Der Spielplan 16-17 Text_2.indd
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DER SPIELPLAN AUF EINEN BLICK MUSIKTHEATER LE NOZZE D I F I G A R O Opera buffa in vier Akten von Wolfgang Amadeus Mozart Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Tobias Theorell Premiere 24. September 2016 | Opernhaus LOS ELEM E N TO S Harmonische Oper im italienischen Stil von Antonio Literes Musikalische Leitung: Jörg Halubek Inszenierung und Ausstattung: Zenta Haerter Premiere 28. Oktober 2016 | Alte Brüderkirche In Koproduktion mit den Kasseler Musiktagen DIE GROS S H E R Z O G I N V O N G E R O L S T E IN Opéra bouffe in drei Akten von Jacques Offenbach Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Inszenierung: Adriana Altaras Premiere 29. Oktober 2016 | Opernhaus LUISA MILLE R Melodramma tragico in drei Akten von Giuseppe Verdi Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Dominique Mentha Premiere 17. Dezember 2016 | Opernhaus RAGTIME Das Musical / Buch: Terrence McNally / Musik: Stephen Flaherty Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Inszenierung: Philipp Kochheim Premiere 28. Januar 2017 | Opernhaus In Koproduktion mit dem Staatstheater Braunschweig ELEKTRA Tragödie in einem Aufzug von Richard Strauss Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Markus Dietz Premiere 18. Februar 2017 | Opernhaus SCHNEEW I TTC H E N Kinderoper für 4 Singstimmen und 7 Zwerge von Wolfgang Mitterer nach Engelbert Humperdinck Musikalische Leitung: Giulia Glennon | Heiko Pape Inszenierung: Jewgenij Sitochin DEUTSCHE ERSTAUFFÜHRUNG 5. März 2017 | tif In Koproduktion mit der Wiener Taschenoper ROMÉO ET J U LI E TTE Opéra in einem Prolog und fünf Akten von Charles Gounod Text: Jules Barbier und Michel Carré Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Jim Lucassen Premiere 8. April 2017 | Opernhaus ANT IGONA Tragedia per musica in drei Akten von Tommaso Traetta Musikalische Leitung: Jörg Halubek Inszenierung: Stephan Müller Premiere 3. Juni 2017 | Opernhaus 13. THEAT E R - J U G E N D O R CH ES T E R -P R O JE K T : BRUNDIBÁ R Kinderoper in zwei Akten von Hans Krása Musikalische Leitung: Xin Tan Inszenierung: Franziska Schumacher Premiere 17. Juni 2017 | Schauspielhaus Wiederaufnahmen: TURANDO T Dramma lirico in drei Akten von Giacomo Puccini (mit Berio-Schluss) Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Markus Dietz 2. Oktober 2016 | Opernhaus DIE ENT FÜ H R U N G A U S D E M SE R AIL Singspiel in drei Akten von Wolfgang Amadeus Mozart Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Adriana Altaras 7. Oktober 2016 | Opernhaus HÄNSEL U N D G R E TE L Märchenspiel in drei Bildern von Engelbert Humperdinck Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Elmar Gehlen 19. November 2016 | Opernhaus DER BARB I E R V O N S E V I LL A Melodramma buffo in drei Akten von Gioachino Rossini Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Adriana Altaras 25. Februar 2017 | Opernhaus SCHAUSPIEL GÖTTERSP E I S E von Noah Haidle Inszenierung: Thomas Bockelmann Premiere 23. September 2016 | Schauspielhaus MAJI MAJI F LA V A Eine Kooperation mit Flinn Works Inszenierung: Sophia Stepf Uraufführung 30. September 2016 | tif DIE RÄUB E R von Friedrich Schiller Inszenierung: Markus Dietz | Philipp Rosendahl Premiere 1. Oktober 2016 | Schauspielhaus DIE UNVE R H E I R A TE TE von Ewald Palmetshofer Inszenierung: Laura Linnenbaum Premiere 26. November 2016 | tif FRÜHST Ü C K B E I TI F F A N Y von Truman Capote Inszenierung: Anna Bergmann Premiere 16. Dezember 2016 | Schauspielhaus DAS BL AU E LI C H T von Rebekka Kricheldorf Inszenierung: Schirin Khodadadian Uraufführung 10. Februar 2017 | tif DIE ORES TI E von Aischylos Inszenierung: Johanna Wehner Premiere 17. Februar 2017 | Schauspielhaus Die Netzwelt von Jennifer Haley Inszenierung: Markus Dietz Premiere 31. März 2017 | tif LOST AND F O U N D von Yael Ronen Inszenierung: Martin Schulze Premiere 1. April 2017 | Schauspielhaus THE FLIC K von Annie Baker Inszenierung: Sebastian Schug Premiere 19. Mai 2017 | tif (unter Rechtevorbehalt) DIE RAT TE N von Gerhart Hauptmann Inszenierung: Maik Priebe Premiere 20. Mai 2017 | Schauspielhaus Geplante Wiederaufnahmen Schauspielhaus: Ein Volksfeind von Henrik Ibsen Inszenierung: Markus Dietz TERROR von Ferdinand von Schirach Inszenierung: Patrick Schlösser antigone von Sophokles Inszenierung: Martin Schulze Endstation sehnsucht von Tennessee Williams Inszenierung: Markus Dietz Kabale und liebe von Friedrich Schiller Inszenierung: Markus Dietz I MMER NO C H S TU R M von Peter Handke Inszenierung: Marco Štorman FLOH IM O H R von Georges Feydeau Inszenierung: Markus Dietz tif: chapters von Bettina Erasmy Inszenierung: Schirin Khodadadian GAUNERSTÜ C K von Dea Loher Inszenierung: Maik Priebe TYRANNIS von Ersan Mondtag Inszenierung: Ersan Mondtag Mutters C ourage von George Tabori Inszenierung: Donald Berkenhoff Die Schutzbefohlenen von Elfriede Jelinek Inszenierung: Philipp Rosendahl TANZTHEATER EMOJI Tanztheater: Zwei Stücke von Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas Choreografie Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas Uraufführung 30. Oktober 2016 | tif MARIANEN G R A B E N [ARBEITST ITE L] Tanztheater: Ein Stück von Johannes Wieland Choreografie: Johannes Wieland Uraufführung 14. Januar 2017 | Schauspielhaus TANZABEN D 2 Tanztheater: Zwei Stücke von Linda Kapetanea & Jozef Fruček und Johannes Wieland Choreografie: Linda Kapetanea & Jozef Fruček und Johannes Wieland Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Mit dem Staatsorchester Kassel Uraufführung 29. April 2017 | Opernhaus CHOREOG R A F I S C H E W E R K S T A T T Tanztheater: Junge Choreografen stellen sich vor Choreografie und Tanz: Tänzerinnen und Tänzer des Staatstheaters Kassel Uraufführung 30. Juni 2017 | tif KINDER- UND JUGENDTHEATER SAFFRAN & K R U M P von Pamela Dürr ab 6 Jahren Inszenierung: Janis Knorr Premiere 25. September 2016 | tif Weihnachtsmärchen: RONJA RÄ U B E R TO C H TE R von Astrid Lindgren ab 5 Jahren Inszenierung: Philipp Rosendahl Premiere 16. November 2016 | Opernhaus WAS DAS N A S H O R N S A H , A L S ES AU F D IE AN D E R E SE IT E DES ZAUN S S C H A U TE von Jens Raschke ab 11 Jahren Inszenierung: Philipp Rosendahl Premiere 26. März 2017 | tif WER WIR S I N D Eine Stückentwicklung ab 13 Jahren Inszenierung: Joanna Praml Premiere 21. April 2017 | tif KLAMMS K R I E G von Kai Hensel KJT mobil – Klassenzimmerstück ab 14 Jahren Inszenierung: Thomas Hof Geplante Wiederaufnahmen die geschichte vom onkelchen von Thomas von Brömssen und Lars-Eric Brossner ab 3 Jahren Inszenierung: Dieter Klinge DEPORTAtion cast von Björn Bicker ab 15 Jahren Inszenierung: Gustav Rueb HUCK FIN N von Max Eipp | nach Mark Twain ab 10 Jahren Inszenierung: Dieter Klinge TSCHICK von Wolfgang Herrndorf | Fassung von Robert Koall ab 14 Jahren Inszenierung: Philipp Rosendahl ANNE FRA N K nach »Anne Frank: Tagebuch« | von Dieter Klinge Inszenierung: Dieter Klinge ERST E ST U N D E von Jörg Menke-Peitzmeyer KJT mobil – Klassenzimmerstück ab 12 Jahren Inszenierung: Thomas Hof ab 13 Jahren KONZERTE S INF ONIE KONZERT E 1. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 17. Oktober 2016, 20.00 Uhr | Stadthalle 2. S I N F O N I E K O NZERT | BUSSTAGSKONZE RT Mittwoch, 16. November 2016, 20.00 Uhr | Martinskirche 3. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 9. Januar 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle 4. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 27. Februar 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle 5. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 20. März 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle 6. S I N F O N I E K O NZERT | KARFREITAGSK ONZ E RT Freitag, 14. April 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle 7. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 1. Mai 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle 8. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 19. Juni 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle S ONNTAGS - UND SONDERKON Z E R T E 1. S onntagskonzert Sonntag, 6. November 2016, 11.00 Uhr | Opernhaus N eujahrskonzert 2017 | 2. Sonntagskonzert Sonntag, 1. Januar 2017, 19.30 Uhr | Opernhaus Sonntag, 8. Januar 2017, 18.00 Uhr | Opernhaus 3. S onntagskonzert Sonntag, 7. Mai 2017, 11.00 Uhr | Opernhaus SW I N G I N C O N CERT – The Reunion Premiere Sonntag, 25. September 2016, 19.30 Uhr | Opernhaus W I N TE R WO N DERLAND – A Swinging Christmas S how Premiere Samstag, 26. November 2016, 19.30 Uhr | Opernhaus kinder- und jugendkonzerte 1. K I N D E R K O N ZERT C o o le K o m p oni sten – W olfgang Am a de us Moz a rt Ab 8 Jahren Mittwoch, 9.11.2016, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Donnerstag, 10.11.2016, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Sonntag, 13.11.2016, 15.00 Uhr | Schauspielhaus 2. K I N D E R K O N ZERT B e n j a m i n B r i tten – A Y o u n g P erson’ s Gui de to the Orche s tra und Frida y Afte rnoon Ab 5 Jahren Donnerstag, 9.3.