigenten mit einem langen Stock auf den Boden geschlagen.
Der Takt gliedert das Notensystem in gleichmässig wiederkehrende Gruppen und schafft damit eine
Gewichtung zwischen betonten und unbetonten Pulsschlägen. Der erste Pulsschlag im Takt ist die
betonte Zählzeit, danach folgen ein oder mehrere unbetonte Pulsschläge, je nach vorgeeschriebener
Taktart.
Zum Beispiel der ¾ Takt: EINS, zwei, drei (Walzer)
5.2 Takteinteilung
Anzahl und Art der Notenwerte bzw. Schläge eines Taktes werden durch Zähler und Nenner
am Anfang eines Stückes angegeben z.B.:
also 4/4, oder 2/4, 3/4, 3/8, 4/8 usw.
Der 4/4 Takt hat als Sonderzeichen einen Halbkreis (C) der in durchgestrichener Form die
Halbe als Grundschlag verlangt (alla breve) und damit ein schnelleres Tempo signalisiert, die
ganze Note wird zur halben Note:
Innerhalb eines Musiksystemes könnten Taktarten wechseln. Zum Beispiel von ¾ auf 4/4
usw.
Musiklehre
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Die gebräuchlichsten Taktarten sind :
5.3 Der Auftakt
Am Anfang eines Stückes kann ein unvollständiger Takt stehen. Dieser Auftakt findet sich z.
B. in Liedern, die mit einer oder mehreren unbetonten Silben beginnen. Der Wert des
Auftaktes wird vom letzten Takt abgezogen, der letzte Takt ist also ebenfalls unvollständig.
z.B.:
5.4 Der Rhythmus
Rhythmus ist nicht, wie der Takt ein abstraktes Raster, sondern eine individuelle musikalische Gestalt
aus verschiedenen Notenwerten. Ein Rhythmus kann als reine Schlagfolge erklingen, z.B. bei einem
Schlaginstrument, in den meisten Fällen konkretisiert sich ein Rhythmus aber in einer melodischen
oder harmonischen Gestalt, d.h. eine Melodie oder eine Akkordfolge verlaufen in einem bestimmten
Rhythmus.
Musiklehre
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6 Tonleitern
6.1 Allgemein
Unter einer Tonleiter oder Skala versteht man eine Reihe von Tönen, welche innerhalb einer
Oktave geordnet sind, und das "Grundmaterial" eines Stückes bzw. einer Komposition
darstellen.
6.2 Tetrachorde
Ausgangspunkt für die Struktur der Tonleiter ist der Tetrachord (griechisch tetra = vier), ein
Komplex von vier aufeinanderfolgenden Tönen (Quarte).
Die Art der Oktavteilung, bzw. die Tonabstände zwischen den Tönen, bestimmen das
Tongeschlecht. Grundsätzlich lassen sich in unserem 12tönigen Tonsystem 4
Einteilungsarten der Oktave unterscheiden:
Pentatonik, Ganztonleiter, Diatonik und Chromatik.
6.2.1 Pentatonik
Die Pentatonik ist eine halbtonlose Fünftonleiter mit 3 Ganztönen und 2 kleinen Terzen:
Man kann sich die Pentatonik vorstellen als die Zusammenlegung vier benachbarter Quinten
in den Raum einer Oktave ( c - g - d - a - e).
Musiklehre
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6.2.2 Ganztonleiter
Die Ganztonleiter ist eine halbtonlose Sechstonleiter, bestehend aus lauter Ganztönen:
Die Ganztonleiter ist ein beliebtes Ausdrucksmittel der impressionistischen Musik (Claude
Debussy, Maurice Ravel...).
6.2.3 Durtonleiter (Diatonik)
Schreibt man alle Töne von c' bis c'' ohne Versetzungszeichen, so bekommt man eine CDurtonleiter.
Die Halbtonschritte einer Durtonleiter sind immer zwischen der III. und IV. Stufe und
zwischen der VII. und VIII. Stufe.
Die Durtonleiter besteht aus zwei gleichen Hälften, den sogenannten Tetrachorden
(griechisch tetra = vier), welche jeweils aus 2 Ganztönen und einem Halbton bestehen.
Will man diese Durtonleiter nach aufwärts oder abwärts versetzen (transponieren), so muß
man durch die entsprechenden Vorzeichen dafür sorgen, daß sich zwischen der III. und IV.
Stufe und zwischen der VII. (Leitton) und VIII. Stufe Halbtonschritte und zwischen allen
anderen Stufen Ganztonschritte befinden.
So würde also eine Durtonleiter von d' aus folgendermaßen aussehen :
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6.3 Dur – Quintenzirkel (-Spirale)
Den Quintenzirkel erhält man, wenn man alle Dur-Tonarten der Reihe nach ordnet:
So lassen sich alle Dur-Tonarten anschaulich ordnen.
Reihenfolge der Vorzeichen:
Fis, Cis, Gis, Dis, Ais, Eis, His
B, Es, As, Des, Ges, Ces, Fes
Musiklehre
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6.4 Moll-Tonleiter
Bei der Molltonleiter unterscheiden wir drei verschiedene Arten :
Rein
Halbton – Ganzton - Ganzton
Harmonisch
Halbton – Eineinhalbton - Halbton
Melodisch
aufwärts: Ganzton – Ganzton – Halbton
abwärts: Ganzton – Ganzton - Halbton
Zwei Weisen in Beziehung moll zu dur
C-Dur und c-moll = Variant (gleicher Grundton)
C-Dur und a-moll = Parallel (gleiche Vorzeichen)
Reihenfolge moll
C-Dur
0 VZ
a-moll
G-Dur
1#
e-moll
D-Dur
2#
h-moll
A-Dur
3#
fis-moll
E-Dur
4#
cis-moll
H-Dur
5#
gis-moll
Fis-Dur
6#
dis-moll
Cis-Dur
7#
ais-moll
F-Dur
1b
d-moll
B-Dur
2b
g-moll
Es-Dur
3b
c-moll
As-Dur
4b
f-moll
Des-Dur
5b
b-moll
Ges-Dur
6b
es-moll
Ces-Dur
7b
as-moll
Musiklehre
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6.4.1 Reine Moll
Dem reine Moll liegt die Tonreihe a-h-c-d-e-f-g-a zugrunde (ihr Vorläufer ist die äolische
Kirchentonart) , d.h. ihre Halbtonschritte liegen zwischen der II. und III. Stufe und zwischen
der V. und VI. Stufe.
