Magazin 2014
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Suhrkamp Theater Magazin 2014 1 INHALT Editorial3 Ruth Johanna Benrath, Pamela Carter, Tankred Dorst, Werner Fritsch, Rainald Goetz, Noah Haidle, Peter Handke, Martin Heckmanns, Wolfram Höll, Anna Maria Jokl, Stephan Kaluza, Jörn Klare, Konstantin Küspert, Pamela Carter 4 Tankred Dorst und Ursula Ehler 8 Rainald Goetz 10 Noah Haidle 12 Peter Handke 16 Martin Heckmanns 20 Wolfram Höll 22 Stephan Kaluza 24 Jörn Klare 28 Konstantin Küspert 30 Thomas Kyd 32 Cesare Lievi 36 Friederike Mayröcker 38 Christoph Nußbaumeder 40 Sean O’Casey 42 Georg Ringsgwandl 44 Gesine Schmidt 46 Peter Turrini 48 Junges Programm: Anna Maria Jokl 50 Ruth Johanna Benrath 54 Prosa für die Bühne 56 Schwerpunkt Erster und Zweiter Weltkrieg 60 Cesare Lievi, Friederike Mayröcker, Christoph Nußbaumeder, Sean O’Casey, Albert Ostermaier, Georg Ringsgwandl, Oliver Schmaering, Gesine Schmidt, Peter Turrini Jahrestage66 suhrkamp spectaculum 68 Impressum 2 3 EDITORIAL Aber wir haben nicht aufgehört, daran zu denken Dass jemand sich hingeben könne (vor hunderttausend Augen). Wir haben ihn suchen lassen. Sind die Tiere bereit? Ist der Baum fest? Die Windmaschine auf Position? Alles auf Anfang und Licht aus. So beginnt ein Spiel ums Spiel in Es wird einmal, dem neuen Stück von Martin Heckmanns. Verstehen Sie den nachtblauen Umschlag unseres neuen Magazins also bitte als eine solche momentane Verdunkelung, auf die dramatische Erhellungen unterschiedlicher Art folgen: Neben Beiträgen zu neuer englischsprachiger Dramatik von Pamela Carter und Noah Haidle – beide machen derzeit mit Ur- und deutschsprachigen Erstaufführungen auf sich aufmerksam – widmen wir uns in einem Beitrag dem irischen Dramatiker Sean O’Casey und seinen bei Suhrkamp nunmehr komplett vorliegenden Übersetzungen. Die Wiederentdeckung eines hierzulande kaum bekannten elisabethanischen Klassikers ist zu verkünden: Oliver Schmaering legt eine kongeniale Nachdichtung von Thomas Kyds Eine spanische Tragödie und damit die einzige greifbare deutsche Übersetzung dieses Stückes vor. Im Bereich neuer deutschsprachiger Dramatik berichten wir über die Resonanz auf die Uraufführungen der Debütstücke von Konstantin Küspert und Wolfram Höll. Etablierte Autorinnen und Autoren wie Gesine Schmidt, Martin Heckmanns, Stephan Kaluza, Jörn Klare, Christoph Nußbaumeder und Georg Ringsgwandl (den wir als neuen Suhrkamp-Autor begrüßen!) legen neue Stücke vor. Peter Handkes Werke erfahren derzeit im deutschsprachigen wie im fremdsprachigen Raum eine lebendige Rezeption; so wurde Handkes Heimkehrerdrama Über die Dörfer gerade beim Festival d’Avignon wiederentdeckt. Und Peter Turrini hat ein berührendes neues Werk für die große Bühne geschrieben, dessen Uraufführung in Wien mit großem Jubel gefeiert wurde. Unser Junges Programm wächst um eine Dramatisierung des Weltbestsellers Die Perlmutterfarbe von Anna Maria Jokl durch Christoph Nußbaumeder und ein Jugendstück von Ruth Johanna Benrath. Zudem informieren wir über aktuelle Roman-Theatralisierungen und erinnern in einem Schwerpunkt anlässlich der sich jährenden Daten 1914 und 1945 an Stücke und Romane in unserem Programm, die sich mit Weltkriegsthematiken auseinandersetzen. 4 Viel Vergnügen beim Lesen und Entdecken! 5 Pamela Carter was wir wissen »Schmerzhaft und peinlich und womöglich auch lächerlich« Pamela Carter im Gespräch Originaltitel: what we know I Deutsch von Hannes Becker rührend und mit viel Humor einen Wendepunkt im Leben einer jungen Frau, die sich nach einem traumatischen Erlebnis erst nach und nach in ihrer neuen Lebenswelt zurechtfindet. Ein Kammerspiel, eindringlich und atmosphärisch aufgeladen, das man nicht vergisst. (3 D, 3 H) Uraufführung: 17. Februar 2010 Traverse Theatre Edinburgh Regie: Pamela Carter Frei zur deutschsprachigen Erstaufführung Foto: Ben Wright Ein scheinbar idyllischer Abend bei Lucy und Joe, die gemeinsam kochen. Merkwürdig ist, dass Joe immer wieder nach Worten sucht und Gedächtnislücken hat – und plötzlich verschwunden ist. Während Lucy noch mit der Fassung ringt, steht ein Junge in ihrer Küche. Die Situation scheint surreal, doch der Jugendliche fordert ganz selbstverständlich etwas zu essen ein, er hat Hunger. Lucy folgt seinem Wunsch und plaudert schließlich mit ihm. Und kaum ist er weg, stehen drei Gäste vor der Türe … Pamela Carter erzählt in was wir wissen vom Verlust eines geliebten Menschen. Das Stück beschreibt be- Pamela Carter, geboren 1970 in Kendal (Nordengland), ist Autorin, Regisseurin und Dramaturgin. Sie lebt in London. Seit 2010 entwickelt Carter gemeinsam mit den schwedischen Künstlern Goldin + Senneby Performances und Installationen. Mit in der ebene (Originaltitel: skåne) war sie eingeladen zum Berliner Stückemarkt 2012, es wird im Frühjahr 2014 am Theater Ulm deutschsprachig erstaufgeführt. Carter gewann den Werkauftrag des Berliner Stückemarktes in Kooperation mit dem Staatsschauspiel Dresden, Elias Perrig brachte hier ihr Stück fast ganz nah (Originaltitel: almost near) zur Uraufführung. 