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Freitag, 10.3.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Sonntag, 12.3.2017, 15.00 Uhr | Schauspielhaus 3. K I N D E R K O N ZERT D i e H e x e u n d der Maestro E i n e m ä r c h e nhafte Orchestergeschichte Vo n H o w a r d Gri ffi ths Mit Musik von Fabian Künzli Ab 5 Jahren Freitag, 23.6.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Dienstag, 27.6.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus J U G E N D K O N Z E RT ü b e r _ b r ü cken Interkulturelles Kompositionsprojekt mit Jugendlichen ab 12 Jahren Dienstag, 9.5.2017, 11.00 Uhr | Opernhaus MUSIKTHEATER LE NOZZE D I F I G A R O Opera buffa in vier Akten von Wolfgang Amadeus Mozart Text: Lorenzo da Ponte In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Tobias Theorell Bühne und Kostüme: Herbert Murauer Dramaturgie: Jürgen Otten Chor: Marco Zeiser Celesti CANTAMUS-Jugendchor: Maria Radzikhovskiy Premiere 24. September 2016 | Opernhaus In der Kunst, so hat es die Bildhauerin Louise Bourgeois einmal sehr schön formuliert, gehe es nicht um die Kunst, sondern ums Leben. Selten war diese Sentenz wahrer als in Mozarts Opera buffa, deren Vorlage Beaumarchais’ prärevolutionäre Komödie LA FOLLE JOURNÉE OU LE MARIAGE DE FIGARO bildete und zu der Lorenzo da Ponte das raffiniert gestrickte Libretto dichtete. Der Ort: ein Lustschloss in Andalusien. Der Schlossherr, Graf Almaviva, ist ein echter Feudalherr mit unlauteren Absichten. Obwohl er die Contessa aufrichtig liebt (oder zumindest glaubt, dies zu tun), steht ihm der Sinn nach einem erotischen Abenteuer mit deren Kammerzofe Susanna, die aber dem Bedienten Figaro zur Frau versprochen ist. Der Graf, der sich schlauer glaubt, als er ist, hat zu diesem Anlass das ius primae noctis offiziell abgeschafft, will es aber sprichwörtlich durch die Hintertür wieder einführen. Was er übersieht, ist die Klugheit einer Frau, die wahrhaft liebt (wiewohl sie sich, wie auch die Gräfin, einige süffisant-liebliche Phantasien im Blick auf den Jüngling Cherubino gestattet) und nicht gewillt ist, sich den bestehenden »Gesetzen« zu beugen. Und so entspinnt sich binnen eines tollen Tages (und einer halben tollen Nacht) eine Intrige voller Irrungen und Wirrungen, wie sie virtuoser und verwickelter kaum denkbar wäre. Es geht dabei natürlich um das schönste aller Gefühle, und so dürfen wir Walter Felsenstein zustimmen, der Mozarts FIGARO ein »Welttheater der Liebe« nannte. Nicht zu vergessen die Musik. Sie ist, mit einem Wort: göttlich. LOS ELEM E N TO S Harmonische Oper im italienischen Stil von Antonio Literes Text: unbekannter Autor In spanischer Sprache Musikalische Leitung: Jörg Halubek Inszenierung und Ausstattung: Zenta Haerter Dramaturgie: Olaf A. Schmitt Kammerorchester Louis Spohr Premiere 28. Oktober 2016 | Alte Brüderkirche In Koproduktion mit den Kasseler Musiktagen Die vier Elemente Luft, Erde, Wasser und Feuer preisen die wundersamen Spiele der Natur und erwarten sehnsuchtsvoll den anbrechenden Tag: »Die Erde bringt Blumen, das Feuer belebt, der Wind gibt sein Säuseln und das Wasser sein Lachen.« Doch die Morgenröte lässt auf sich warten. Die ruhende Zeit lässt sich vom wilden Treiben der Elemente nicht beeindrucken und kündigt den neuen Tag erst zum gegebenen Zeitpunkt an. Als dieser endlich am Horizont aufscheint, ist der ausgelassenen Freude aller keine Grenze gesetzt. Eine barocke Feier des Lebens und der Natur schrieb der auf Mallorca geborene Komponist Antonio Literes in seiner kurzen Oper LOS ELEMENTOS, die an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert entstand. Alle vier Elemente und auch die Morgenröte werden von hohen Frauenstimmen verkörpert, lediglich die unerschütterliche Zeit ist einer tiefen Männerstimme anvertraut. Literes bezeichnet sein Werk als »harmonische Oper im italienischen Stil«. Überraschende, häufig wechselnde Rhythmen treffen auf kompakte Da-capo-Arien, die gleichberechtigt auf alle Figuren verteilt sind. In einer erstmaligen Koproduktion mit den Kasseler Musiktagen führt das Staatstheater Kassel seine Beschäftigung mit Barockopern fort. Dirigent Jörg Halubek intensiviert die musikalischen Erfahrungen der letzten Spielzeiten: Dieses Mal mit dem Kammerorchester Louis Spohr, das sich mit Darmsaiten und barockem Instrumentarium besondere Klangwelten erschließt. Choreografin Zenta Haerter, die seit Jahren mit Regisseur Andreas Kriegenburg arbeitet, lässt in der Alten Brüderkirche die vier Elemente als lebendige Wesen neu erscheinen. DIE GROS S H E R Z O G I N V O N G E R O L S T E IN Opéra bouffe in drei Akten von Jacques Offenbach Text: Henri Meilhac und Ludovic Halévy Deutsche Fassung: Wolfgang Böhmer Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Inszenierung: Adriana Altaras Choreografie: Rhys Martin Bühne und Kostüme: Yashi Dramaturgie: Jürgen Otten Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 29. Oktober 2016 | Opernhaus War es Zufall? Die Macht des Schicksals? Göttliche Fügung gar? Wer oder was auch immer dafür verantwortlich war, ist zu loben für diese supreme geistige Parallelaktion. Nur zwölf Tage nach der Eröffnung der Weltausstellung in Paris kam in der schönen Zauberstadt Jacques Offenbachs Opéra-Bouffe zur Uraufführung. Keine Frage, der Komponist bewies damit erstaunlich viel Courage, denn wer sonst als der dekadente Kaiser Napoleon III. musste sich von diesem Stück angesprochen fühlen? Allein, der Potentat, lange schon geschwächt in seiner Machtposition, lächelte das Dilemma charmant weg und verhalf dem Spottvogel Offenbach zu einem seiner größten Operettenerfolge. Die Geschichte ist so unnatürlich, dass man schon wieder glauben könnte, das Absurde wäre das Wahre: Ein Soldat, den die Großherzogin bei einer Präsentation der militärischen Stärke ihres (fiktiven) Staatsgebildes entdeckt und auf der Stelle in ihr Herz schließt, wird von der Herrscherin, gegen den Widerstand der (leicht vertrottelten) Militärs, zum General befördert, was wiederum diese nicht auf sich sitzen lassen können und so zum Gegenangriff blasen. Der Soldat kommt am Ende mit einem blauen Auge davon und kriegt zudem das, was er von Anfang wollte: seine geliebte Wanda. Die Großherzogin hingegen geht leer aus, tut dies aber mit einer so liebenswerten Noblesse und umgeben von einer so zauberhaft-leichten und duftenden Musik, dass die Niederlage auf dem Feld der Liebe am Ende wohl doch nicht allzu schlimm ausfällt. LUISA MILLE R Melodramma tragico in drei Akten von Giuseppe Verdi Text: Salvatore Cammarano nach Friedrich Schillers »Kabale und Liebe« In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Dominique Mentha Bühne: Roland Olbeter Kostüme: Ursina Zürcher Dramaturgie: Ursula Benzing Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 17. Dezember 2016 | Opernhaus Grandioser Verdi! Wie er das traurige Ende komponiert, das die irdische Liebe von Luisa und Rodolfo nimmt. Es gerät zu einem schmerzvollen Finale, wenn Luisa dem Geliebten die ganze Wahrheit gesteht: Sein Vater und dessen Handlanger Wurm haben sie gezwungen, ihrer Liebe zu ihm abzuschwören. Da haben sie beide schon das Gift getrunken, das sie in einem besseren Dasein zusammenführen soll. Doch Rodolfo findet noch die Kraft, Wurm zu erstechen und seinem Vater die Botschaft mitzugeben: Ich nehme dir, was für dich zum Wertvollsten gehörte, deinen Sohn. Luisa und Rodolfo hatten von Anfang an keine Chance. Ihr war die Liebe zu einem Mann zum Verhängnis geworden, der um ein düsteres Geheimnis des Vaters wusste, das um jeden Preis bewahrt werden musste. So hängen die Liebenden fast wie Marionetten an den Fäden des Grafen und Wurms, so erfüllt sich ihre Geschichte in Verdis Oper erstmals 1849 in den drei Akten, die man überschrieben hatte mit: Liebe – Intrige – Gift. Gleichwohl sein Librettist Cammarano sämtliche politischen Anspielungen aus dem von Schiller übernommenen Trauerspiel entfernt hatte, verwandelte Verdi den Stoff in ein eigenes und unverwechselbares GesangsDrama. Mit sicherstem musikdramatischen Verstand hat der Komponist, der nicht von ungefähr für Jahrzehnte zum glänzenden Stern am italienischen Opernhimmel des 19. Jahrhunderts avancieren sollte, seine Bühnenmenschen ausgestattet. Dies tat er entgegen den Repressalien einer kunstfeindlichen Zensur. Und er tat es in einer Zeit, in der er sich von seinen stilgebenden Vorgängern Bellini und Donizetti schon nahezu frei gemacht