6.4.2 Harmonisches Moll
Beim harmonischen Moll wird die VII. Stufe durch ein Versetzungszeichen erhöht (Leitton)
Dadurch ergeben sich 3 Halbtonschritte ( zwischen der II. und III. Stufe, der V. und VI. Stufe
und zwischen der VII. und VIII. Stufe) und ein 1 1/2 Tonschritt (übermäßige Sekund)
zwischen der VI. und VII. Stufe.
6.4.3 Melodisches Moll
Die melodische Molltonleiter erhöht beim Aufwärtsgehen nicht nur die VII. Stufe sondern
auch die VI. Stufe, um den "übermäßigen Sekundschritt" zwischen der VI. und VII. Stufe zu
vermeiden, erniedrigt aber beide wieder beim Abwärtsgehen.
Musiklehre
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6.5 Quintenzirkel: Dur + Moll
An der Außenseite dieses Kreises sieht man die Durtonarten (Großbuchstaben) und ihre
zugehörigen Vorzeichen; an der Innenseite stehen die zugehörigen (parallelen) Molltonarten
(Kleinbuchstaben), welche dieselben Vorzeichen wie ihre parallelen Durtonarten haben.
6.6 Zigeuner-Moll
Das Zigeunermoll ist eine Variante der harmonischen Moll-Tonleiter mit einem zusätzlichen
Leitton zur Dominante.
Bei dieser Tonleiter gibt es vier Halbtonschritte, zwei 11/2 -Tonschritte (überm. Sekund) und
nur einen Ganztonschritt.
Musiklehre
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6.7 Chromatische Tonleiter
Die Aufeinanderfolge von allen zwölf Halbtonschritten ergibt die chromatische Tonleiter.
Es gilt im allgemeinen der Grundsatz, daß beim Aufwärtsgehen ein Kreuzvorzeichen, und
beim Abwärtsgehen ein b-Vorzeichen verwendet werden soll.
Musiklehre
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6.8 Kirchentonarten
Im Gregorianischen Choral (= der einstimmige liturgische Gesang der katholischen Kirche,
geht auf Papst Gregor den Großen (um 600) zurück) und im alten Volkslied, aber auch im
Jazz, begegnen uns noch andere Tonreihen, die ebenfalls Ausschnitte aus dem Bereich der
Diatonik sind; die sogenannten Kirchentonarten :
6.8.1 Dorisch
Halbtonschritt Stufe:
2 – 3 und 6 - 7
6.8.2 Phrygisch
Halbtonschritt Stufe:
1 – 2 und 5 6
6.8.3 Lydisch
Halbtonschritt Stufe:
4 – 5 und 7 - 8
6.8.4 Mixolydisch
Halbtonschritt Stufe:
3 – 4 und 6 - 7
Musiklehre
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6.8.5 Äolisch
Halbtonschritt Stufe:
2 – 3 und 5 - 6
6.8.6 Ionisch (Dur)
Halbtonschritt Stufe:
3 – 4 und 7 - 8
Diese Kirchentonarten können natürlich auch auf jeden anderen Grundton aufgebaut
werden, es ist allerdings darauf zu achten, daß ihre Halbtonschritte durch die
entsprechenden Versetzungszeichen zwischen denselben Stufen zu liegen kommen.
Der Umfang einer Kirchentonreihe wird Ambitus genannt, den Grundton nennt man Finalis
(Schlußton) und die Tonreihe nennt man auch Modus.
Außer den oben angeführten Kirchentonarten, die man authentische (ursprüngliche)
Tonarten nennt, gibt es noch die plagalen (abgeleiteten) Tonarten. Diese stehen 4 Töne
tiefer als die entsprechenden authentischen und haben dieselbe Finalis. Sie werden mit
denselben Namen mit einem vorgesetzten "Hypo" bezeichnet, also Hypodorisch,
Hypophrygisch, Hypolydisch u.s.w..
Eine weitere Tonskala (Tonleiter) ergibt sich, wenn man eine Tonreihe aus acht Tönen auf
der Note h aufbaut. Diese Tonskala ist, wie auch die oben genannten Kirchentonarten, im
Jazz gebräuchlich und man nennt sie Lokrisch (auch locrisch geschrieben):
Musiklehre
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7 Akkordlehre
7.1 Allgemeines
Als Akkord bezeichnet man den Zusammenklang mehrerer verschiedener Töne.
In der Praxis haben sich ganz bestimmte Bausysteme von Akkorden entwickelt:
-
Akkorde die nach dem System des Aufbaus aus Terzen gebildet sind
Akkorde im Aufbau aus Terzen und Zusatztönen
Akkorde, die nach dem System des Aufbaus aus Quarten gebildet sind
Akkorde in Mischstrukturen, im Aufbau aus Terzen und Quarten
Akkorde mit zwei oder mehreren tonalen Basen
7.2 Akkorde aus Terzen aufgebaut, Dreiklang
Der im Bereich der dur-moll-funktionalen Musik vorwiegend gebrauchte Akkord ist der aus Terzen
aufgebaute Akkord mit Zusatztönen und ohne solche. Der einfachste und typischste und häufigste
verwendete aus Terzen aufgebaute Akkord ist der Dreiklang. Es gibt vier Arten von Dreiklang:
1. der Dur-Dreiklang, große Terz unten und kleine Terz oben:
2. der Moll-Dreiklang, kleine Terz unten und große Terz oben
3. der verminderte Dreiklang, bestehend aus zwei kleinen Terzen:
4. der übermäßige Dreiklang, bestehend aus zwei großen Terzen
Musiklehre
Seite 45
7.2.1 Umkehrungen des Dreiklangs
Jeder Ton eines Dreiklangs kann Baßton sein. Daraus ergeben sich die sogenannten
Umkehrungen der Dreiklänge (Sextakkord und Quartsextakkord).