6 Nina Peters: Als wir uns zum ersten Mal begegnet sind, sagtest du, du seist »non-white and working class«. Was bedeutet das für dich? Du sagtest, du seist in eine konservative, britische Mittelstandsschule gegangen, wie hat sich dein Bewusstsein von politischer Klassenzugehörigkeit entwickelt? Pamela Carter: Ich bin im Norden Englands aufgewachsen, in einer überwiegend weißen Nachbarschaft. Und da ich die meiste Zeit über bei meinem weißen Vater gelebt habe, wurde ich immer wieder gefragt: »Woher kommst du?« Und meine Antwort »von hier« war offenbar nie die richtige, weil unausweichlich immer die Frage folgte: »Nein, woher kommst du ursprünglich?« Ich habe die Erfahrung gemacht, dass wer oder was auch immer ich glaubte zu sein, nicht mit dem übereinstimmte, was die meisten anderen Menschen zu sehen glaubten. Mixed-raced zu sein (mein Vater war Engländer, meine Mutter ist Chinesin) ermöglichte mir nie einen Zugang zu zwei Kulturen, ich hatte eher das Gefühl, zu keiner der beiden Kulturen ausreichend zu gehören. Meine persönlichen Erfahrungen fanden keine Entsprechung im Mainstream, und natürlich wurden sie auch in der konservativen Mittelklasseschule nicht anerkannt, auf die ich geschickt wurde und in der Konformität als Schlüssel zum Erfolg galt. Ich glaube, ich hatte ein großes Problem mit Autoritäten und dem »Establishment«. Heute fällt es mir nicht so schwer, über Identität zu sprechen … Ich kann den Umgang mit diesem fragmentarischen, schwer fassbaren Begriff inzwischen sogar genießen. … Außerdem hat sich die Welt, oder die, in der ich glücklicherweise lebe, zum Besseren verändert. Wenn ich »working class« sage, dann beschreibe ich ein persönliches Tableau von politischen Zugehörigkeiten. Zu politischem Bewusstsein bin ich als Teenager während der Regierungszeit von Margaret Thatcher gekommen, mein Vater war zu dieser Zeit arbeitslos. Ich habe erlebt, wie der Thatcherismus die Arbeiterklasse aus ideologischen Gründen demontiert und diejenigen ihrer Stimme beraubt hat, die nicht »fit« genug waren, das »Beste aus ihren Möglichkeiten« zu machen. Aber der gesunde Menschenverstand sagt mir, dass die Starken sich um die Schwachen kümmern sollten. Als Dramatikerin denke ich sehr genau über den Standpunkt jeder einzelnen Figur nach, ganz egal, welchen Hintergrund sie hat. Aber ich merke, dass meine eigene Zugehörigkeit mich ganz natürlich dazu bringt, die Stimmen derjenigen zu hören und zu beschreiben, die, aus welchen Gründen auch immer, um einen Platz in der Welt kämpfen. Dein erstes in Deutschland aufgeführtes Stück heißt ›fast ganz nah‹, es handelt von einem Krieg, möglicherweise dem Afghanistan-Krieg. Elias Perrig hat es im April 2013 am Staatsschauspiel Dresden uraufgeführt. Du stellst darin Szenen einer Gruppe von Soldaten im Krieg dem Stücke – eine Auswahl in der ebene 3 D, 4 H Originaltitel: skåne Deutsch von Hannes Becker UA: 27.10.2011, Hampstead Theatre London, Regie: Tim Carroll DEA: 29.5.2014, Theater Ulm Regie: Oliver Haffner fast ganz nah 3 D, 5 H Originaltitel: almost near Deutsch von Hannes Becker UA: 6.4.2013, Staatsschauspiel Dresden Regie: Elias Perrig was wir wissen 3 D, 3 H Originaltitel: what we know Deutsch von Hannes Becker UA: 17.2.2010, Traverse Theatre Edinburgh Regie: Pamela Carter DEA: frei 7 PAMELA CARTER Leben einer europäischen Großstadtfamilie gegenüber. Die Frau, Louise, ist Künstlerin. Du sprachst einmal davon, dass dich die Arbeiten von Jeff Wall zu dem Stück angeregt haben. Jeff Walls Fotografien und die Lektüre von Susan Sontags Essay Das Leiden anderer betrachten, in dem sie über Walls Fotografie »Dead Troops Talk« schreibt, haben mich ganz eindeutig zu diesem Stück angeregt. Walls Arbeiten sind kraftvoll und theatral. Seine Bilder scheinen Momente von Aktion einzufangen, aber sie liefern keine eindeutige Erklärung, wie die Protagonisten an diesen Punkt gekommen sind oder was als nächstes passieren könnte. Und plötzlich hatte ich diese disparate Ansammlung von Momenten und Figuren in meinem Kopf. Also habe ich mich beim Schreiben von einem Bild zum nächsten bewegt und nicht so sehr einen Plot oder einen dramaturgischen Bogen entwickelt. Die Fragen nach Mitgefühl, dem eigenen Blick und Darstellbarkeit waren mir ständig gegenwärtig. ›in der ebene‹ (Originaltitel: ›skåne‹) wurde 2012 beim Berliner Stückemarkt szenisch gelesen. Du erzählst die Geschichte eines Seitensprungs und der Konsequenzen, die dieser für die beiden »beteiligten« Familien hat, für die Eltern wie auch die Kinder. Es ist die Geschichte von verpassten Chancen, sie ist melancholisch, aber auch sehr komisch. Was war dein Impuls zu diesem Stück? Der ist sehr persönlich … und zeigt, was für ein parasitäres Unternehmen das Schreiben sein kann. Ein paar Jahre zuvor hatte mir ein schwedischer Freund davon erzählt, wie seine Mutter mit dem Vater einer benach- 8 barten Familie abgehauen