hatte. RAGTIME Das Musical / Buch: Terrence McNally / Musik: Stephen Flaherty Songs: englisch | Dialoge: deutsch Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Inszenierung: Philipp Kochheim Choreografie: Kati Farkas Bühne: Thomas Gruber Kostüme: Mathilde Grebot Dramaturgische Betreuung: Ursula Benzing | Hilde Turba Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 28. Januar 2017 | Opernhaus In Koproduktion mit dem Staatstheater Braunschweig Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Edgar L. Doctorow aus dem Jahr 1975, erzählt das Duo McNally /Flaherty die Geschichte dreier fiktiver Familien auf der Suche nach dem amerikanischen Traum zu Beginn des 20. Jahrhunderts in New York. Ihre Leben verflechten sich in einer Zeit des politischen und sozialen Umbruchs: Bürgerrechts- und Arbeiterbewegungen entstehen, die Industrialisierung ist auf dem Vormarsch, die amerikanische Wirtschaft blüht. Ein Ehepaar aus der aufstrebenden Mittelklasse, ein Musiker aus dem afroamerikanischen Arbeitermilieu und ein jüdischer Immigrant treffen in diesem Gesellschaftsdrama aufeinander. Sie vereint der Glaube an eine bessere Zukunft, doch bald werden sie konfrontiert mit den Widersprüchen der Realität: Armut, Rassismus, Vorurteile sind die Schattenseiten des »golden promise«. Die Familien werfen einen Blick in menschliche Abgründe, sie entdecken die Grenzen der Gerechtigkeit und erfahren die Konsequenzen gescheiterter Träume. Das Schicksal von Coalhouse Walker Jr., schwarzer Ragtime-Pianist aus Harlem, bildet den roten Faden der Ereignisse, im Verlauf derer seine enttäuschten Sehn- süchte in einen persönlichen Rachefeldzug münden. So werden die Anfänge des 20. Jahrhunderts aus einer überaus kritischen Perspektive gezeigt. »Alles ändert sich, alles ist möglich« bleibt für Menschen am Rande der Gesellschaft eine Illusion. Das Musical spiegelt das Lebensgefühl der Zeit, in der Ragtime die populärste Musik in Amerika war, und das Milieu, in dem sie entstand, auf einzigartige Weise wider. Aber Ragtime ist mehr als Musik: Er bedeutet Aufbruch, Hoffnung, Glaube. ELEKTRA Tragödie in einem Aufzug von Richard Strauss Text: Hugo von Hofmannsthal Musikalische Leitung: Patrik Ringborg Inszenierung: Markus Dietz Bühne: Ines Nadler Kostüme: Henrike Bromber Dramaturgie: Jürgen Otten Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 18. Februar 2017 | Opernhaus Was ist das für ein schauriges Beginnen: »Agamemnon, Agamemnon!«, ruft die mykenische Königstochter Elektra, begleitet von heftigen orchestralen Schlägen, auf der Schwelle des Palastes ihren toten Vater an. Die Aura der Hoffnungslosigkeit, sie ist dem Werk bereits in den ersten Takten eingeschrieben. Der Grund hierfür liegt im Mythos selbst: Agamemnon ist aus dem Trojanischen Krieg zurückgekehrt und von Ägisth, dem Geliebten seiner Ehefrau Klytämnestra, und dieser selbst schmählich ermordet worden. Der Sohn Orest weilt in fernen Landen, die Töchter Elektra und Chrysothemis werden im Haus festgehalten und gepeinigt. Während Chrysothemis ihr Heil in einer utopischen Zukunft sucht, kennt Elektra nur einen Gedanken: Rache. Klytämnestra wird derweil von Angstträumen geschüttelt, wissend, dass Elektra sie töten will. Als die (falsche) Kunde vom Tode Orests verbreitet wird, entschließt sich Elektra, ihre Schwester zur Tat zu überreden – vergebens. Nun will sie selbst Hand anlegen und gräbt in der Erde nach dem Beil, mit dem Agamemnon erschlagen wurde. Da plötzlich steht ein Mann vor ihr: Orest. Von Elektra eingeweiht, tötet er seine Mutter und Ägisth. Elektra tanzt einen wilden Freudentanz, danach sinkt sie entseelt zusammen. Hugo von Hofmannsthal übernahm den ursprünglichen Schauspieltext der ELEKTRA mit Ausnahme weniger Streichungen und Änderungen fast eins zu eins für sein Libretto; Richard Strauss stattete dieses mit einer symphonischen Urgewalt aus, wie sie in der Musik des 20. Jahrhunderts ohne Vergleich geblieben ist. Ein Meisterwerk ist diese ELEKTRA; eines, das vor allem eines ist: erschütternd. SCHNEEW I TTC H E N Kinderoper für 4 Singstimmen und 7 Zwerge von Wolfgang Mitterer nach Engelbert Humperdinck Text: Gerhard Dienstbier nach Adelheid Wette Musikalische Leitung: Giulia Glennon | Heiko Pape Inszenierung: Jewgenij Sitochin Bühne: Harald B. Thor Dramaturgische Betreuung: Ursula Benzing CANTAMUS-Kinderchor: Maria Radzikhovskiy DEUTSCHE ERSTAUFFÜHRUNG 5. März 2017 | tif In Koproduktion mit der Wiener Taschenoper »Du, mein Spieglein, zier’ dich nicht, komm schon, sag’s und spiegle mich, meines Gleichen gibt es nicht! Spieglein, Spieglein, an der Wand, wer ist die Schönste im ganzen Land?«, sprach und sang die neue böse Königin, doch sie sprach es nicht mehr lang. Ist sie wohl die Schönste dort, so ist Schneewittchen noch tausendmal schöner. Das hört die Böse gar nicht gern und lässt sich, wie von fern, erzählen, wie es war: »Im hohen Schloss die Königin stand einst am Fenster mit trübem Sinn. Vom Himmel fiel der Schnee so lind. Da seufzt sie: Ach, hätt’ ich ein Kind. So weiß wie Schnee, so rot wie Blut, wie wär’ ich glücklich und stolz! Schneeflöckchen, ihr seid so still? Sagt doch, ob der Traum sich erfüllt?« Aber ja, das tut er. Doch die arme Mutter erlebt ihr Schneewittchen nimmermehr. Das wird nun größer und immer schöner und erweckt den Neid der Königin, deshalb soll Schneewittchen sterben. Doch zum Märchenglück kommt es dazu nicht. Dafür sorgte jüngst Komponist Wolfgang Mitterer, der mit SCHNEEWITTCHEN bereits das zweite GrimmMärchen zu einer Kinderoper macht. Dieses Mal stellt er sie in den Dienst Engelbert Humperdincks und dessen Schwester Adelheid Wette: Beide haben ihr SCHNEEWITTCHEN-Vorhaben zwar nie als Oper realisiert, Humperdinck jedoch hat immerhin vier Lieder dazu entworfen. Der österreichische Komponist erweckte unter anderem mit diesen Liedern SCHNEEWITTCHEN erstmals 2016 zum Leben und ergänzt es mit weiteren Humperdinck-Originalen aus DORNRÖSCHEN und DIE KÖNIGS-KINDER. Und vielleicht gibt es auch das eine oder andere Aha-Erlebnis, wenn die böse Königin plötzlich mit den Tönen der Knusperhexe aufhorchen lässt? ROMÉO ET J U LI E TTE Opéra in einem Prolog und fünf Akten von Charles Gounod Text: Jules Barbier und Michel Carré In französischer Sprache mit deutschen Übertiteln Musikalische Leitung: Anja Bihlmaier Inszenierung: Jim Lucassen Bühne: Marc Weeger Dramaturgie: Jürgen Otten Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 8. April 2017 | Opernhaus Liebe? Etwas Schöneres kann es nicht geben. Das Problem ist nur, dass diese Liebe nicht immer da, wo sie hinfällt, richtig liegt. So auch in Shakespeares ROMEO UND JULIA. Zwei Menschen begehren einander von ganzem, unschuldig-reinem Herzen, doch die gesellschaftlichen Umstände verlangen danach, dass diese Liebe keine Zukunft haben darf. Für die Opernbühne bildete das Stück eine perfekte Vorlage; etliche Tonsetzer nahmen sich denn auch des Stoffes an. Zwei Komponisten glückte hier Außergewöhnliches. Der Eine war Vincenzo Bellini mit seiner Oper I CAPULETI E I MONTECCHI, der andere Charles Gounod. Sein fünfaktiges Musiktheater ROMÉO ET JULIETTE enthält alle Ingredienzien einer zeitlos modernen Tragödie. Der Coup de théâtre von Gounods Werk liegt vor allem in seinem Schluss. Die zwei Liebenden bitten ihren Schöpfer um Vergebung für die letzte Sünde ihres Lebens. Nichts bringt sie der ewigen Glückseligkeit näher als der gemeinsame Freitod. Durch den Zauber der Liebe, besiegelt mit einem Kuss, sind sie vereint in Seele und Herz. Und selbst den herannahenden Tod empfängt die weibliche Titelheldin als ce moment de doux, als einen Moment der Süße. Eine Volte, die nur der Romantik einfallen konnte. Die aber musikalisch beglaubigt ist durch den Einklang der Oktaven in diesem schauerlich-schönen Finale. Und so wendet Gounod mit höchstem musikdramaturgischem Geschick die perspektivlose Katastrophe von Shakespeares Tragödie in ihr glattes Gegenteil. Vielleicht hatte der Philosoph Leibniz doch Recht, als er schrieb, Liebe sei Lust, verbunden mit der Idee einer äußeren Ursache. ANT IGONA Tragedia per musica in drei Akten von Tommaso Traetta Text: Marco Coltellini In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln Musikalische Leitung: Jörg Halubek Inszenierung: Stephan Müller Choreografie: Deborah Smith-Wicke Bühne: Goschka Macuga Kostüme: Carla Caminati Dramaturgie: Ursula Benzing Chor: Marco Zeiser Celesti Premiere 3. Juni 2017 | Opernhaus Sie nannten ihn einen gerechten Herrscher: Ödipus, in ferner Vorzeit König von Theben. Und der König hatte vier Kinder: die Söhne Eteokles und Polyneikes, die Töchter Antigone und Ismene. Diese vier aber waren zugleich seine Kinder wie seine Geschwister. Ödipus wusste es nicht. Dann kamen Vatermord und Blutschande ans Licht. O schreckliches Verhängnis! Jetzt stehen die beiden Brüder erbittert auf dem Kampfplatz. Sie werden sich gegenseitig erschlagen. O grausige Szene! Es ist die Eröffnungsszene der Oper, mit der Tommaso Traetta die Antigone von Sophokles 1772 noch einmal ganz neu erschuf. Der Italiener nannte sie Antigona und kleidete die furchtlose, ehemals antike Heroine, in ein tönendes Gewand und mit ihr alle, die zum Fortgang der tragischen Geschichte gehören: Eteokles darf bestattet werden, Polyneikes aber hatte sich gegen Theben gewandt, deshalb wird sein Leichnam den Aasgeiern zum Fraße bestimmt. So gebietet es Creonte als nun neuer Herrscher unter Androhung der Todesstrafe. Jedoch – Antigona widersetzt sich seinem Befehl. Ihr treu zur Seite der Geliebte Emone und Ismene. So will es auch ihr Komponist: Kaum einmal muss hier einer Kummer und Schmerz alleine aushalten. Traetta öffnet die Arien auf raffinierte Weise hin zu ungewöhnlichen Ensembles. Er setzt auf scharfsinnige Wendungen und dichte Orchestrierung. Nicht zuletzt deshalb gebührt ihm nach Scarlatti und Vinci die Krone auf dem Weg zu einer Erneuerung der damaligen Opernform. Und Traetta ist um 1772 nicht nur gemeinsam mit Mozart und Gluck zu nennen: Mit ANTIGONA eilt er seinen Opern-Zeitgenossen sogar voraus. 