7.2.1.1
Umkehrungen des Dur-Dreiklanges:
7.2.1.2
Umkehrungen des Moll-Dreiklanges:
7.2.1.3
Umkehrungen des verminderten Dreiklanges:
7.2.1.4
Umkehrungen des übermäßigen Dreiklanges:
Musiklehre
Seite 46
Der übermäßige Dreiklang ist ein Sonderfall:
Kehrt man diesen um, so ergeben sich rein gehörsmäßig keine eigentlichen Umkehrungen,
da eine Umkehrung eines übermäßigen Dreiklanges, enharmonisch umgedeutet, wieder
einen Dreiklang mit 2 großen Terzen ergibt.
7.2.2 Dreiklänge der Dur- und Molltonleiter
Man kann in allen Tonarten auf jeder Stufe (auf jedem Ton) einen Dreiklang aus
leitereigenen Terzen aufbauen. (Leitereigene Töne sind Töne, die in einer Tonart enthalten sind, alle
anderen nennt man 'leiterfremd'.)
7.2.2.1
Dreiklänge der Dur-Tonleiter:
7.2.3 Hauptdreiklänge
Die Dreiklänge der I., IV. und V. Stufe nennt man Hauptdreiklänge, die Dreiklänge der
übrigen Stufen Nebendreiklänge.
Die Hauptdreiklänge haben außerdem noch einen eigenen Namen: I. Stufe: Tonika-Dreiklang
(Tonika), V. Stufe (Ober-)Dominant-Dreiklang (Dominate), IV. Stufe Unterdominant-Dreiklang
(Subdominante)
Musiklehre
Seite 47
Mit Hilfe dieser Hauptdreiklänge kann man sehr leicht Begleitungen zu einfachen Lieder
selbst gestalten.
Beispiele:
Musiklehre
Seite 48
7.3 Septakkord
Baut man nicht zwei sondern drei Terzen übereinander auf, so bekommt man einen
Septakkord. Dieser Akkord wird deshalb so genannt, weil er aus einer Terz, einer Quint und
einer Sept besteht.
7.3.1 Die Septakkorde der Dur-Tonleiter:
7.3.2 Die Septakkorde der Moll-Tonleiter:
Musiklehre
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7.4 Dominantseptakkord
Der am häufigsten verwendete Septakkord ist der Dominantseptakkord.
Dieser kommt auf der V. Stufe (Dominante) einer Durtonleiter vor und besteht aus einem
Durdreiklang mit kleiner Septim.
Auch dieser Akkord kann umgekehrt werden und es ergeben sich folgende Umkehrungen:
Selbstverständlich gibt es auch alle anderen Arten von Septakkorden welche sich aus der
Kombination von den verschiedenen Dreiklängen mit kleiner oder großer Sept ergeben.
Auch diese Septakkorde können wiederum umgekehrt und auf jeden beliebigen Baßton
transponiert werden.
Weitere Akkorde bekommt man, indem man nicht drei sondern vier oder sogar fünf Terzen
übereinander schichtet ( 7,9,11 ...). Diese Akkorde werden dann aber nicht mehr vollständig
verwendet sondern nur der jeweilige Grunddreiklang (mit oder ohne Quint) mit der 9 (groß
oder klein) oder der 11 (groß oder klein) oder der 13 (groß oder klein) als zusätzliche
klangliche 'Kosmetik'.
Bezeichnet werden solche Akkorde z.B. :
C = C-Dur
Cm = C-Moll
C7 = C-Dur mit kleiner Sept
Cmaj7 = C-Dur mit grosser Sept
Cm7 = C-moll mit kleiner Sept
Cm maj7 = C-Moll mit grosser Sept.
Musiklehre
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8 Diverses
8.1 Musikbezeichnungen
8.1.1 Capriccio (Caprice)
Capriccio (auch Kapriccio, französisch (le) caprice; Mz.: Capriccios; Capriccii, Capricen)
bezeichnet Formen der Musik, der Malerei und der Literatur.
Als Begriff der Kunsttheorie bezeichnet es den absichtlichen, lustvollen Regelverstoß, die
phantasievolle, spielerische Überschreitung der akademischen Normen, ohne die Norm
außer Kraft zu setzen.
8.1.2 Concerto
Concerto oder Konzert ist eine Symphonie für ein ganzes Orchester, das mit Soloinstrument
oder einer Gruppe von Soloinstrumenten ausgestattet ist.
In den frühen Anfängen (Bach/Händel) der Klassik wurde mit dem Begriff „Concerto“ sehr
offen umgegangen. Beinahe alle Stücke für mehrere Instrumente wurden so genannt. Erst
später wurden nur noch Symphonien für ein grosses Orchester so genannt. Orchester waren
kleiner, sie bestanden eher aus mehreren Soloisten-Grüppchen.
Später in der Klassik (Zeit v. Mozart/Haydn) wurden die Orchester immer grösser. Die
Concertino Gruppen immer kleiner. Die „Show off“ Elemente wurden wichtiger und die
Wichtigkeit der Soloisten immer grösser.
Einziger Nachteil, das Show off der Soloisten wurde immer grösser. So gross, dass bald nur
noch Concertos für die Brillianz eines einzelnen Soloisten komponiert wurden. Die Melodie
hatte das Soloinstrument, das Orchester begleitete nur noch. Auch genannt Solo-Concerto.
Im 20ten Jahrhundert (Bartok usw.) haben die Komponisten deswegen begonnen, zurück
zum ursprünglichen Concerto zu gehen. Nicht, dass keine Solos mehr komponiert wurden,
aber die Show off’s wurden immer mehr zurück gehalten, mehrere Instrumente erhalten ihr
Solo. Sogenannte Neo-Classical Concertos.
8.1.3 Gavotte
Die Gavotte ist ein historischer Gesellschaftstanz. Sie ist häufig Bestandteil der barocken
Suite.