sei. Er war zum damaligen Zeitpunkt etwa 14. Als er davon erzählte, fiel mir auf, dass er nicht etwa über seine Gefühle seiner Mutter gegenüber sprach, sondern über ein bestimmtes Ereignis, das ihn nachhaltig wütend gemacht hatte: ein Treffen, auf das sein Vater und die verlassene Frau der anderen Familie bestanden, um »die Situation miteinander zu diskutieren«, bei dem auch alle Kinder anwesend sein sollten. Das ist möglicherweise eine sehr »schwedische« Herangehensweise: alle mit einbeziehend und Ausgleich suchend und deshalb bewundernswert. Aber natürlich auch schmerzhaft und peinlich und womöglich auch lächerlich. Ein wunderbares Material für das Theater. Im Herbst 2009 war ich am Ende einer schwierigen und zum Scheitern verurteilten Beziehung. Ich dachte, es fällt mir leicht, über Liebe und Verlangen zu schreiben und darüber, dass jeder in diesem Stück Recht hat und gleichzeitig Unrecht. Was die Jugendlichen und ihre Sprache angeht, so habe ich mich daran erinnert, was für ein starkes Lebensgefühl ich selbst als Teenager hatte. Meine Freunde und ich waren der Nabel der Welt, und Erwachsene wussten ohnehin nicht, was das bedeutet oder was überhaupt in unserem Leben passiert. Natürlich wussten wir alles besser … in Bezug auf Politik, Kunst, Musik, Liebe … wir wussten, was wirklich zählt und was wichtig ist. Wahrscheinlich habe ich versucht, meinem eigenen inneren Teenager gerecht zu werden. Du hast die Chronologie der Ereignisse umgekehrt, die Geschichte endet mit dem eigentlichen Beginn, dem Liebespaar in einem Hotelzimmer. Warum? Das ist einfach. 2005 starb mein geliebter Freund Ed Meynell im Alter von 34. was wir wissen war meine Art damit … mit dieser Erfahrung umzugehen … ich habe sie in etwas einfließen lassen, an dem ich arbeiten konnte … etwas, das nicht mehr weggehen kann. Es hört deshalb so auf, weil ich wollte, dass das Stück an dem Ort endet, an dem man im wirklichen Leben nicht bleiben kann … und an dem für die Liebenden alles möglich ist. Was mir an deinen Stücken gefällt, ist die Art und Weise, wie du die Geschichten der Erwachsenen, Kinder und Jugendlichen gleichberechtigt erzählst. Jede Altersgruppe kommt zu ihrem Recht und hat bei dir eine je eigene Sprache. Ist dir diese Erzählweise bewusst und wichtig? Dein Stück ›was wir wissen‹ (›what we know‹) beginnt mit einer alltäglichen Situation. Wir sehen ein Paar, Lucy und Joe, beim gemeinsamen Kochen – plötzlich ist Joe verschwunden. Das Stück beschreibt den Verlust eines geliebten Menschen. Es ist atmosphärisch dicht, die Geschichte prägt sich einem ein. Was war der Impuls für dieses Stück? Du hast das Stück selbst uraufgeführt. Profitierst du als Autorin davon, dass du auch Regisseurin bist und szenisch denken kannst? Ja und nein. Wenn ich schreibe, mache ich mir Gedanken über das »körperliche Ereignis« der Aufführung, die Zeit und den Raum, die das Stück einnimmt … ich interessiere mich tatsächlich nicht so sehr für das lite- rarische Ereignis, sondern für das Theatermachen. Als Autorin versuche ich, mir unterschiedlicher Erzähltempi bewusst zu sein. Aber ich erkenne auch ein Erzählprinzip, das beim Entwickeln meiner Geschichten im Laufe eines Stückes zum Tragen kommt: Bei mir gibt es keine Brandbomben, nichts Hochexplosives. Ich stelle mir das Schreiben von Stücken vor wie plastische Kunst: Anfangs schreibe ich immer zu viel, und dann dünne ich die Worte aus, bewege sie hin und her, um Lücken und Muster zu finden, die sich richtig anfühlen. Ich habe eine Vorstellung davon, wie Dialoge auf dem Bildschirm oder auf einem Blatt Papier aussehen sollten, und ich kann sehen, wann Figuren zu viel reden, ob ihre Worte zu mitteilsam oder zu dicht sind. Ich stelle mir verbale Äußerungen vor wie die Spitze eines Eisbergs … und unter der Oberfläche des Wassers ist viel mehr verborgen und man kann das, was darunter liegt, nicht in Gänze erschließen. Trotz der literarischen Verknappung deiner Sprache entwirfst du lebendige, vielschichtige Figuren. Das scheint paradox. Vielleicht liegt das an meiner Vorstellung von gesprochener Sprache als einem nur kleinen Teil dessen, was und wie wir kommunizieren, und dass ich mir dessen, wenn ich schreibe, immer bewusst bin. Letztendlich sind Worte Aktion … oder zumindest möchte ich, dass sie das sind. Und sie brauchen Schauspieler. Ich hoffe, dass ich ihnen in meinem Schreiben genug Raum gebe. Aus dem Englischen von Nina Peters 9 Dorsts ›Parzival‹ in Wien Parzival – Ein Szenarium »Der Wald aber war abgeholzt …« Mitarbeit Ursula Ehler Tankred Dorst und Ursula Ehler über Parzival als Lebensthema (Parzival, 2, Parzival will in die Welt ziehen, von der er nichts weiß) Kurz vor dem Ende des Sterns entstand aus den mehrzelligen Organismen eine Vielzahl verschieden pigmentierter androgyner Wesen. Sie waren zweigeschlechtlich angelegt und pflanzten sich mit lebend geborenen Nachkommen fort, die sich aus Samen im weiblichen Körper bildeten. Diese Lebensform von niedriger Intelligenz war