13. THEAT E R - J U G E N D O R CH ES T E R -P R O JE K T : BRUNDIBÁ R Kinderoper in zwei Akten von Hans Krása Text: Adolf Hoffmeister Musikalische Leitung: Xin Tan Inszenierung: Franziska Schumacher Bühne: Sibylle Pfeiffer Dramaturgie: Jürgen Otten | Hilde Turba CANTAMUS-Chor: Maria Radzikhovskiy Premiere 17. Juni 2017 | Schauspielhaus Die Geschichte könnte von Erich Kästner sein. Denn sie handelt von traurigen Kindern, und davon, wie Gemeinschaftssinn diese traurigen Kinder zumindest für einige Augenblicke in glückliche verwandelt. Beispielsweise Aninka und Pepiĉek. Die Geschwister wollen für ihre kranke Mutter Milch kaufen, die diese dringend benötigt. Doch der Milchmann ist ein harter Hund. Ohne Geld keine Milch. Als Aninka und ihr Bruder den Leierkastenmann Brundibár dabei beobachten, wie er mit seiner Musik Münzen einsammelt, beschließen sie, es ihm gleich zu tun. Doch niemand ist da, der ihrem Gesang zuhören möchte. Schlimmer noch: Brun- dibár, der in den Kindern eine Konkurrenz sieht, schickt sie fort. Nun hilft märchenhafte Magie. In der Nacht erscheinen ein Spatz, eine Katze sowie ein Hund und bieten Aninka und Pepiĉek ihre Hilfe an. Am nächsten Morgen werden alle Kinder der Nachbarschaft zusammengetrommelt, gemeinsam vertreiben sie Brundibár. Als dieser versucht, das Geld, das die Kinder nun mit ihrer Musik einnehmen, zu stehlen, wehren ihn diese gemeinsam mit den Tieren ab. Brundibár zieht enttäuscht ab, die Sieger triumphieren. Hans Krása komponierte die Oper BRUNDIBÁR auf ein Libretto von Adolf Hoffmeister 1938; drei Jahre später wurde sie in einem jüdischen Kinderheim in Prag uraufgeführt. Nach seiner Deportation in das Konzentrationslager Theresienstadt notierte Krása das Werk erneut, weil er die Partitur nicht mitnehmen konnte. 55 Mal wurde BRUNDIBÁR in den folgenden Jahren dort gespielt. Sein Schöpfer wurde wie die meisten der Darsteller und Musiker in Auschwitz ermordet. SCHAUSPIEL GÖTTERSP E I S E von Noah Haidle Inszenierung: Thomas Bockelmann Bühne: Etienne Pluss Kostüme: Ulrike Obermüller Sounddesign: Heiko Schnurpel Dramaturgie: Thomaspeter Goergen Premiere 23. September 2016 | Schauspielhaus Die Welt ist voll untröstlicher Orte. Gleichen Aussehens, gleichen Zwecks. Immun gegen jede Fantasie, wie das Teflon der Pfanne gegen Butter, zerstören sie mehr und mehr die Geschmacks-Moleküle unserer Persönlichkeit. Bunte Flughäfen und Einkaufszentren, graue Irrenhäuser und Gefängnisse, zuböserletzt der für Noah Haidle wohl gruseligste Nicht-Ort: die Schulkantine. Denn ist (oder wird, frei nach Feuerbach) der Mensch nicht, was er isst? Da darf uns schon schlecht werden, bei all den Kindern an Fließbändern vor Bratkästen, wo sie zu Form- und Farblosigkeit gleichgeschaltete Pürees aufgeklatscht bekommen. Auf, Verdammte des Kantinenfeuers – ein Engel naht! Es ist die Köchin Constant, ihr Name steht für steten Streit gegen jeden furchtbaren Fraß. Ihr verheißt »Ewigkeit« mehr als die Hieroglyphe auf dem Leibnizkeks: nämlich Liebe. Ja, Metaphysik und Mahlzeit, kein seltenes Thema bei Haidle, der gern mit dem »Du bist, was du isst« seiner Figuren spielt; vom monotonen KungPao-Huhn bis zur Erde-und-Papier-Diät. Insofern ist die freie Übersetzung des Originaltitels »Pineapple in Syrup« (Ananas in Sirup) eine schöne Pointe: seien Sie ehrlich, woran haben Sie bei »Götterspeise« zuerst gedacht – an Nektar und Ambrosia oder Dr. Oetkers giftgrünes Gelee? Allein, die Welt ist ein Un-Ort für Heilige. Das System befiehlt die Ewigkeit des Gleichen, Mobilen, Billigen, und es setzt seine Macht ein gegen Constant. Doch diese ist willens zu kämpfen. Zugegeben, mit einer Prise von nicht mehr ganz sozial verträglichem Fanatismus... Aber! Man kann sie betrügen, entlassen, demütigen, ihr das leibliche Kind entreißen – heiß ist ihr Glaube, pathologisch stark die Vision, und wie eine Antigone der Kochkunst wird Constant für Trüffelblüte in Gänsefett durch alle Kantinen bis zum Allerletzten Gange gehen. MAJI MAJI F LA V A Eine Kooperation mit Flinn Works Künstlerische Leitung: Konradin Kunze, Lisa Stepf, Sophia Stepf Performance: Isack Peter Abeneko, Jan S. Beyer, Sabrina Ceesay, Konradin Kunze, Shabani Mugado, Lisa Stepf Regie: Sophia Stepf Musikalische Leitung: Jan S. Beyer Choreografie: Isack Peter Abeneko Ausstattung: Brigitte Schima Produktion: ehrliche arbeit – freies kulturbüro Uraufführung 30. September 2016 | tif Tansania-Premiere Januar 2017, Daressalam Das deutsch-tansanische Projekt nimmt den Maji Maji Krieg (1905-07) als Ausgangspunkt, einen der größten Kolonialkriege in der Geschichte Afrikas. Verschiedene Bevölkerungsgruppen im damaligen DeutschOstafrika kämpften gegen die deutsche Gewaltherrschaft, vereint im Glauben an die Kraft des „Maji“ (Wasser). Die Prophezeiung des Maji Maji Kults lautete, die deutschen Gewehrkugeln würden sich in Wasser verwandeln. Im heutigen Tansania kennt jedes Schulkind diese Geschichte. Der Maji Maji Krieg wird dort als Meilenstein auf dem Weg zur Unabhängigkeit gefeiert, in Deutschland ist er kaum bekannt. Welche Parallelen gibt es heute zu diesem Krieg, der gleichzeitig Mythos, Legende, Tabu und historisches Ereignis ist? Im Laufe eines Recherche- und Probenprozesses in Tansania und Deutschland setzen sich das Team von Flinn Works/Flinntheater (Berlin), zwei Tänzer-Musiker von Asedeva (Daressalam) und Mitglieder des Staatstheaters Kassel mit dem Maji Maji Krieg und heutigen neokolonialen Strukturen auseinander. Dabei lassen sie ihre jeweiligen politisch-historischen, sprachlichen und künstlerischen Prägungen auf der Bühne aufeinanderprallen. Maji Maji Flava handelt von der Magie des Wassers und unverständlichen Verträgen, von musikalischen Kommunikations-Codes, Rassismus und Entwicklungshilfe und nicht zuletzt davon, wie man Kriege im Nachhinein glorifizieren oder unter den Teppich kehren kann. Die Performer*innen bilden eine Band: aus treibenden tansanischen Rhythmen und Liedern der Schutztruppe entsteht eine musikalische Theater- und Tanzperformance. Deutsch changiert dabei mit Kisuaheli und Englisch, traditionelle Tänze treffen auf geopolitische Satire und Performance-Theater mischt sich mit dem neuesten Sound von Bongo Flava. Eine Flinn Works Produktion in Koproduktion mit Asedeva (Daressalam) und in Kooperation mit dem Staatstheater Kassel. Das Projekt wird gefördert im Fonds TURN der Kulturstiftung des Bundes. Mit freundlicher Unterstützung durch das Goethe-Institut Daressalam und die Vijana Vipaji Foundation. DIE RÄUB E R von Friedrich Schiller Inszenierung: Markus Dietz | Philipp Rosendahl Bühne und Kostüme: Mayke Hegger Dramaturgie: Annabelle Leschke | Michael Volk Premiere 1. Oktober 2016 | Schauspielhaus Wie kommt ein Mensch zur Gewalt? »Wann wird einmal ein Philosoph auftreten, der sich in die Tiefe des menschlichen Herzens hinablässt und jeder Handlung bis zur Empfängnis nachspürt?