Kennzeichen für die Gavotte in der Barockmusik sind:
•
•
•
Rasches Tempo im lebhaften alla breve-Rhythmus
Gerader Rhythmus ohne Synkopen oder Nebenbetonungen.
Oft halbtaktiger Auftakt
Musiklehre
Seite 51
•
In der Regel mindestens zwei Teile, die ihrerseits aus mindestens zwei Phrasen bestehen und
wiederholt werden. Die zweite Phrase eines jeden Teils beginnt normalerweise in der Mitte
eines Taktes.
8.1.4 Gigue
Die Gigue (französisch, [ʒiːɡ]), auch unter der italienischen Bezeichnung Giga bekannt, ist
eine Tanzform der Barockmusik in lebhaftem, raschem 12/8-Takt, mitunter auch im 6/8Takt.
Ursprünglich ein bäuerlicher Tanz, entwickelte sich die Gigue zu einem häufig verwendeten
Stilmittel der barocken Hochmusik in Konzerten, Sonaten und vor allem Tanz-Suiten.
8.1.5 Kandenz
Orchester stoppt komplett für die Kadenz (Show off) der Soloisten. Eine Pause vor der
letzten Kadenz des Stückes.
8.1.6 Menuett
Das Menuett (Minuetto) ist ein alter französischer Volkstanz im ¾ Takt in mäßigem Tempo und seit
dem 17. Jh. Hof- und Gesellschaftstanz, der bei Ludwig XIV sehr beliebt war. Es beherrschte bis in
das 19. Jahrhundert Ballsäle und Bühnen.
8.1.7 Ouvertüre
Mit Ouvertüre (von französisch «ouverture», zu deutsch „Eröffnung“) werden folgende
Arten von Musikstücken bezeichnet:
•
Der Eröffnungssatz der Suite, die sog. Französische Ouvertüre mit ihrer typischen dreiteiligen
Form:
•
•
•
•
gravitätischer Einleitungsteil mit punktierten Rhythmen,
schneller, fugierter Mittelteil,
an den ersten Teil angelehnter Abschlussteil.
Die Italienische Ouvertüre, mit ebenfalls dreiteiliger Form:
•
•
•
schneller, oft konzertant gehaltener Einleitungsteil,
langsamer, arioser Mittelteil,
Tanz, oft an den ersten Teil angelehnt.
•
Die Opernouvertüre, instrumentales Einleitungsstück einer Oper, das üblicherweise bei noch
geschlossenem Vorhang gespielt wird und oft die wichtigsten musikalischen Gedanken des
Werkes bereits vorab zusammenfassend vorstellt.
•
Die Konzert-Ouvertüre, ein Orchesterstück kleineren Ausmaßes, komponiert speziell für den
Gebrauch in Orchesterkonzerten (ohne Bezug zu einer Oper). Meist in Form eines raschen
Sonatensatzes mit vorangestellter langsamer Einleitung.
Musiklehre
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8.1.8 Partita
Partita (ital., von partire = teilen) ist die Bezeichnung für den einzelnen Teil (Satz) einer Tanzfolge
oder Variationsreihe. Seit dem 17. Jahrhundert wird die Bezeichnung auch allgemein für
Instrumentalstücke oder für Satzfolgen im Sinne der Suite verwendet.
8.1.9 Pastorale
Der Begriff Pastorale (v. lat. pastor = „Hirte“) bezeichnet in der Musik
a) eine zumeist dreistimmige Kirchenmusikform des Mittelalters;
b) eine Operngattung bes. des 17. und 18. Jahrhunderts, die sich aus dem Schäferspiel des
Sprechtheaters entwickelte. In der Handlung finden sich ländliche, beschauliche Motive, z. B.
das Musizieren von Hirten auf der Schalmei oder idyllische Liebesgeschichten.
c) die Pastorale der Instrumentalmusik. Diese hat ihren Ursprung im weihnachtlichen
Musizieren der Pifferari, italienischer Hirten, die zur Weihnachtszeit in Rom vor
Madonnenbildern musizierten. Pastoralen sind meist im 12/8-Takt und in der Tonart F-Dur
komponiert.
8.1.10 Rondo
Das Rondo ist eine seit dem 17. Jahrhundert bekannte musikalische Form, bei der sich ein
wiederkehrender Formteil (genannt Ritornell, Kehrreim oder Refrain) mit anderen Teilen (meistens
Couplet genannt) abwechselt. Das Rondo kann für sich alleine stehen, ist aber meist ein Teil (Satz)
eines zyklischen Werkes. In Sonaten und Solokonzerten bildet es häufig den virtuosen Schlusssatz.
8.1.11 Sonate
Eine Sonate (ital. sonata, suonata, von suonare "klingen, erklingen lassen"/lat. sonare "klingen") ist
ein mehrsätziges Stück für irgend ein Instrument. Das kann eine Flöte oder ein Piano, ein Cello oder
eine Oboe, usw. sein.
Je nach Besetzung wird unterschieden zwischen Solosonaten für ein einzelnes Instrument – meistens
Klavier oder Violine, Duosonaten - – meistens ein Streich- oder Blasinstrument plus Klavier –, und
Triosonaten oder Quartetten.
8.1.12 Suite
Eine Suite (von französisch suite = Folge) ist in der Musik ein Zyklus von Instrumental- oder
Orchesterstücken, der in einer vorgegebenen Abfolge ohne längere Pausen gespielt wird. In der
zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts etablierte sich daneben der Name Partita, im 18. Jahrhundert
wurden Suiten auch oft durch Overtüren eingeleitet.
Musiklehre
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8.1.13 Sinfonie
Die Sinfonie oder Symphonie (auch ital. Sinfonia, von griechisch σύν „zusammen" und griechisch
„Klang“) ist eine Sonate für das ganze Orchester. Es ist seit Beginn des 17. Jahrhunderts die
gebräuchliche Bezeichnung für Instrumentalwerke von über die Jahrhunderte wechselnder Form und
Besetzung. Nach klassischem Verständnis handelt es sich dabei um ein aus mehreren (in der Regel
vier) Sätzen bestehendes Stück für Orchester ohne Solisten.