jedoch mit rudimentären Erkenntnissen über ihr Entstehen und minimalen Einsichten in die Zusammenhänge ihres Sonnensystems ausgestattet. Sie entwickelten vermutlich eine gewisse Kultur mit primitiven Religions- und Gesellschaftsformen und erreichten wohl zu gewissen Zeiten ein schwaches Bewusstsein ihrer Vergänglichkeit. Es ist nicht erwiesen, inwieweit sie das Ende des Planeten voraussahen oder sogar herbeiführten. Die wenigen Spuren ihrer Existenz bleiben rätselhaft. (Parzival, 4, Zwergplanet) Tankred Dorst, geboren am 19. Dezember 1925 in Sonneberg, Thüringen. Erste Stücke für ein Studenten-Marionettentheater in den 50er Jahren in München. Anfang der 60er Jahre erste, in der Folge viel gespielte Stücke für die große Bühne: Große Schmährede an der Stadtmauer und Die Kurve. Seitdem etwa 35 Stücke – seit 1972 meistens mit Ursula Ehler (in Bamberg geboren und aufgewachsen, Bibliotheksausbildung, Kunststudium in München) –, vier Opernlibretti, drei Filme als Regisseur. Einige der Theaterstücke wurden und werden weltweit gespielt: Toller, Eiszeit, Merlin, Herr Paul, Fernando Krapp hat mir diesen Brief geschrieben und Ich, Feuerbach. Zahlreiche Literaturpreise, in Deutschland u.a. der Büchner-Preis. 10 Parzival: Oh wie plagen sich die Menschen in ihrer Zeit! Wie leiden sie! Oh wie liebe ich deinen Schmerz! Ich leide mit dir, du leidender Menschenbruder! Wie ich den Geschlagenen liebe! Und den schlagenden liebe ich auch! Ich sehe dich an und erkenne mich! Ich weiß es jetzt … (Parzival, 11, Die blutige Menschenhaut) Neuinszenierung im April 2014 am Burgtheater Wien Regie: David Bösch Uraufführung: 12. September1987, Thalia Theater Hamburg Regie: Robert Wilson Erstaufführung der Neufassung: 13. Januar1990 Städtische Bühnen Frankfurt am Main Regie: Alexander Brill Foto: Isolde Ohlbaum Parzival: Aber ich fürchte mich ja gar nicht, Mutter. Herzeloide: Du musst dich fürchten! S ehr viel Persönliches, wie könnte es anders sein, ist in diese Parzival-Figur hineingeschrieben. Ich kenne sie ja schon so lange. In meiner frühen Jugend war sie hell, mutig, idealistisch, und was ich getan und gedacht habe als Vierzehnjähriger in der Kriegszeit, es geschah immer mit dem Blick auf diese Figur. Parzival war der Ritter, der mir voraus und manchmal neben mir her ritt, mit seinen Augen wollte ich die Welt ansehen. Wie er wollte ich mich von meiner Umgebung absondern, den besonderen Weg gehen, den andere noch nicht betreten hatten. Ich verachtete in meinem pubertären Hochmut die Gesellschaft, aber eine Art Ritter wollte ich dennoch werden. Wie Parzival war ich einfältig, wusste nicht, was unter der eisernen Haut für ein Herz schlägt. Und ich wäre wohl, als alle Welt und ich selber sahen, welche Verbrechen in meinem und Parzivals Namen geschehen waren, gern zurückgekehrt in die Wälder und Wildnis des Anfangs, um mich darin zu verstecken. Der Wald aber war abgeholzt, die Stadt verwüstet, die Getöteten standen nicht wieder auf. Nun hasste ich den Knaben Parzival, er schien mir ein Heuchler zu sein. Ich wollte mich von ihm fernhalten, sah ihn gehen und sprang ihm doch nach, um ihm immerfort zuzurufen: du hast mich enttäuscht! Du hast mich betrogen! Ich bin in Wahrheit nie so gewesen wie du, ich bin von dir verführt worden zur unwissenden Teilnahme an deinen Verbrechen! Und dann vergaß ich ihn für viele Jahre. Erst als wir an Merlin arbeiteten, tauchte er wieder auf. Tankred Dorst S eit vielen Jahren beschäftigt sich Tankred Dorst mit dem Parzival-Stoff, und so entstanden nach dem Stück Merlin (1981), in dem Parzival die wichtigste Nebenfigur ist, das Szenarium Der Wilde, entworfen als Filmprojekt, und die Erzählung Der nackte Mann (1986). In diesen Arbeiten war das Interesse weniger auf die Läuterungs- und Erlösungsthematik gerichtet als auf den Konflikt zwischen dem Waldmenschen Parzival und einer komplizierten, hochentwickelten Gesellschaft, auf die Mutation von Naivität und Kraft zu blindwütiger Brutalität. Wozu führt Nicht-Erziehung, was taugt das sogenannte »Natürliche« in der Konfrontation mit anderen Menschen? Was tut einer der Welt an, der nicht weiß, was gut, was Tod, was Liebe ist? Der Vorschlag von Wolfgang Wiens, dem damaligen Dramaturgen des Thalia Theaters in Hamburg, Tankred Dorst und Robert Wilson für ein Parzival-Projekt zusammenzubringen, führt 1987 zur Zusammenarbeit, und es entstand Parzival. Auf der anderen Seite des Sees. Ausgehend von dem Szenarium Der Wilde, das in weitgehend offener Szenenfolge den Handlungsablauf des Parzivalromans von Chrétien de Troyes benützt, auf weite Strecken aber anachronistisch die mittelalterliche Welt verlässt und Parzival in Situationen der heutigen Welt geraten lässt, erarbeiteten wir dann während der Proben Texte und Handlungsabläufe. Ursula Ehler Parzival ist kein geschlossener Text, sondern eine Komposition aus verschiedenen Arbeiten von Dorst/Ehler, die sich immer wieder mit der Figur des rätselhaften Ritters auseinandersetzen. »›Parzival‹ war der Ritter, der mir voraus und manchmal neben mir her ritt, mit seinen Augen wollte ich die Welt ansehen.