«, fragte 1775 der politisch verfolgte Schriftsteller Schubart anlässlich einer Anekdote über zwei Brüder, die sich dem Bösen zuwenden. Er inspirierte dadurch den Medizinstudenten an der herzoglichen Militärakademie Friedrich Schiller zu seinem ersten Stück. DIE RÄUBER wurden 1782 im liberalen Mannheim mit tumultartigem Jubel aufgenommen – für den 23-jährigen Schiller, der unerlaubt zur Uraufführung gereist war, ein prägendes Erlebnis. Zwei Brüder: Der Erstgeborene, Karl Moor, Lieblingssohn des Vaters, führt in Leipzig ein wildes Studentenleben. Der andere, Franz, fühlt sich von Natur und Gesellschaft benachteiligt und sinnt darauf, diesen Unterschied auszugleichen. Er liest dem Vater gefälschte Briefe vor, die von Exzessen Karls berichten – und unterschlägt Karls Bitten an den Vater, ihm zu verzeihen. Graf Moor enterbt daraufhin seinen geliebten Sohn. Empört über diese Ungerechtigkeit, schart Karl eine Bande aus jungen Radikalen um sich: als Räuber wollen sie alle Demütigung in der Sprache der Gewalt zurückzahlen. Franz dagegen versucht in der Zwischenzeit, nicht nur das väterliche Erbe zu erhalten, indem er das Altern seines Vaters beschleunigt, sondern auch Amalia, die Geliebte Karls, zu erobern – erst durch List, schließlich mit Gewalt. Zwei Menschen, zwei Welten: die Geschichte einer bewaffneten Rebellion in der Anarchie der Wälder; die Intrige im väterlichen Schloss, die das Familiendrama in Gang setzt. Vermutlich erstmals in der Aufführungsgeschichte dieses Stückes werden sich die Regisseure Philipp Rosendahl und Markus Dietz jeweils mit einer dieser Welten auseinandersetzen. DIE UNVE R H E I R A TE TE von Ewald Palmetshofer Inszenierung: Laura Linnenbaum Bühne und Kostüme: Daniel Roskamp Dramaturgie: Annabelle Leschke Premiere 26. November 2016 | tif »Abhau’n.« Sagt der Soldat in den letzten Tagen des Tausendjährigen Reiches. Eine Frau lauscht auf dem Postamt. Und denunziert. Wenig später hängt der Junge am Baum. Kriegsende. Stückbeginn. 70 Jahre später. Eine Tochter findet die greise Mutter nackt auf dem Boden und liefert sie in eine Klinik ein. Der Schlag, der die Alte traf, hat die Schleier der Vergangenheit zerrissen. Sie war es, die den Deserteur verriet. Und sie hat dafür bezahlt: für die Tat und dafür, dass sie sich weigerte, der »eignen Neugier Neigung Niedertracht … abzuschwören« – denn sie habe die Desertionsabsicht deutlich vernommen! Zwölf Jahre Gefängnis, danach der Paria Mönchsdorfs, verachtet, verstoßen, sie und ihre Sippe. Die Tochter hasst sie dafür, für ihr eigenes erbärmliches Leben. Die Enkelin, zu Besuch, ruft die Geister an, zerrt die alten Geschichten ans Licht. Hundsmäulige Weiber manifestieren sich als Protokollantinnen, Krankenschwestern, Wärterinnen, umkreisen die drei Generationen, die drei Frauen, die eine Schuld, die sie alle verseucht. Ewald Palmetshofer ergreift einen sogenannten »realen« Fall als pure Archaik. Die Psychogramme seiner Frauen stanzt er ins Großmaß, Sprache verdichtet er zum harten, harschen, hochrhythmischen Idiom: eine Orestie ohne Orest. Auf der Folie der Antike leuchtet mehr auf denn eine Nachkriegshistorie: die Frage nach Schuld an sich – auch in unserer entschieden relativierenden Epoche. Gibt es universale, nicht verhandelbare Gerechtigkeit, oder ist Gerechtigkeit auch Erzählung ihrer Zeit? Erringen wir sie in stetigem Miteinander zwischenmenschlich neu, oder ist sie letztbegründet, größer als der Mensch? Und was für »entsetzlich lust-volle Arbeit« ist die Rache, die sogar Schönheit hervorbringt, als »des Willens Widerwille gegen die Zeit und ihr: Es war!« (Nietzsche). FRÜHST Ü C K B E I TI F F A N Y von Truman Capote Inszenierung: Anna Bergmann Bühne: Florian Etti Kostüme: Claudia González Espíndola Sounddesign: Heiko Schnurpel Dramaturgie: Thomaspeter Goergen Premiere 16. Dezember 2016 | Schauspielhaus »Holly Golightly, auf Reisen.« Eine Cartier-förmig gedruckte Karte am Briefkasten, die von nun an ihren Entdecker wie eine Melodie quält: »Holly Golightly, Travelling.« Kurz darauf trifft unser mittelloser Erzähler auf jenes Mädchen, dem Truman Capote in einer Hausflurnotiz eine der prägnantesten Signaturen der Weltliteratur widmete – alle Leichtigkeit und Traurigkeit einer Suche nach dem Zuhause. Was für Holly diesem at home am nächsten kommt, ist nun Tiffany, Inbegriff des Juweliers an der 5th Ave., wo zu frühstücken das Allerbeste wäre beim Duft nach Silber und Krokodilleder, um das »rote Elend« zu überwinden. Leider konnte man bei Tiffany noch nie frühstücken, auch nicht zu Capotes Zeiten ... Capote schuf 1958 eine Ikone der Moderne. Holly ist Design, das sie liebevoll stylt (als Kunst-Objekt aber auch diversen Männern anbietet), sie ist Wild Thing wie ihr namenloser Kater: je mehr du es zu lieben suchst, desto mehr entfernt es sich, bis du nur noch in den Himmel schaust. Entwaffnend weltklug, unbekümmert bis zum Illegalen, progressiv in ihrer Sicht auf die Liebe! Capotes Anspielungen waren Hollywood 1961 zu viel, das Audrey Hepburn zwar zu der Holly erhob, aber eben in klassischer Romanze. Der berühmten Kuss des Erzählers und Hollys, er steht nicht im Roman. Denn der Erzähler ist gay, wie Holly leichthändig erahnt – wer keine Pferde mag, mag auch keine Mädchen. Subtil erzählt Capote auch von den verspielten Allianzen eigenwilliger Frauen zu Homosexuellen. Und schenkte uns in Holly eine Ikone der Offenheit und Humanität. Selber zu selten, selbst nicht selten bedroht. Ein »Weißer Engel« – wie auch der Cocktail heißt, den Capote vielsagend ironisch seinem Alter Ego zu Beginn des Romans servieren lässt. Da ist die, die gemeint ist, bereits seit Jahren verschwunden. DAS BL AU E LI C H T von Rebekka Kricheldorf Inszenierung: Schirin Khodadadian Bühne und Kostüme: Ulrike Obermüller Dramaturgie: Thomaspeter Goergen Uraufführung 10. Februar 2017 | tif Der Krieg geht weiter. – Ich spür ihn wie unter dem Hemde Das trockene Brusthaar, das sich beim Atmen bewegt Ein Soldat, ein junger? ein alter? kehrt heim. Sein König grüßt ihn kühl. Im sogenannten »Frieden« hat der Soldat als Werkzeug ausgedient. Die Heimat erlaubt ihm nur, sie Heimat zu nennen, weil und während er für sie kämpft. Gestern Soldat, und heute – was? So schicken die Brüder Grimm den Namenlosen in den Wald. Endlich, nachdem er durchs äußere und innere Dickicht irrte, gelangt er an eine Hütte, in der eine alte Frau ihn empfängt ... So beginnt »Das blaue Licht«. Hör ich im Laube lachen − Verbrannt vom Salz der Laugen − Soldaten, fremd, mit flachen Maschinengewehraugen Märchenhelden sind so anziehend wie verstörend. Schwerelos anonym, moralisch klar steuern sie stracks vom »Es war einmal« zum »nicht gestorben sind« durch Welten, wo noch das Gute grausam obsiegt – aber anders als unsere Comichelden, die erst durch Traumata zu Helden werden, anders als Spiderman oder Batman scheint der Grimm’sche Held immun gegen Neurosen, Komplexe, Ängste. So scheint es. Genau hier beginnt Rebekka Kricheldorf ihre etwas andere Mär DAS BLAUE LICHT. Was ist dieses blaue Feuerzeug, mit dem der Soldat, von der Hexe im Brunnen gefangen, ein Männlein rufen kann? Was unterwirft er da sich für seinen Rachefeldzug, wo er die Prinzessin demütigt, heiratet, den König entthront? Ist das Unterbewusstsein, wie Pierre Janet vor Freud dachte, gar Folge von Traumata, der innere Brunnen, in den wir die Schrecken und Überreize versenken und so von uns abtrennen? Unaufhörlich stritten Stimmen In der Luft, obwohl sich Die mythologischen Wesen längst Zurückgezogen hatten. Die schwarzen Männleins, psychotische Dämonen oder posttraumatische (Über-)Lebenshilfe? (Gedichte von K. Krolow) DIE ORES TI E von Aischylos Inszenierung: Johanna Wehner Dramaturgie: Michael Volk Premiere 17. Februar 2017 | Schauspielhaus Erinnyen, Kinder der Nacht, die einmal begangene Gewalt immer und immer wieder rächen; Krieg, der stets neuen Krieg hervorbringt – wie lässt sich diese Spirale durchbrechen? In der Form der antiken Tragödie konnten die Bürger Athens solche Fragen gefahrlos durchspielen und dadurch die Folgen von menschlichem Handeln erleben – angesichts der Bedrohung durch allgegen-wärtige Kriege und der Erfordernis, sich als Gemeinschaft politisch klug zu verhalten, von unschätzbarem Wert. Aischylos, der älteste der drei großen Tragiker, beschreibt in der ORESTIE die Überwindung des Atridenfluches, der auf Krieg stets neuen Krieg zeitigt. Bei den Dionysien des Jahres 458 v. Chr. hat er mit seiner dramatischen Neuformulierung des Mythos eine ungeheuere Wirkung erzielt. Der Krieg um Troja ist zu Ende. Agamemnon, König von Mykene, kehrt nach zehn Jahren siegreich zurück. Doch seine Gattin Klytaimnestra bereitet nicht ein Fest vor, sondern ihre Rache. Agamemnon hatte nämlich auf Geheiß der Götter für seinen militärischen Erfolg ihre gemeinsame Tochter Iphigenie geopfert. Klytaimnestra, die sich im Einklang mit göttlichem Recht fühlt, erschlägt ihren Gatten mit der Axt – gemeinsam mit ihrem Geliebten Aigisthos. Orest, Agamemnons Sohn, kehrt aus der Fremde nach Hause und beschließt, zusammen mit Elektra, seiner Schwester, seinerseits Rache zu üben. Er tötet Aigisthos und seine herbeieilende Mutter Klytaimnestra – und wird darauf von den Erinnyen, den Rachegöttinnen, heimgesucht. Die Göttin Athene – als Schutzgöttin der Stadt Athen zu Aischylos‘ Zeit mit überstrahlender Glaubwürdigkeit in diesem Götter- und