8.1.14 Trio / Duett / Quartett usw.
All diese Bezeichnungen sind eigentlich Sonaten für eine bestimmte Anzahl von Instrumenten.
Musiklehre
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8.2 Epochen
Als Epoche bezeichnet man in der Musik einen Zeitabschnitt, in dem stilistische
Gemeinsamkeiten herrschten.
Die herkömmliche Einteilung der europäischen Musikgeschichte sieht dabei meistens wie
folgt aus:
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•
Musik der Vor- und Frühgeschichte
Musik der Antike
Musik des Mittelalters (8. bis 15. Jahrhundert)
Renaissancemusik (15. bis 16. Jahrhundert)
Barockmusik (ca. 1600 bis 1750)
Klassik (Frühklassik, Wiener Klassik) (ca. 1730 bis 1830)
Musik der Romantik (19. Jahrhundert)
Neue Musik (20. und 21. Jahrhundert)
8.2.1 Musik der Vor- und Frühgeschickte
Viele Funde deuten darauf hin, das sich bereits unsere allerfrühesten Vorfahren mit Musik
beschäftigten.
8.2.2 Musik der Antike
Wissenschaftler und Forscher auf der ganzen Welt spekulieren über den Ursprung der Musik. Klar ist,
dass im Altertum die Musik mit dem Glauben zu tun hatte. Die Musik wurde Gottheiten
zugeschrieben, infolgedessen sie als bildend und veredelnd, unter Umständen auch als Wunder
wirkend galt.
Schon bei den Indern herrschte diese Anschauung, welche in Brahma nicht nur den obersten der
Götter, sondern auch den Schöpfer der Musik und in seinem Sohne Nared den Erfinder des
nationalen Musikinstruments, der Vina (Saiteninstrument), verehren.
Die Musik Chinas nahm eine hervorragende Stellung ein; man erkannte in ihr ein wirksames Mittel
zur Beförderung der Sittlichkeit, und der weiseste aller chinesischen Gesetzgeber.
Dass die Musik im öffentlichen wie im Privatleben Ägyptens eine wichtige Rolle spielte, zeigen die
zahlreichen, auf fast allen Monumenten des Landes wiederkehrenden bildlichen Darstellungen von
Sängern und Instrumentalisten, bald einzeln, bald zu Chören und Orchestern vereint.
8.2.3 Musik des Mittelalters
Als mittelalterliche Musik wird europäische Musik bezeichnet, wie sie seit dem 9. Jahrhundert
aufgeschrieben wurde und in der Folgezeit bis etwa 1430 entstanden ist.
Musiklehre
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8.2.4 Renaissancemusik
Als Renaissancemusik bezeichnet man die Musik im Zeitraum des 15. und 16. Jahrhunderts.
Das aufkommende, auf die Antike zurückgeführte Weltbild mit dem Menschen im
Mittelpunkt schlägt sich auch in der Musik nieder: Hohe Spaltklänge, also nichtvermischte
Klänge, des Mittelalters wurden gegen den Vollklang ersetzt, die Quinten- und
Quartenharmonik weicht Terzen und Sexten. Die Entwicklung der Dreiklangsharmonie
bereitet sich vor, indem statt der vormals üblichen aufeinander folgenden Stimmeinsätze die
Zeilen jetzt gemeinsam begonnen wurden.
In der Florentiner Camerata (Kreis von Dichtern, Musikern, Philosophen und Gelehrten des
Adels) wurde die Monodie (Einzelgesang mit sparsamer Instrumentalbegleitung) entwickelt;
die Folge war ein europaweites Umschwenken in Richtung einer Musik, die erstmals
menschliche Affekte, in musikalische Figuren gekleidet, als zentralen Inhalt hatte.
Die musikalische Satztechnik des Fauxbourdon (musikalisch angewandter Satz) wird ein
weiteres Kennzeichen für die Renaissancemusik. Sie sicherte die Verständlichkeit der Texte
und war leicht nachvollziehbar.
In der Epoche der Renaissance ist die Einteilung der Stimmen in Sopran, Alt, Tenor und
Bass abgeschlossen. Mit der zugefügten Bassstimme im Chorsatz wandelte sich das
Klangideal, und der vierstimmige Chorsatz wurde Standard.
Im Mittelpunkt der Renaissancemusik steht die mehrstimmige Vokalmusik, die
Instrumentalmusik wird mit Conrad Paumanns Fundamentum organisandi von 1452
eingeleitet.
In der Kirchenmusik beginnt die Orgel langsam Fuß zu fassen. Orgelbücher mit Noten und
Lehrbücher entstanden.
Das gebräuchlichste Hausinstrument der Zeit ist die Laute, für die eine eigene Griffschrift
entwickelt wurde. Solistische Gesänge und Ensemblestücke wurden mit ihr begleitet, ebenso
konnten Vokalwerke für Laute umgeschrieben werden.
In die Zeit der Renaissance fällt auch die erste große Instrumentenentwicklungswelle im
neuzeitlichen Europa. Neben der Weiterentwicklung des mittelalterlichen Instrumentariums
erscheinen viele neu entwickelte Instrumente erstmals in dieser Zeit. Insbesondere Holzblas-,
Blechblas- und Streichinstrumente werden in Anlehnung an das Gesangsquartett in mehreren
Stimmlagen gebaut:
Holzblasinstrumente
Schlamei, Pommer, Rauschpfeife, Dulzian, Krummhorn, Cornamuse, Kortholt, Sordun,
Rankett, Chalumeau, Blockflöte, Querflöte, Gemshorn
Blechblasinstrumente
Posaune, Zink
Musiklehre
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Streichinstrumente
Viola da gamba, Viola da Braccio, Rebec
Üblich ist das Spiel im Quartett, aber auch drei- und fünfstimmige Instrumentalstücke
kommen vor.
Bestimmend für die Renaissance ist auch die Erfindung des Notendrucks durch Ottaviano dei
Petrucci.
8.2.5 Barockmusik
Die Periode der Barockmusik in der abendländischen Kunstmusik, schließt sich an die
Renaissance an und erstreckt sich vom Beginn des 17. bis in die Mitte des 18. Jahrhunderts.