« Tankred Dorst 11 INGRID L AUSUND Rainald Goetz Feiern, Liebe, Arbeit, Stille der Reflexion Rainald Goetz im Gespräch Gefühlt müssten die Stücke von Rainald Goetz auf allen Bühnen präsent sein. Die Aufführungsstatistik weist das zu unserer Überraschung nicht aus. So oder so, die aktuellen Auszeichnungen unseres Autors mit gleich mehreren bedeutenden Literaturpreisen ist uns Anlass, Rainald Goetz zu gratulieren und ihm drei Fragen zu seinen vorliegenden Stücken zu stellen. Manfred Ortmann: Es fällt auf und es ist vermutlich kein Zufall, dass die Stücktrilogie für Sie eine besondere Form ist, mit der Sie arbeiten – die Trilogie ›Krieg‹ mit den Stücken ›Krieg‹, ›Schlachten‹, ›Kolik‹ und die Trilogie ›Festung‹ mit den Stücken ›Kritik in Festung‹, ›Festung‹, ›Katarakt‹ –, warum ist diese Form für Sie so geeignet? Rainald Goetz: Ich wollte jede Art von Theatertext schreiben, die mich als Zuschauer und Leser begeistert hat: Gesellschaftspanorama, Familienstück, Monolog. Man hat dadurch beim Schreiben sehr unterschiedliche Stückformate, in denen sich auch unterschiedliche Grundformen des Sozialen abbilden, als Aufgabe vor sich. Im Gesellschaftsstück Krieg heißt die Thematik Krieg, historisch aufgeladen, Revolution, im Familienstück Schlachten intimer Terror in direkter Interaktion, im Monolog Kolik Wahn und Hass und Theorie. Und die 12 Trilogie Festung zeigt die Arbeit der Sprache im Familienstück Kritik in Festung als Rettung, im Wannseekonferenzstück Festung als Vergessen, im Monolog Katarakt als eine Bewegung der Seele hin zur Milde. So wird in jedem Format ein anderer Aspekt der Thematik, um die es in der jeweiligen Trilogie geht, darstellbar. Man kann so das zu Sagende einfach auffächern. Und die Idee ist ja bei jedem Buch eine möglichst umfassende, die Ichlimitation möglichst weit überschreitende Weltgeisterfassung. Warum war das bei ›Jeff Koons‹ anders? Jeff Koons ist Teil meiner Gegenwartsgeschichte Heute Morgen. Da stand das Theaterstück im Kontext von vier anderen Prosabänden, die alle unterschiedliche Dimensionen der besonderen Glücks- und Helligkeits-Konstellation der Jahre nach 1989, der frühen und mittleren 90er Jahre vor allem, zu erfassen versucht haben. Außerdem hat es mich gereizt, nachdem ich zweimal eine trilogiehafte Auffächerung versucht hatte, einmal alles in ein Stück hinein zusammenzudrängen, Gesellschaft, Ich, Familie. Mit der Titelfigur Jeff Koons gibt es da ein personales Zentrum, man hat also strukturell ein Titelfigurstück, was ein eigenes Theatertextgenre ist, das ich ausprobieren wollte. In Jeff Koons ist es konkret der SCHILLER-GEDÄCHT MARIELUISE-FLEISSERBERLINER Künstler, der als paradigmatische Existenz in seinem alltäglichen Lebensvollzug gezeigt wird: Feiern, Liebe, Arbeit, Berufswelt, Stille der Reflexion usw. Wie gehen Sie vor, wie bereiten Sie sich vor, wenn Sie beabsichtigen, ein neues Stück zu schreiben? Ich habe das Thema, daraus baue ich die Welt des Stücks: Personal, Szenerie, Handlung. Dann suche ich nach der Sprache für die Figuren. Davon hängt alles ab: Wie klingt der Text? Er muss auf geheimnisvolle Art anders sein als in jeder Prosa, als im Alltag, als in Stücken von früher und über andere Themen, künstlich und ungekünstelt direkt zugleich, zupackend. Er wird ja von der Bühne heruntergesprochen und dabei in jeder Nuance extrem vergrößert werden. Ich denke immer sehr konstrukteurshaft und abstrakt über die projektierten Stücke nach, verfahre beim Schreiben aber blind experimentell, probiere dauernd neue Sätze für Figuren, Szenenabläufe, Stücke von Rede. Irgendwann stehen die Sprachgestalten da, die das Thema auf der Bühne tragen können, den Zuschauer dadurch faszinieren, hoffentlich auch als Charaktere. Letzten Sommer habe ich Szondis großartiges Frühwerk Theorie des modernen Dramas gelesen. Daraus würde ich gerne eine neue Summe ziehen für heute. Daran probiere ich herum. Rainald Goetz, geboren 1954 in München, studierte Medizin und Geschichte, lebt in Berlin. Er hat bisher fünf Bücher geschrieben über die folgenden Themen: über ›Psychiatrie‹ den Roman Irre; über ›Revolution‹ die Stücke Krieg; über die ›RAF‹: Kontrolliert. Geschichte; über ›Sprache‹: Festung. Stücke; und über ›Party‹ die Geschichte der Gegenwart Heute Morgen, Jeff Koons, Stück. Mit seinem neuen Roman Johann Holtrop setzt Goetz das Buch Schlucht, eine Analyse der Nullerjahre fort; bisher erschienen: Klage, loslabern, elfter september 2010. NISPREIS 2013 PREIS 2013 LITERATURPREIS 2012 13 INGRID L AUSUND Noah Haidle Ada und ihre Töchter Originaltitel: What is the Cause of Thunder? Deutsch von Brigitte Landes Nach 27 Jahren in der Rolle als Familienoberhaupt der »Posten Family« in einer drittklassigen Seifenoper verliert Ada zunehmend den Bezug zur Realität. Ihre hochschwangere Tochter Ophelia, die nicht nur mit einem wenig alltagstauglichen Namen leben, sondern