Menschenzwist ausgestattet – schlägt am Ende ein gerichtsförmiges Verfahren vor, bei dem über Orests Strafe entschieden werden soll. Er wird freigesprochen. Damit ist die Wirkungsmacht des Fluches gebrochen. Die Netzwelt von Jennifer Haley Inszenierung: Markus Dietz Bühne und Kostüme: Mayke Hegger Dramaturgie: Annabelle Leschke Premiere 31. März 2017 | tif In naher Zukunft hat sich das menschliche Leben fast vollständig in die zur Realität parallel existierende Netzwelt verlagert. Perfektioniert hat dieses System der Geschäftsmann Sims mit seinem virtuellen »Refugium«. In diesem exklusiven Club können sich die Mitglieder mit einer virtuellen Identität ihre sexuellen Wünsche und dunklen Sehnsüchte erfüllen. Das Einzigartige: Das von Sims paradiesisch gestaltete Haus ist ein (wahrer) Traum für Pädophile, da die angebotenen virtuellen Lustobjekte Kinder sind. Begehen die Kunden mit ihren Avataren in der digitalen Welt ein reales Verbrechen? Die Ermittlerin Morris schickt ihren Agenten Woodnut in die Netzwelt, gleichzeitig verhört sie Sims. Dieser beharrt auf der reinen Simulation und dem Einverständnis aller Beteiligten. Außerdem hätten die Fantasien, die die Kunden des Refugiums ausleben, keinen Einfluss auf das Leben in der Wirklichkeit. Woodnut verstrickt sich immer mehr in dem verführerischen Elysium, besonders als er Iris kennenlernt, ein bezauberndes neunjähriges Mädchen, das Sims hörig zu sein scheint. Der Kampf um das virtuelle Mädchen wird zu einem Stellvertreterkrieg um Ethik und die Freiheit, die eigene Obsession auszuleben, der in beiden Welten zu katastrophalen Folgen führt. Müssen unsere Fantasien begrenzt werden? Welche Konsequenzen haben virtuelle Vorgänge für unsere Realität? Können sie eine Erkenntnis schaffen, die unsere sinnlich erfahrbare Wahrnehmung übersteigt? Jennifer Haley schildert eine Zukunft, die mehr und mehr zu unserer Gegenwart wird. Sie zeigt den schmalen Grat auf, der zum Abgrund werden kann, zwischen der grenzenlosen Freiheit und der moralischen Verantwortung. LOST AND F O U N D von Yael Ronen Inszenierung: Martin Schulze Bühne: Daniel Roskamp Kostüme: Ulrike Obermüller Dramaturgie: Thomaspeter Goergen Premiere 1. April 2017 | Schauspielhaus »Du hast vielleicht im Irak schon von meinen Arbeiten gehört«, fragt der gefeierte Video-Artist den Flüchtling mit entwaffnender Unschuld, die man indes wahlweise auch Arroganz oder Ignoranz nennen darf (und sollte). Dabei ist der Künstler Jochen voll des Engagements und dessen Wissens um das Gute und Böse. Und da ist er nicht der Einzige. Seine Ex-Frau Maryam ist ebenso sehr engagée, neben ihrem Lifestyle-Blog und dem Plan, von ihrem schwulen Freund Schnute schwanger zu werden: »Spielzeugwaffen sind nur erlaubt, wenn sie selbst geschnitzt sind.« Ihr Bruder Elias verarbeitet seinen Beziehungsverlust in ungemein engagiertem Poetry Slam, der tote Vater, ein atheistischer Ex-Muslim, bekommt noch ein muslimisches Begräbnis, für das Onkel Osama aus London bezahlt – das spart Kosten und: »Das wäre doch ein Statement, gerade jetzt!« Eine wunderbare bürgerliche Familie am Rande des Nervenzusammenbruchs und im selbsternannten Zentrum der Flüchtlingskrise: alle willens alles zu optimieren – die biologische Uhr, das politisch Korrekte, sich selbst, vor allem die anderen – im Dauerstress der Perfektion, denn wer auf der richtigen Seite steht, ist gegen Fehler gefeit. Wer lost, der found! Vor dem trockenen, unverblümten Humor von Yael Ronen ist kein Großthema gefeit, Nahostkonflikt, Völkermorde, Flüchtlingskrise. Wo alles besonders moralisch eindeutig ist, schmeißt sie voll subversiver Unschuld die Scheiben ein. International gefeiert, in Österreich und Deutschland preisgekrönt: Der schwarze Witz der israelisch-österreichischen Regisseurin kennt weder Gnade noch Grenzen, und ist zugleich doch durchdrungen von der Hoffnung auf Verständigung zwischen den Menschen – auch wenn für Ronen die Suche nach hübsch handlich einfachen Lösungen nur das ist: ein Witz. Aber einer, der unbändig zum Lachen ist. THE FLIC K von Annie Baker Inszenierung: Sebastian Schug Bühne und Kostüme: Christian Kiehl Dramaturgie: Annabelle Leschke Premiere 19. Mai 2017 | tif The Flick, eines der letzten Kinos mit einem 35-Millimeter-Filmprojektor in Worcester, Massachusetts: Dort beginnt der zwanzigjährige Farbige Avery, Student und leidenschaftlicher Filmliebhaber, nach seinem Selbstmordversuch als unterbezahlter Kassierer und Reinigungskraft zu arbeiten. Zwischen ihm und seinem Kollegen Sam, der sehnsüchtig seine Beförderung zum Filmvorführer erwartet, entwickelt sich aus gegenseitiger Akzeptanz eine zarte Freundschaft. Im Gegensatz zu Avery weiß Sam mit Mitte dreißig immer noch wenig mit seinem Leben außerhalb des Kinos anzufangen; sein einziges Interesse gilt der spleenigen Filmvorführerin Rose. Diese unternimmt jedoch einen Annäherungsversuch gegenüber Avery, der mit Ablehnung reagiert. Kann die Dreierbeziehung die gegenseitige Offenbarung ihrer Bedürfnisse und Erwartungen an den anderen aushalten? Der Kinosaal wird zur Arena, in der enttäuschte Freundschaft, Konkurrenz und Verrat ausgetragen werden. Die mehrfach ausgezeichnete Amerikanerin Annie Baker (geboren 1981) gewann 2014 mit THE FLICK den Pulitzer-Preis. Sie gibt in ihrem Kammerspiel einen intensiven und genauen Einblick in den Alltag dreier junger Menschen, in ein Leben zwischen Licht und Schatten, das nur durch die Flucht in andere Welten die Gegenwart erträglich erscheinen lässt. Bakers Figuren leiden an der zu-nehmenden Stereotypisierung einer Gesellschaft, die trotz ihrer Fortschrittlichkeit immer wieder alte Muster reproduziert. (unter Rechtevorbehalt) DIE RAT TE N von Gerhart Hauptmann Inszenierung: Maik Priebe Bühne und Kostüme: Susanne Maier-Staufen Dramaturgie: Michael Volk Premiere 20. Mai 2017 | Schauspielhaus Die Ratten bewohnen die alte Mietskaserne – vom Speicher, in dem der ehemalige Theaterdirektor Hassenreuter seinen Fundus lagert, bis in die ärmlichen Wohnungen darunter. Die Ratten sind die düstere Begleitmusik zu Hauptmanns Stück, in dem er in beinahe expressionistischer Diktion von der Putzfrau Henriette John erzählt, die sich, traumatisiert vom frühen Tod ihres Kindes, sehnlichst ein weiteres wünscht – und als die hochschwangere polnischstämmige Pauline Piperkarcka berichtet, dass sie nicht weiß, wie sie mit Kind ihr Leben schaffen will, bietet Frau John ihre Hilfe an: sie könne das Kind aufziehen und es vor der Welt und auch vor ihrem auswärts arbeitenden Mann als eigenes ausgeben. Das Kind kommt auf dem Dachboden besagter Mietskaserne zur Welt, Frau John nimmt es von Herzen in ihre Obhut – doch nach kurzer Zeit packt Piperkarcka die Reue. Sie bekommt Angst, die Behörden könnten sie belangen, weil sie das Kind nicht gemeldet hat. Frau John fürchtet nun, »ihr« Kind wieder zu verlieren und versucht das mit allen Mitteln zu verhindern. Sie beauftragt ihren Bruder Bruno Mechelke, die Konkurrentin einzuschüchtern und verstrickt sich zunehmend in Lügen, in die am Ende alle verwickelt sind. Auch Theaterdirektor Hassenreuter, für den Frau John den Fundus putzt. Der allerdings selbst etwas zu verbergen hat, denn er gibt nicht nur einigen Schauspielschülern oben unter dem Dach Unterricht, sondern trifft sich dort auch mit einer Geliebten. Dachboden und Sozialwohnung, Oben und Unten; bei Hauptmann sind sie gleichermaßen prekär. Denn obwohl bei Hassenreuter der gepflegte Idealismus des Künstlertums hochgehalten wird, scheitert doch auch er an den düsteren Gegebenheiten seiner unmittelbaren Realität. Die Ratten sind eben überall. TANZTHEATER EMOJI Tanztheater: Zwei Stücke von Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas Choreografie Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas Bühne und Kostüme: Juri Halliday, Lydia Sonderregger, Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas Produktionsleitung: Thorsten Teubl Uraufführung 30. Oktober 2016 | tif Die Preisträgerin des Nachwuchspreises der Fördergesellschaft des Staatstheater Kassel Annamari Keskinen und Evangelos Poulinas – beide langjährige und dem Publikum bestens vertraute Tänzer im hiesigen Ensemble – präsentieren ihre neuen Choreografien. IKIMONO »In IKIMONO beschäftige ich mich mit dem Kampf um das Licht in der Dunkelheit, in einer Welt, in der sich Illusionen und Realität gegenseitig aufheben und zu paranoiden Zuständen führen. Ich gehe auf die Suche nach einem sicheren Ort; mit dem Wunsch innerhalb einer von Schmerz und Angst dominierten Gesellschaft angenommen zu werden. – Das Wort Ikimono kommt aus dem Japanischen bedeutet ›lebendiges Sein‹ oder ›Lebewesen‹. Worin liegt die Verantwortung des Einzelnen für den gesellschaftlichen Wohlstand und das Glück jedes Einzelnen.