Der Beginn des musikalischen Barock wird durch die Kompositionen Claudio Monteverdis
markiert.
Gesamtkulturell folgte die Phase des Rokoko; in der Musik etablierte sich bereits ab den
1730er Jahren der so genannte empfindsame Stil. Häufig wird der Tod Johann Sebastian
Bachs 1750 als das Ende des musikalischen Barock betrachtet. Ab den 1780er Jahren schloss
sich musikgeschichtlich die Periode der Wiener Klassik an.
Die zu Beginn des 17. Jahrhunderts aufkommenden Merkmale, die den Beginn eines neuen
Musikzeitalters rechtfertigen, sind die Monodie (Sologesang mit Begleitung), der
Generalbass und die neu entstandenen Gattungen Oper und Oratorium.
Es war ein Merkmal der Zeit, der Form mindestens gleich viel Gewicht zuzumessen wie dem
Inhalt. Während des Barock emanzipierte sich die – vorher streng an den Gesang gekoppelte –
Instrumentalmusik.
Opern waren im Barock Populärmusik. Wenn eine Oper erfolgreich war, stellte man aus den
darin enthaltenen Tanzsätzen Ouvertüren, auch Suiten genannt. Menuette und andere
Tanzsätze wurden im Nachhinein auch gern vertextet.
Die Barockmusik wurde durch die Erkundung der Chromatik geprägt. Die früher
gebräuchlichen Kirchentonarten wurden durch Dur und Moll ersetzt.
Viele der noch heute gebräuchlichen Instrumente wurden in der Barockzeit entwickelt. Die
barocken Formen dieser Instrumente unterscheiden sich jedoch im Klang beträchtlich von
ihren Nachfahren, da ein anderes Klangideal vorlag, bei dem Instrumente an die menschliche
Stimme erinnern sollten. Streichinstrumente aber auch Holzbläser klangen allgemein leiser,
weniger strahlend und tragfähig, dafür aber weicher und modulationsfähiger in der
Klangfarbe.
Bedeutende Vertreter waren
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Claudio Monteverdi
Heinrich Schütz
Jan Pieterszoon Sweelinck
Girolamo Frescobaldi
Giacomo Carissimi
Johann Heinrich Schmelzer
Jean-Baptiste Lully
Ludwigs XIV
Arcangelo Corelli
Dietrich Buxtehude
Henry Purcell
Georg Philipp Telemann
Carl Heinrich Graun
Johann Adolph Hasse
Johann Sebastian Bach
Antonio Vivaldi
Georg Friedrich Händel
8.2.6 Klassik
Als Frühklassik wird in der Musikgeschichte der stilistische Übergang vom Spätbarock (bis
etwa 1740) zur Wiener Klassik (ca. 1780–1830) bezeichnet. Der Beginn dieser für viele
heutige Musikfreunde weitgehend unbekannten Epoche, ist vor die Mitte des 18. Jahrhunderts
anzusetzen, z. B. weil Johann Sebastian Bach einige ihm unpassend erscheinende Strömungen
kritisierte, sich ihnen später aber teilweise anschloss.
Der Beginn dieser Übergangsepoche überlagert sich mit jener des „galanten“ und des
„empfindsamen Stils“ (ab etwa 1730, ausklingendes Spätbarock). Häufiger verwendet als
Frühklassik wird die Bezeichnung Vorklassik (ca. 1730–1760), der teilweise gleichzusetzen
ist. Im Beginn scheint sie (nach vorwiegendem Sprachgebrauch) der Frühklassik um ein
weniges vorauszugehen.
Wichtige Merkmale der damals entstehenden Musikrichtung sind:
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•
•
Statt dem polyphonen Geflecht selbständiger Stimmen wird in der Frühklassik die oben
aufliegende Melodie zur alleinigen Trägerin des Ausdrucks. Die lineare Satztechnik
(Kontrapunkt) wird abgelöst durch vertikale Satztechnik (Harmoniebildung). Die
Melodiebildung ist dreiklangs-gebunden.
klangfüllende Mittelstimmen
kontrastierende Gedanken, mehrere (eher symmetrische) Themen;
starre Terrassendynamik erhält Zwischenstufen (cresc, sf, dim)
Orchester mit „Mischklang“, statt Cembalo Hammerklavier.
.. (weiteres folgt)
Schulen und Vertreter
Musiklehre
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Mannheimer Schule (auch Mannheimer Vorklassik genannt), gegründet um 1750 von Johann Stamitz,
in der Christian Cannabich, Franz Xaver Richter, Ignaz Holzbauer, Anton Fils, Karl Joseph Toeschi und
Carl Stamitz hervorzuheben sind, und die Wiener Schule (Musik) mit Georg Christoph Wagenseil und
Georg Matthias Monn, der teilweise auch Leopold Mozart und Michael Haydn zugerechnet werden.
Als frühklassisch gelten meist auch die vier Komponisten unter Bachs Söhnen – siehe z. B. die
Konzerte der Camerata Köln – und der frühe Joseph Haydn. Eine Brückenfunktion haben auch die
späten Werke von Georg Philipp Telemann.
Daneben gibt es heute fast vergessene Namen wie Johann Friedrich Agricola, Johann Gottlieb und
Carl Heinrich Graun, Reinhard Keiser oder Johann Joachim Quantz.
8.2.7 Romantik
Als Musik der Romantik (ca. 1790–1890) bezeichnet man die beherrschende Stilrichtung
der Musik des 19. Jahrhunderts. Die wichtigsten Eigenschaften der romantischen Musik sind
die Betonung des gefühlvollen Ausdrucks, die Auflösung der klassischen Formen, die
Erweiterung und schließlich Überschreitung der traditionellen Harmonik sowie die
Verbindung der Musik mit außermusikalischen, häufig literarischen Ideen.
Das Orchester wurde im Laufe des 19. Jahrhunderts ständig erweitert, um einerseits immer
ausgefallenere Feinheiten zu erzielen, andererseits durch den Einsatz aller zur Verfügung
stehenden Mittel immer überwältigendere Eindrücke zu ermöglichen.