sich auch der Aufgabe stellen muss, ein Kind auf die Welt zu bringen, das seinen Vater wohl nie kennenlernen wird, übt sich in Gelassenheit. Doch ihre Mutter verwechselt Ophelia immer öfter mit Adas Fernsehtochter Harper, und die liegt meist im Koma. Noah Haidle hat in seiner literarisch anspielungsreichen Komödie Ada und ihre Töchter Glanzrollen für zwei Schauspielerinnen geschrieben. Haidle verbindet den Irrwitz einer schlechten Sitcom mit existenziellen Fragen und lässt die Grenzen zwischen Realität und TV-Fiktion vorsätzlich und kunstvoll verschwimmen. (2 D) Noah Haidle, geboren 1978 in Michigan, ist Dramatiker und Drehbuchautor und lebt in Detroit. Haidle studierte an der Princeton University und der Juilliard School und lehrte in Princeton, Uganda und Kenia. Er hat zahlreiche Stücke geschrieben, sein neuestes, Smokefall, wurde im April 2013 am South Coast Repertory Theatre in Kalifornien uraufgeführt. Zu seinen erfolgreichsten Stücken zählt Mr. Marmalade, für das er in den USA mehrfach ausgezeichnet wurde. Haidle schrieb das Drehbuch zum Hollywood-Film Stand Up Guys mit Christopher Walken, Al Pacino und Alan Arkin (Regie: Fisher Stevens, USA 2013). Uraufführung: 22. Februar 2009, Williamstown Theatre Festival Regie: Nicholas Martin Frei zur deutschsprachigen Erstaufführung »Das Stück erhält seine emotionale Schlagkraft durch die Spannung zwischen Mutter und Tochter, Wahrheit und Illusion, Wahnsinn und Normalität. ›What is the Cause of Thunder?‹ ist selbst dann noch menschlich, wenn die Situationen schon aberwitzig und makaber sind.« M. Scott Skinner, Tucson Weekly 14 Foto: Susanne Schleyer 205 Seiten. Broschur. € 18,– (978-3-518-42412-4) 15 NOAH HAIDLE Noah Haidle bei Suhrkamp Mr. Marmalade Deutsch von Brigitte Landes Uraufführung: 25.4.2004 South Coast Repertory, Costa Mesa, Kalifornien Regie: Ethan McSweeny Deutschsprachige Erstaufführung: 4.4.2009, Badisches Staatstheater Karlsruhe Regie: Thomas Krupa Neuinszenierung: 12.9.2013, Hessisches Staatstheater Wiesbaden Regie: Isabel Osthues Mr. Marmalade Saturn kehrt zurück Die vierjährige Lucy hat eine rege Phantasie. Häufig von der Mutter alleine gelassen, erschafft sie sich ihre Gesellschaft selbst. Ihr Lebensgefährte beispielsweise, Mr. Marmalade, ein Geschäftsmann mit cholerischer Veranlagung und Drogenproblemen, besucht sie, wann immer er Zeit findet. Das Stück bewegt sich spielend leicht auf dem gefährlichen Grat zwischen kindlicher Phantasie und der grausamen Realität des Missbrauchs. (2 D, 4 H) Der 88-jährige Gustin braucht jemanden zum Reden, und so ruft er einen Pflegedienst an. Suzanne kommt, doch schnell wird ihr klar, dass dieser skurrile alte Mann nicht pflegebedürftig ist. Drei Lebensabschnitte, drei Frauen. Alle dreißig Jahre kehrt der Planet Saturn an seinen Ausgangspunkt zurück, und jede Wiederkehr des Planeten bedeutet eine Lebenskrise. (1 D, 3 H) »Noah Haidle erzählt (…) auf zugleich bizarr-komische und bedrückende Weise, wie ein verletztes Kind sich gegen die Zumutungen des Lebens wehrt und wie sich die Bruchstücke der erlebten und erlittenen Wirklichkeit in der kindlichen Wahrnehmung in ein Wahnsystem verwandeln.« »Was ist der Mensch am Ende seiner Tage? (…) Und wer trägt die Verantwortung für seine persönliche Tragödie? Solche schwerwiegenden Fragen kann, wer will, entdecken unter den Schichten dieses dennoch mit verblüffender Leichtigkeit erzählten Stückes des 1978 geborenen Dramatikers Noah Haidle.« Saturn kehrt zurück Originaltitel: Saturn Returns Deutsch von Brigitte Landes Uraufführung: 11.10.2008 Lincoln Center Theater, New York Regie: Nicholas Martin Deutschsprachige Erstaufführung: 19.10.2010, Staatstheater Nürnberg, Regie: Jean-Claude Berutti Neuinszenierung: Spielzeit 2014/15 Landestheater Schwaben, Memmingen Regie: Peter Kesten Birgit Nüchterlein, Nürnberger Nachrichten Matthias Bischoff, Frankfurter Allgemeine Zeitung Skin Deep Song Deutsch von Thomas Krupa Uraufführung: 1.2.2013 Schauspiel Essen Regie: Thomas Krupa Lucky Happiness Golden Express Skin Deep Song Skin Deep Song ist eine schwarze Komödie, eine Erzählung vom Ende der Welt. Zwei Töchter, die Kinder des Königspaares, das bei einem Terroranschlag ums Leben gekommen ist, füllen die Lücke, die ihre Eltern hinterlassen haben, mit Witzen und Spielen von Leben und Tod. (3 D, 2 H) »Noah Haidle verbindet viele Anklänge an europäisches Theater – die Rätselhaftigkeit der Charaktere erinnert an Jon Fosse, die leise Wehmut an Tschechow – mit typisch amerikanischen Elementen. Er ist auch ein Erzähler und Entertainer.« Stefan Keim, WDR 3 »Der raffiniert gebaute Text Haidles erinnert mit seinen harten Dialogen und seiner unverhohlenen Brutalität an die englischen Stücke Mitte der 90er, aber auch an die bleiern komischen Endspiele Becketts.« Natalie Bloch, Theater heute »Noah Haidle (…) versteht sich auf schnelle, spannende Dialoge: Nach ›Mr. Marmalade‹, 2009 in Karlsruhe, und ›Saturn kehrt zurück‹, 2012 in Nürnberg, ist er mit der Uraufführung von ›Skin Deep Song‹ im deutschen Theater angekommen.