« (Annamari Keskinen) Choreografie: Annamari Keskinen Musik: Michel Tittlepp Bühne: Juri Halliday Kostüme: Lydia Sonderregger, Annamari Keskinen Licht: Florian Machner I SHARE THEREFORE I AM »Ich möchte eintauchen in die Welt des Teilens von Informationen und dabei beobachten, wie dieser Austausch unser Leben beeinflusst. Ist es möglich, dass neue Identitäten durch den bloßen Akt eines Erfahrungsaustausches konstruiert werden? Der Akt des Sich-Mitteilens in der virtuellen Welt definiert oftmals unsere soziale Umwelt und gaukelt das reale Leben vor. Ich stelle mir in meinem Stück Menschen vor, die nach Aufmerksamkeit dürsten, am Rande eines emotionalen und psychischen Zusammenbruchs, und dabei immer ihr Bestes versuchen, den ›schönen Schein‹ zu wahren.« (Evangelos Poulinas) Choreografie: Evangelos Poulinas MARIANEN G R A B E N [ARBEITSTITE L] Tanztheater: Ein Stück von Johannes Wieland Choreografie: Johannes Wieland Bühne: Matthieu Götz Kostüme: Evelyn Schönwald Dramaturgie und Produktionsleitung: Thorsten Teubl Uraufführung 14. Januar 2017 | Schauspielhaus In einer Zeit, wo sich Werte wie Toleranz und Respekt sowie die bürgerlichen Tugenden permanent verschieben, sich die Ansprüche an Humanität verändern, fragt Johannes Wieland, ob wir überhaupt noch zu retten sind, oder damit beschäftigt, unaufhaltsam zu versinken … ist ein Neustart möglich? Der Marianengraben gehört zu den tiefsten und unzugänglichsten Regionen dieser Welt. Zwischen der Pazifikplatte und der Marianenplatte, die am Marianengraben aufeinander stoßen, verbergen sich möglicherweise in mehr als 10000 Metern Tiefe unbekannte Lebensformen und neue Ökosysteme. Johannes Wieland erforscht in seinem neuen Tanztheaterabend das menschliche Miteinander und stellt die provokante Frage: Was macht uns überhaupt menschlich? TANZABEN D 2 Tanztheater: Zwei Stücke von Linda Kapetanea & Jozef Fruček und Johannes Wieland Choreografie: Linda Kapetanea & Jozef Fruček und Johannes Wieland Musikalische Leitung: Alexander Hannemann Bühne: Momme Röhrbein Kostüme: Stefanie Krimmel Dramaturgie und Produktionsleitung: Thorsten Teubl Mit dem Staatsorchester Kassel Uraufführung 29. April 2017 | Opernhaus Die Gastchoreografen Linda Kapetanea und Jozef Fruček sind dem Kasseler Publikum noch bestens durch ihre spannungsgeladene Choreografie von GIVING BIRTH TO A THOUSAND YEARS OF SORROW im Schauspielhaus des Staatstheaters Kassel bekannt. Mit ihrem Stück COLLECTIVE LOSS OF MEMORY gewannen sie 2015 den Preis der Tschechischen Tanzplattform. Nun kehren sie nach Kassel zurück. CHOREOG R A F I S C H E W E R K S T A T T Tanztheater: Junge Choreografen stellen sich vor Choreografie und Tanz: Tänzerinnen und Tänzer des Staatstheaters Kassel Dramaturgie und Produktionsleitung: Thorsten Teubl Uraufführung 30. Juni 2017 | tif Tänzer des Staatstheaters Kassel stellen sich mit eigenen choreografischen Arbeiten dem Kasseler Publikum vor. ZUSATZVERANSTALTUNGEN TANZFÜHR E R – Live ! Eine halbe Stunde vor Beginn jeder Vorstellung des Tanztheaters stellt Dramaturg Thorsten Teubl im Foyer des Opern- bzw. Schauspielhauses das jeweilige Tanztheaterstück vor. OFFENES TR A I N I N G Die Sparte Tanz bietet einen Einblick in den täglichen Trainingsalltag der Tänzer. Die Zuschauerzahl ist hierfür auf 15 Personen begrenzt. Anmeldung: 0561 1094-125 TANZ MIT! Die Tänzer des Staatstheaters Kassel und die Proben- und Trainingsleiterin laden zu einem einfachen Tanztraining für Jeder-Mann-Frau ein. Karten an der Theaterkasse für 2,50 ¤ OFFENE P R O B E Die Sparte Tanz bietet die Möglichkeit zum Probenbesuch, um einen Einblick in den Probenalltag und den Entstehungsprozess eines Tanztheaterstücks zu geben. Dabei betreut Sie der Tanztheaterdramaturg. I NNENSIC H TE N Beim Tag der OFFENEN TÜR des Tanztheaters stellt sich die Sparte Tanz vor. KINDER- UND JUGENDTHEATER SAFFRAN & K R U M P von Pamela Dürr ab 6 Jahren Inszenierung: Janis Knorr Bühne und Kostüme: Michael Lindner Dramaturgie: Thomas Hof Premiere 25. September 2016 | tif Auf der Suche nach einer neuen Bleibe entdeckt eines Nachmittags Saffran vom Stamm der Filousen auf einer Anhöhe eine gut versteckte Waldlichtung. Prompt richtet er sich häuslich ein. Und zum angenehmen, neuen Heim gehören auch die Narzissen, die da vor seiner Nase wachsen. Problematisch nur, dass eben diese »MEINAZISSEN« das Ein und Alles von Krump sind, einem »im Normalfall« gutmütigen und naturverbundenen Wesen vom Stamm der Waldschratteln. Es lebt schon seit es denken kann unter seinem Erdbuckel im heimischen Wald und ist alles andere als begeistert von diesem neuen Gast: So entbrennt ein erbitterter Kampf um die (neue) Heimat und um das möglichst schnelle Verschwinden des Anderen: Es »kannuainen geben.« Dafür scheinen alle Mittel recht, bis – tja, bis man schließlich im Anderen etwas entdeckt, das man dann doch nicht mehr missen möchte. SAFFRAN & KRUMP ist ein Stück über Fremdsein, Freundschaft und komische Missverständnisse. Die Autorin Pamela Dürr lässt ihre zwei Phantasiewesen schon durch ihre absurde Sprachartistik mitreißend komisch das durchspielen, was in der realen Welt schnell in Kämpfe mündet – ob zwischen Kindern, Nachbarn oder Staaten. Neben ihrem ersten Kinderstück SAFFRAN & KRUMP wurde die Theaterautorin aus St. Gallen für ihr literarisches Schaffen 2005 mit dem Preis der Schweizerischen Autorengesellschaft ausgezeichnet. Weihnachtsmärchen: RONJA RÄ U B E R TO C H TE R von Astrid Lindgren ab 5 Jahren Inszenierung: Philipp Rosendahl Bühne: Daniel Roskamp Kostüme: Brigitte Schima Dramaturgie: Thomas Hof Premiere 16. November 2016 | Opernhaus »Ronja, begreifst du, dass wir frei sind? So frei, dass man vor Lachen platzen könnte?« In einer Gewitternacht, in der sich selbst alle Unholde, die im Mattiswald hausen, erschrocken in ihre Höhlen und Schlupfwinkel verkriechen, wird Ronja als Tochter des Räuberhauptmanns geboren. Aufgezogen von der Räuberschar, erwächst in ihr nicht nur eine große Neugier und Abenteuerlust, sondern auch die Hoffnung auf eine erfüllte Zukunft. Diese verfliegt, als Ronja in ihrer kindlichen Unbefangenheit weiter geht als erlaubt: Sie schließt einen freundschaftlichen Bund mit Birk, dem Sohn des Anführers der verfeindeten Borkasippe. Die Kluft zwischen dem Glauben an die Kinder und der Ablehnung der fremden Familien-Bande verhärtet die Fronten und so müssen Ronja und Birk Entscheidungen treffen, die sie über den gegenseitigen Hass ihrer Verwandten triumphieren lassen. »Ronja Räubertochter« erzählt über die Kraft einer großen Freundschaft und über die Möglichkeit, die Welt mit den eigenen Augen zu sehen, bevor man sich auf das Urteil eines anderen verlässt. Astrid Lindgren entführt uns mit der jungen Heldin in eine zauberhafte Welt voller Rumpelwichte, Graugnome und Wilddruden und erschafft eine sehr ursprüngliche Parabel auf unsere hochkomplexe Gesellschaftslage. Als geistige Mutter Ronjas und vieler anderer wichtiger Figuren der Kinderliteratur wurde sie deshalb zur Schwedin des 20. Jahrhunderts gekürt. WAS DAS N A S H O R N S A H , A L S ES AU F D IE AN D E R E SE IT E DES ZAUN S S C H A U TE von Jens Raschke ab 11 Jahren Inszenierung: Philipp Rosendahl Dramaturgie: Thomas Hof Premiere 26. März 2017 | tif »Vielleicht gewöhnt man sich mit der Zeit wirklich an alles.« Nachdem in einem kleinen Zoo das Nashorn unter seltsamen Umständen starb, zieht ein Bär aus Sibirien in das wohlgeordnete Leben von Papa Pavian, Herrn Mufflon und dem Murmeltiermädchen ein. Doch die unangenehmen Fragen, die er stellt, über das Leben und die seltsamen Bewohner auf der anderen Seite des Zauns, »dünn wie Winterzweige, gestreift wie Zebras, aber zweibeinig. Sehen aus wie der Tod, diese Zebrawesen«, bringen Unruhe in die bisher gut geordnete zoologische Gemeinde. Und dazu dieser üble Gestank aus dem benachbarten Schornstein! Der pelzige Neuzugang fasst einen folgenschweren Entschluss … Was sah das Nashorn, als es auf die andere Seite des Zauns schaute? Und was tat es, als es sah, was es sah? Was sehen wir, wenn wir auf die andere Seite des Zauns schauen? Und was tun wir, wenn wir sehen, dass auf der anderen Seite des Zauns Unmenschliches geschieht? In Jens Raschkes brisanter Geschichte schauen die fiktiven Tiere des nicht-fiktiven, historisch real verbrieften »Zoologischen Gartens Buchenwald« über den Zaun des angrenzenden Konzentrationslagers und erblicken, was die Gestiefelten den Gestreiften antun. WAS DAS NASHORN SAH … ist ein notwendiger Blick auf die andere Seite einer »Einfriedung«, ein poetisches Plädoyer für Zivilcourage und den daraus resultierenden Konsequenzen – ein Stück über die Entscheidung, Zuschauer zu bleiben oder nicht. Das Stück wurde in diesem Jahr für die »Kinder-Stücke« der 41. Mülheimer Theatertage nominiert und erhielt 2014 die Auszeichnung mit dem Deutschen Kindertheaterpreis. WER WIR S I N D Eine Stückentwicklung ab 13 Jahren Inszenierung: Joanna Praml Bühne und Kostüme: Jana Denthoven Dramaturgie: Petra Schiller Premiere 21. April 2017 | tif Weißt du noch, was du am Freitag, den 30. Juni 2006, gemacht hast? Als gegen 18.40 Uhr Miroslav Klose den Ausgleich gegen Argentinien im Viertelfinale bei der Weltmeisterschaft im eigenen Land erzielte und die deutsche Mannschaft sich in einem packenden Elfmeterschießen ins Halbfinale schoss? Das vierwöchige Sommerwetter und die Begeisterung von Zuschauern und Gastgebern sorgten für eine ausgelassene Stimmung, die in Anlehnung an Heine als »deutsches Sommermärchen« bezeichnet wurde. Man konnte und durfte wieder öffentlich sagen, dass man stolz sei, Deutscher zu sein. Sieht man allerdings heute Bilder aus Bautzen oder Clausnitz, wo ein fremdenfeindlicher Mob »Wir sind das Volk!