Die erste Phase der bedeutenden bürgerlichen Musik insbesondere in Deutschland zwischen
ca. 1830 und 1850 kann aufgrund wesentlicher gemeinsamer Kriterien als Romantik
bezeichnet werden. Erste „romantische“ Ansätze zeigen sich in der Stoffwahl des deutschen
Singspiels seit den 70er Jahren des 18. Jahrhunderts, die auf Carl Maria von Webers Oper
Der Freischüz (1821) hinführen.
Vernehmlich kündigten sich die Konturen der deutschen romantischen Oper jedoch schon an
in manchen Werken von Ludwig (Louis) Spohr (zum Beispiel Faust), sowie nicht zuletzt in
den durchkomponierten Teilen von Wolfgang Amadeus Mozarts Zauberflöte (1791).
Aber auch Richard Wagner begann mit Werken im Stil der deutschen romantischen Oper
(Der Fliegende Holländer, 1843; Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg, 1845;
Lohengrin, 1850).
Auch im romantischen Lied, dessen Poesie bei Schumann wesentlich aus der
Klavierbegleitung hervorgeht, ist gegenüber den Liedern von Franz Schubert der Neuansatz
fundamental; Schumann hat Anregungen aus dem vorschubertschen Lied aufgenommen.
Schumanns Sinfonien (1841–51), das Klavierkonzert Op. 54 (1. Satz 1841, 2. und 3. Satz
1845) und die Sonaten sind durch romantisch-poetische Gehalte von innen heraus verwandelt.
Schumann und Frédéric Chopin entdeckten in der Klaviermusik den lyrischen Eigenwert
des Klangs und der figurativen Virtuosität für die Vermittlung des Poetischen.
Eine spezifisch französische Romantik repräsentiert die Instrumentalmusik von Hector
Berlioz. Schlüsselwerke wie die Symphonie fantastique (1830), Harold en Italie (1834), die
Symphonie dramatique Roméo et Juliette (1839) und andere zielten auf Kontamination der
Musiklehre
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Gattungen durch Aufnahme dichterischer oder aus Dichtungen der Weltliteratur (William
Shakespeare, Vergil, Goethe, George Gordon Byron) abgeleiteter und neu interpretierter
Thematik. Sie eröffneten Regionen der hochgespannten, unerfüllbaren Sehnsucht, des
Rausches, des Schweifens in Traumwelten und der visionären Phantastik, als deren Subjekt
das neue (romantische) Bild des Künstlergenies hervortritt. Das hybride Genre der
Programmmusik und der symphonischen Dichtung — letztere insbesondere durch Franz
Liszt geprägt und propagiert, später durch Richard Strauss erneut aufgegriffen — entspringt
ebenfalls den Ideen der Romantik.
Auch in der italienischen und französischen Oper zwischen 1830 und ca. 1850 sind
romantische Einschläge unüberhörbar. Vorab Vincenzo Bellinis weich-elegisches Melos, das
aber nicht weniger die anfeuernde Leidenschaft kennt, ist stets als genuine Romantik
begriffen worden. Sie begegnet auch in den Opern Gaetano Donizettis, tritt dann aber im
Frühwerk von Giuseppe Verdi wieder in den Hintergrund.
Der Übergang der Wiener Klassik zur Romantik findet sich im Werk Ludwig van
Beethovens (1770–1827). Vielen typisch romantischen Elementen begegnet man in seinen
Werken das erste Mal. Der bedeutendste Vertreter der eigentlichen Frühromantik ist jedoch
Franz Schubert (1797–1828), bezeichnenderweise der herausragende Liederkomponist. Auf
diesem Gebiet wird sein Schaffen durch die Balladen Carl Loewes (1796–1869) ergänzt.
Noch größtenteils der Klassik verhaftet ist das Schaffen von Johann Nepomuk Hummel
(1778–1837), Ferdinand Ries (1784–1838) sowie des Franzosen George Onslow (1784–
1853).
Italien erlebte in der Frühromantik die Blütezeit der Belcanto-Oper, verbunden mit den
Namen von Gioachino Rossini (1792–1868), Gaetano Donizetti (1797–1848) und Vincenzo
Bellini (1801–1835). Der bedeutendste italienische Instrumentalkomponist dieser Zeit war der
legendäre „Teufelsgeiger“ Niccolò Paganini (1782–1840).
Auch in anderen europäischen Ländern nahm die Musikentwicklung nun einen Aufschwung.
Der Ire John Field (1782–1837) komponierte die ersten Nocturnes für Klavier, in Dänemark
wirkte Friedrich Kuhlau (1786–1832) und der Schwede Franz Berwald (1796–1868)
schrieb vier sehr eigenwillige Sinfonien.
Die Hochromantik lässt sich in zwei Phasen einteilen. In der ersten Phase erreicht die
eigentliche romantische Musik ihren Höhepunkt. Der Pole Frédéric Chopin (1810–1849)
lotete in seinen Charakterstücken und Tänzen für Klavier bislang unbekannte Gefühlstiefen
aus. Robert Schumann (1810–1856), am Ende seines Lebens geistig umnachtet, stellt in
Person wie in Musik geradezu den Prototyp des leidenschaftlichen, von Tragik beschatteten
romantischen Künstlers dar. Seine eigenwilligen Klavierstücke, Kammermusikwerke und
Sinfonien sollten die folgende Musikergeneration nachhaltig beeinflussen. Franz Liszt
(1811–1886), der deutschen Minderheit in Ungarn entstammend, war einerseits ein
umschwärmter Klaviervirtuose, legte aber andererseits mit seinen harmonisch kühnen
sinfonischen Dichtungen auch den Grundstein für die fortschrittliche „Neudeutsche Schule“.
Ebenfalls der Programmmusik verpflichtet war die Technik der Idée fixe (Leitmotiv) des
Franzosen Hector Berlioz (1803–1869), der auch maßgeblich das Orchester erweiterte. Felix
Mendelssohn Bartholdy (1809–1847) orientierte sich wieder mehr an der klassizistischen
Formensprache und wurde ein Vorbild besonders für skandinavische Komponisten wie den
Dänen Niels Wilhelm Gade (1817–1890).