« Andreas Rossmann, Frankfurter Allgemeine Zeitung 16 Das Lucky Happiness Golden Express ist ein billiges chinesisches Restaurant. Andrew, ein alter Mann, bestellt hier, assistiert von einem komischen Kellnerpaar, jeden Abend das Gleiche. Bis er eines Abends einen Schlaganfall erleidet. Im Krankenhaus kommt seine Familie zusammen. Haidle erzählt in Rückblenden mit umwerfendem Witz, großartigen Figuren und mit Leichtigkeit eine Familiengeschichte und von der Illusion vom Glück. (3 D, 2 H) Lucky Happiness Golden Express Deutsch von Brigitte Landes Uraufführung: 20.9.2013 Staatstheater Kassel Regie: Thomas Bockelmann Neuinszenierung: 22.6.2014 Schauspiel Essen Regie: Tom Gerber »Noah Haidle, ein viel beachteter junger US-Autor mit einer Vorliebe für Beckett, Proust und Tschechow, umkreist seine Figuren mit Wehmut und Melancholie und stellt dabei immer wieder die Frage nach der Erinnerung. (…) Ein berührendes Kammerspiel, eine erzählfreudige Ballade, in Kassel zu Recht mit rauschendem Applaus bedacht.« Juliane Sattler-Iffert, Die Deutsche Bühne »Haidle stammt aus Michigan, wo die siechende Autoindustrie Stadt um Stadt sterben lässt, wo die Zukunft allenfalls noch die Erinnerung an bessere Zeiten verspricht. Und der vergebliche Versuch, Vergangenes festzuhalten, treibt immer wieder auch die Figuren seiner Werke an. (…) Haidle komponiert klug, lässt Realität und Erinnerung ineinander fließen.« Joachim F. Tornau, Frankfurter Rundschau 17 Peter Handke Über die Dörfer Über dreißig Jahre nach seiner Uraufführung erlebt Handkes dramatisches Gedicht beim Festival d’Avignon 2013 eine erfolgreiche Wiederentdeckung Peter Handke, 1942 in Griffen (Kärnten) geboren, lebt heute bei Paris. Zuletzt sind von ihm im Suhrkamp Verlag erschienen: Der große Fall (2011), Immer noch Sturm (2011), Versuch über den Stillen Ort (2012), Die schönen Tage von Aranjuez. Ein Sommerdialog (2012), Versuch über den Pilznarren (2013) Peter Handke schrieb sein dramatisches Gedicht Über die Dörfer im Alter von fast vierzig Jahren, es bildet den letzten Teil der Tetralogie Langsame Heimkehr. Das Stück entstand in Salzburg, wohin der Schriftsteller nach Jahren in Paris gezogen war. Über die Dörfer erzählt die Geschichte des intellektuellen Ausreißers Gregor, der nach Jahren der Abwesenheit in das Dorf seiner Heimat zurückkommt, um Erbangelegenheiten zu klären. Der Bruder Hans, Arbeiter auf einer Großbaustelle in der Umgebung, möchte das von den Eltern vermachte Haus verkaufen, damit die Schwester Sophie einen eigenen Laden eröffnen kann. Gregor ist zunächst gegen diesen Plan, erkennt jedoch, dass das Haus und das Dorf seiner Erinnerung ohnehin bereits verloren sind. Über dreißig Jahre nach seiner Uraufführung durch Wim Wenders 1982 bei den Salzburger Festspielen inszenierte der französische Regisseur Stanislas Nordey Über die Dörfer mit großem Erfolg als Eröffnungsinszenierung des Festival d’Avignon im Juli 2013 im Cour d’Honneur. »Mit scharf gemeißeltem Sprechtheater entlockt Stanislas Nordey Handkes Text einen Hymnus auf jene, die man einst ›Volk‹ nannte: die materiell Ausgebeuteten und theoretisch Ausgedeuteten, die mehr noch als den spärlichen Besitz ihre Geheimnisse gegen die Obrigkeit der Meinungs- und Verhaltensplünderer verteidigen. Der sozialrollenscheue Geheimniskrämer Handke hat in Nordey einen neuen Interpreten gefunden.« Joseph Hanimann, Süddeutsche Zeitung 18 Foto: Donata Wenders 19 PETER HANDKE Aktuelle deutsch- und fremdsprachige Eine Auswahl Die schönen Tage von Aranjuez Immer noch Sturm Die linkshändige Frau Kaspar Ein Sommerdialog Personen: Eine Frau, namenlos, ein Mann, namenlos: das Paar schlechthin. Sie treffen sich, um über die Liebe zu reden, die erste Liebe, darüber, was Mann und Frau fühlen, wenn sie miteinander sind. Sie reden darüber, wie man über die Liebe redet. Und wer über die Liebe redet, der redet unweigerlich von der Natur, von der Geschichte – von dem, was dem Leben Sinn verleiht. (1 D, 1 H) Das Jaunfeld, im Süden Österreichs, in Kärnten: Dort versammeln sich um ein »Ich« (oder steht es eher am Rande?) dessen Vorfahren: die Großeltern und deren Kinder, unter ihnen die eigene Mutter. Sie erscheinen ihm, da sie ihn bis in die Träume begleiten, in einer Vielzahl von Szenenfolgen, in denen sich die unterschiedlichsten Spiel- und Redeformen abwechseln – ein Panorama, das weit über alle literarischen Genres hinausreicht und sie sich zugleich anverwandelt. (Besetzung variabel) Marianne, dreißig Jahre alt, und ihr achtjähriger Sohn Stefan warten auf die Rückkehr Brunos, des Mannes und Vaters, von einer mehrmonatigen Geschäftsreise. Als er zurück ist, erzählt Bruno von seinem Allein- und Fremdsein in Finnland, von seiner Angst und der daraus resultierenden Verbundenheit mit Marianne und Stefan auf Leben und Tod … »Das Stück Kaspar zeigt nicht, wie ES WIRKLICH IST oder WIRKLICH WAR mit Kaspar Hauser. Es zeigt, was MÖGLICH IST mit jemandem. Es zeigt, wie jemand durch Sprechen zum Sprechen gebracht werden kann.