« brüllt und damit Menschen verängstigt, die Zuflucht in Deutschland suchen, drängt sich unweigerlich die Frage auf: Ist das (jetzt) wieder anders? Worauf kann man als Deutscher stolz sein? Was ist »typisch deutsch«? Existiert ein Gefühl für ein Land? Was ist denn dieses Deutschland und was verbindet mich damit? Welche Bedeutung hat der Begriff »Heimat« heute? Welche Rolle spielen Traditionen in unterschiedlichen Generationen? Was können deutsche Klassiker uns noch sagen? Was eint das Land? Nord und Süd, Ost und West, was hat Bayern mit Hamburg zu tun, Chemnitz mit Kassel …? Die Regisseurin Joanna Praml stellt sich und einer Kerngruppe von ungefähr zehn Jugendlichen, die im Herbst 2016 bei einem offenen Casting ausgewählt werden, im partizipativen Rechercheprojekt »Bürgerbühne« genau diese Fragen. »Bürger« interessieren dabei nicht mehr lediglich als Zuschauer, sondern kommen als Teilhaber von Aufführungen nach einer halbjährigen Probenzeit selber auf die Bühne, um zu behandeln, was sie bewegt: Wer wir sind. Wie wir denken. Wie wir fühlen. KLAMMS K R I E G von Kai Hensel KJT mobil – Klassenzimmerstück ab 14 Jahren Inszenierung: Thomas Hof Sascha hat aufgrund einer schlechten Note sein Abitur nicht bestanden. »Mein Schüler, richtig. Deutsch-Leistungskurs, ein Jahr über Ihnen, der Abiturjahrgang. Ein schlechter Schüler! Obwohl ich wußte, dass sechs Punkte nötig gewesen wären, um ihn das Abitur bestehen zu lassen, habe ich mir die Entscheidung nicht leicht gemacht.« Die Klasse erklärt daraufhin ihrem Lehrer Herrn Klamm symbolisch den Krieg durch totale Verweigerung. Denn Sascha hat sich umgebracht. So redet Klamm gegen eine Mauer des Schweigens an, argumentiert und verteidigt, versucht es mit Hohn und mit Drohungen. Immer mehr entpuppt er sich als gestörte Persönlichkeit, zerrieben von Ehrgeiz, blindem Hass und einsamer Verzweiflung. »Klamms Krieg« ist ein kluges, witziges und böses, brandaktuelles Psychogramm, das den Ursachen von Abhängigkeit und Unterdrückung im System Schule auf den Grund geht. 2002 wurde das Stück mit dem Deutschen Jugendtheaterpreis ausgezeichnet. KONZERTE S INF ONIE KONZERT E 1. S I N F O N I E K O NZERT » H ans C hristian Andersen« Montag, 17. Oktober 2016, 20.00 Uhr | Stadthalle Louis Glass Elverhøj (Elfenhügel) op. 67 Suite für Orchester nach den Abenteuern von Hans Christian Andersen Sergej Rachmaninow Klavierkonzert Nr. 2 c-Moll op. 18 Alexander von Zemlinsky Die Seejungfrau Fantasie für großes Orchester nach einem Märchen von Hans Christian Andersen Solistin: Nareh Arghamanyan, Klavier Dirigent: Patrik Ringborg 2. S I N F O N I E K O NZERT | BUSSTAGSKONZE RT » D ona nobis pacem « Mittwoch, 16. November 2016, 20.00 Uhr | Martinskirche Olivier Messiaen Un sourire Wolfgang Amadeus Mozart Requiem d-Moll KV 626 Solisten: Lin Lin Fan, Sopran | Ulrike Schneider, Alt | Tobias Hächler, Tenor | Yorck Felix Speer, Bass Chor: N.N. Dirigent: Patrik Ringborg 3. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 9. Januar 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Johannes Brahms Konzert für Violine, Violoncello und Orchester a-Moll op. 102 (Doppelkonzert) Antonín Dvořák Sinfonie Nr. 9 e-Moll op. 95 Aus der neuen Welt Solisten: Razvan Hamza, Violine | Eugene Lifschitz, Violoncello Dirigent: Michał Nesterowicz 4. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 27. Februar 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Ottorino Respighi Fontane di Roma Oscar Navarro Legacy- Konzert für Oboe und Orchester Andrea Tarrodi Liguria Ottorino Respighi Pini di Roma Solist: Ramon Ortega Quero, Oboe Dirigentin: Anja Bihlmaier 5. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 20. März 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Fazil Say Symphonic Dances op. 64 Sergei Koussevitzky Konzert für Kontrabass und Orchester op. 3 (1902) Nikolai Rimsky-Korsakoff Scheherazade, op. 35 Solist: Ödön Rácz, Kontrabass Dirigentin: Anja Bihlmaier 6. S I N F O N I E K O NZERT | KARFREITAGSK ONZ E RT » H ellenische Trauer « Freitag, 14. April 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Hugo Wolf Penthesilea Sinfonische Dichtung für Orchester nach dem Trauerspiel von Heinrich von Kleist Samuel Barber Andromache’s Farewell (Andromaches Abschied) für Sopran und Orchester op. 39 Héctor Berlioz La Mort de Cléopatre (Der Tod der Kleopatra) Lyrische Szene für Sopran und Orchester H. 36 Jean Sibelius Sinfonie Nr. 7 C-Dur op. 105 Solistin: N.N., Sopran Dirigent: Patrik Ringborg 7. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 1. Mai 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Niels W. Gade Efterklange af Ossian op. 1 Felix Mendelssohn-Bartholdy Musik zu EIN SOMMERNACHTSTRAUM op. 61 Johannes Brahms Sinfonie Nr. 2 D-Dur Dirigent: Giordano Bellincampi 8. S I N F O N I E K O NZERT Montag, 19. Juni 2017, 20.00 Uhr | Stadthalle Gustav Mahler Sinfonie Nr. 3 d-Moll Solistin: Ulrike Schneider, Alt Chor: CANTAMUS Kinder- und Jugendchor Dirigent: Patrik Ringborg S ONNTAGS - UND SONDERKON Z E R T E 1. S onntagskonzert Sonntag, 6. November 2016, 11.00 Uhr | Opernhaus Claude Debussy Prélude à l’après-midi d’un faune Zoltán Kodály Nyári este (Sommerabend) Johannes Brahms (1833-1897) Serenade Nr. 1 D-Dur op. 11 Dirigent: Alexander Hannemann N eujahrskonzert 2017 | 2. Sonntagskonzert Sonntag, 1. Januar 2017, 19.30 Uhr | Opernhaus Sonntag, 8. Januar 2017, 18.00 Uhr | Opernhaus Richard Wagner Die Walküre, Akt I Solisten: Vida Mikneviciute, Sopran | Michael Weinius, Tenor | Hee Saup Yoon, Bass Dirigent: Patrik Ringborg 3. S onntagskonzert Sonntag, 7. Mai 2017, 11.00 Uhr | Opernhaus Franz Xaver Süßmayr „Allegro“ aus Sinfonia turchesca in C SmWV 403 Kareem Roustom Dabke Joseph Haydn Sinfonie Nr. 63 C-Dur »La Roxelane« Hob, 1/63 Sergej Prokofjew Ouvertüre über hebräische Themen op. 34b Stefan Wurz UA Auftragskomposition Carl Nielsen Aladdin-Suite op. 34 Dirigentin: Anja Bihlmaier SW I N G I N C O N CERT – The Reunion Premiere Sonntag, 25. September 2016, 19.30 Uhr | Opernhaus THE PACK Nigel Casey, Henrik Wager, Andreas Wolfram LADIES Katja Friedenberg, Tabea Henkelmann, Judith Lefeber HOST Insa Pijanka BANDLEADER Patrik Ringborg W I N TE R WO N DERLAND – A Swinging Christmas S how Premiere Samstag, 26. November 2016, 19.30 Uhr | Opernhaus THE PACK Nigel Casey, Henrik Wager, Andreas Wolfram LADIES Katja Friedenberg, Tabea Henkelmann, Judith Lefeber HOST Insa Pijanka BANDLEADER Patrik Ringborg kinder- und jugendkonzerte 1. K I N D E R K O N ZERT C o o le K o m p oni sten – W olfgang Am a de us Moz a rt Ab 8 Jahren MODERATION Constanze Betzl W.A. MOZART N.N. DIRIGENT Xin Tan Mittwoch, 9.11.2016, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Donnerstag, 10.11.2016, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Sonntag, 13.11.2016, 15.00 Uhr | Schauspielhaus 2. K I N D E R K O N ZERT B e n j a m i n B r i tten – A Y o u n g P erson’ s Gui de to the Orche s tra und Frida y Afte rnoon Ab 5 Jahren MIT dem CANTAMUS Kinderchor (Leitung: Maria Radzikhovskiy) MODERATION Constanze Betzl DIRIGENTIN Deniola Kuraja Donnerstag, 9.3.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Freitag, 10.3.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Sonntag, 12.3.2017, 15.00 Uhr | Schauspielhaus 3. K I N D E R K O N ZERT D i e H e x e u n d der Maestro E i n e m ä r c h e nhafte Orchestergeschichte Vo n H o w a r d Gri ffi ths Mit Musik von Fabian Künzli Ab 5 Jahren MODERATION Anne Hagemann SPRECHERIN Eva-Maria Keller DIRIGENT Alexander Hannemann Freitag, 23.6.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus Dienstag, 27.6.2017, 9.15 und 11.00 Uhr | Schauspielhaus J U G E N D K O N Z E RT ü b e r _ b r ü cken Interkulturelles Kompositionsprojekt mit Jugendlichen ab 12 Jahren MODERATION Constanze Betzl DIRIGENTIN Anja Bihlmaier Dienstag, 9.5.2017, 11.00 Uhr | Opernhaus