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In der Oper dominierten in Deutschland noch die Spielopern von Otto Nicolai (1810–1849)
und Friedrich von Flotow (1812–1883), als Richard Wagner (1813–1883) seine ersten
romantischen Opern schrieb. Auch die frühen Werke von Giuseppe Verdi (1813–1901)
orientierten sich noch am Belcanto-Ideal der älteren Generation. In Frankreich wurde von
Ambroise Thomas (1811–1896) und Charles Gounod (1818–1893) die Opéra lyrique
entwickelt.
Die zweite Phase der Hochromantik, teilweise auch Neuromantik genannt, läuft parallel mit
der Stilrichtung des Realismus in der Literatur und der bildenden Kunst. In seiner zweiten
Schaffenshälfte entwickelte Wagner nun seine Leitmotivtechnik, mit der er den ohne Arien
durchkomponierten vierteiligen Ring des Nibelungen zusammenhält; das Orchester wird
sinfonisch behandelt, die Chromatik erreicht in Tristan und Isolde ihren äußersten Punkt. Eine
ganze Jüngerschar steht unter dem Einfluss der progressiven Ideen Wagners, unter ihnen zum
Beispiel Peter Cornelius (1824–1874). Dagegen entstand eine Opposition zahlreicher
konservativerer Komponisten, denen Johannes Brahms (1833–1897), der in Sinfonik,
Kammermusik und Lied eine logische Fortführung der Klassik anstrebte, aufgrund der Tiefe
der Empfindung und einer meisterlichen Kompositionstechnik zum maßstabsetzenden
Vorbild wurde.
Auch Verdi erreichte, wenn auch auf andere Weise als Wagner, den Weg zum
durchkomponierten Musikdrama. Seine immense Ausstrahlung ließ in Italien alle anderen
Komponisten verblassen, so auch Amilcare Ponchielli (1834–1886) und Arrigo Boito
(1842–1918), der auch Librettist seiner späten Opern Otello und Falstaff war.
In Frankreich hingegen triumphierte zunächst einmal die leichte Muse in Form der
gesellschaftskritischen Operetten von Jacques Offenbach (1819–1880). Die lyrische Oper
fand ihren Höhepunkt in den Werken von Jules Massenet (1842–1912), während in der
Carmen von Georges Bizet (1838–1875) das erste Mal der Realismus einzog. Eine stilistische
Brücke zur deutschen Musik schlug Louis Théodore Gouvy (1819–1898). Die Opern,
Sinfonien und Kammermusikwerke des äußerst vielseitigen Camille Saint-Saëns (1835–
1921) waren genauso wie die Ballette von Léo Delibes (1836–1891) eher traditionsorientiert.
In der Spätromantik, auch Nachromantik genannt, werden die traditionellen Formen und
Elemente der Musik weiter aufgelöst. Eine immer farbigere Orchesterpalette, ein immer
größeres Aufgebot an musikalischen Mitteln, das Ausreizen der Tonalität bis an ihre Grenzen,
übersteigerte Emotionen und eine zunehmend individuellere Tonsprache des einzelnen
Komponisten sind typische Kennzeichen; die Musik wird an die Schwelle der Moderne
geführt.
So erreichten die Sinfonien von Gustav Mahler (1860–1911) vorher nicht gekannte
Ausmaße, geben teilweise die traditionelle Viersätzigkeit auf und enthalten oft Vokalanteile.
Stärker der Tradition verpflichtet, besonders an Bruckner orientiert, sind die Sinfonien von
Franz Schmidt (1874–1939) und Richard Wetz (1875–1935), während Max Reger (1873–
1916) in seinen zahlreichen Instrumentalwerken zwar auf die Polyphonie Bachs zurückgriff,
sie jedoch harmonisch äußerst kühn weiterentwickelte.
Der Begriff Impressionismus stammt aus der Malerei, und wie dort, entwickelte er sich auch
in der Musik in Frankreich. In den Werken von Claude Debussy (1862–1918) lösten sich die
Strukturen in feinste Nuancen aus Rhythmik, Dynamik und Klangfarbe auf. Vorbereitet
wurde diese Entwicklung im Schaffen von Vincent d’Indy (1851–1931) und vor allem in den
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Liedern und der Kammermusik von Gabriel Fauré (1845–1924). Alle nachfolgenden
französischen Komponisten wurden mehr oder weniger vom Impressionismus beeinflusst.
Der bedeutendste unter ihnen war Maurice Ravel (1875–1937), ein glänzender
Orchestervirtuose. Albert Roussel (1869–1937) verarbeitete erst exotische Themen, bevor er
wie Ravel neoklassizistische Tendenzen vorwegnahm.
8.2.8 Neue Musik
unter dem Oberbegriff Neue Musik werden unterschiedliche Kompositionsrichtungen der
"ernsten" Musik des 20. und 21. Jahrhunderts zusammengefasst.
Im 20. Jahrhundert setzte sich eine Entwicklungslinie des musikalischen Fortschritts fort;
jeder noch heute bekannte Komponist hat etwas dazu beigetragen. Diese alte Sehnsucht nach
Fortschritt und Modernität – durch bewusste Absonderung von Tradition und Konvention –
kann jedoch in der abendländischen, durch Wissenschaft und Technik geprägten Gesellschaft
fetischhaften Charakter annehmen.
Gegen Ende des 19. Jh. begann sich die musikalische Entwicklung abzuzeichnen, in der Paul
Bekker dann rückwirkend die „neue Musik“ erkannte. Sein Augenmerk hatte sich dabei
zunächst besonders auf Gustav Mahler, Franz Schreker, Ferruccio Busoni und Arnold
Schönberg gerichtet..
Dieser gezielte Bruch mit der Tradition ist das markanteste Merkmal dieser Übergangsphase.
Der Erneuerungswille erfasst dabei nach und nach sämtliche Stilmittel (Harmonik, Melodik,
Rhythmik, Dynamik, Form, Orchestration usw.).
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