« (Ein Redekaspar, mindestens 4 Einsager) UA: 15. Mai 2012, Wiener Festwochen, Akademietheater Regie: Luc Bondy DEA: 9. März 2013, Berliner Ensemble Regie: Philip Tiedemann 9. Mai 2013, Galanthys Teatro, Madrid Regie: Joaquín Candeias 26. September 2013, Theater Die Pathologie, Bonn Regie: Christoph Pfeiffer 18. Oktober 2013, Staatstheater Darmstadt Regie: Martin Ratzinger 11. April 2014, Salzburger Landestheater Regie: Michael Bleiziffer UA: 12. August 2011, Salzburger Festspiele/Koproduktion mit dem Thalia Theater Hamburg und dem Burgtheater Wien Regie: Dimiter Gotscheff 20. September 2012, Neue Bühne Villach Regie: Bernd Liepold-Mosser 13. Juli 2013, Bayerisches Staatsschauspiel, München Regie: Daniela Löffner 16. März 2013, Mainfranken Theater Würzburg Regie: Bernarda Horres 11. Mai 2013, Slowenisches Nationaltheater, Ljubljana Regie: Ivica Buljan 13. Februar 2014, Schauspielhaus Graz Regie: Michael Simon 29. März 2014, Theater Osnabrück Regie: Frank Abt März 2015, Théâtre National de l’Odéon, Paris Regie: Alain Françon 70 S. Klappenbroschur € 12,99 (978-3-518-42311-0) 165 S. Broschur. € 8,99 (978-3-518-46323-9) 102 S. Broschur. € 7,50 (978-3-518-39934-7) 7. Februar 2013, Théâtre du Rond-Point, Paris Bühnenfassung und Regie: Christophe Perton 12. Dezember 2013, Hans-Otto-Theater Potsdam Regie: Fabian Gerhardt Die Stunde da wir nichts voneinander wußten Hauptakteur des Stücks ist ein Platz, der realen Charakter hat, zugleich aber ein beliebiger Platz irgendwo. Ein Dutzend Akteure spielen Alltägliches, begegnen einander, helfen sich gegenseitig, behindern sich, schließen sich zu Gruppen zusammen und lösen sie wieder auf. (Besetzung variabel) 64 S. Englische Broschur € 14,80 (978-3-518-40430-0) 73 S. Geb. € 14,– (978-3-518-42321-9) »Die Inspiration der Müdigkeit sagt weniger, was zu tun ist, als was gelassen werden kann.« Wunschloses Unglück 16. März 2013, Theater St. Gallen Choreographie: Marco Santi 112 S. Broschur. € 8,– (978-3-518-10322-7) Müdigkeitsgesellschaft / Versuch über die Müdigkeit 2. März 2013, Badisches Staatstheater Karlsruhe Bühnenfassung und Regie: Stefan Otteni 5. Oktober 2012, Theater Konstanz Regie: Martin Stiefermann 11. April 2014, Stadttheater Klagenfurt Regie: Elisa Weiss 28. März 2013, Theater Lübeck Regie: Katrin Lindner 20. September 2013, Staatstheater Mainz Regie: Jan Philipp Gloger 29. Mai 2013, Vorarlberger Landestheater, Bregenz Regie: Alexander Kubelka 17. April 2014, Theater Lübeck Regie: Andreas Nathusius 20 Inszenierungen. »Unter der Rubrik Vermischtes stand in der Sonntagsausgabe der Kärntner Volkszeitung folgendes: ›In der Nacht zum Samstag verübte eine 51jährige Hausfrau aus A. (Gemeinde G.) Selbstmord durch Einnehmen einer Überdosis von Schlaftabletten.‹« 9. Februar 2014, Burgtheater Wien Bühnenfassung und Regie: Katie Mitchell 96 S. Broschur. € 6,50 (978-3-518-39787-9) 21 INGRID L AUSUND Martin Heckmanns Es wird einmal Ein Vorsprechtermin im Theater. Nach Jahren der Abwesenheit hat der öffentlichkeitsscheue und legendäre Regisseur Obermann zum Vorspiel geladen. Es erscheinen ein erfahrener Schauspieler, ein ambitionierter Performer und eine junge Frau, um sich auf eine ihnen unbekannte Rolle in einem noch ungeschriebenen Stück zu bewerben. Als Obermann auch nach längerem Warten nicht erscheint, vermuten die Bewerber, bereits unter Beobachtung zu stehen und beweisen einander ihre Virtuosität. Sie entwickeln Strategien der Selbstdarstellung und des Miteinanders. Dann erscheinen im Namen Obermanns eine dominante Regieassistentin und eine scheinbar ungeschickte Hospitantin und verteilen Aufgaben und Rollen für ein modernes Welttheater. In improvisierten Spielsituationen entwerfen die drei Bewerber gemeinsam ein mögliches Leben in naher Zukunft. Prominente geben Ratschläge, Allegorien intervenieren mit Auseinandersetzungen über Konkurrenz, Mitgefühl, Konsum und Sinn. Aus anfänglicher Distanz wird Anziehung, aus Zurückhaltung entwickelt sich Verwandlungslust. Aus dem unübersichtlichen Vorsprechen wird ein leichtes Spiel um Lebens- und Sterbekunst. Der Starregisseur bleibt fern bis zum Ende. Hat es ihn je gegeben? Es wird einmal ist eine Liebeserklärung an das Theater und ein komisches und beziehungsreiches Manifest über die vielfach ungenutzten Möglichkeiten des gegenwärtigen Bühnentreibens. (3 D, 2 H) Uraufführung: 14. Dezember 2013, Schauspielhaus Bochum Regie: Anselm Weber »Ist nicht jedes Gespräch ein Bewerbungsgespräch?« (aus: Es wird einmal) Martin Heckmanns, geboren am 19. Oktober 1971 in Mönchengladbach, Studium der Komparatistik, Geschichte und Philosophie. Mit Schieß doch, Kaufhaus! wurde er in der »Theater heute«-Kritikerumfrage zum Nachwuchsautor des Jahres 2002 gewählt und gewann bei den Mülheimer Theatertagen 2003 für Schieß doch, Kaufhaus! und 2004 für Kränk den Publikumspreis. 2012 wurde ihm der Margarete-SchraderPreis für Literatur der Universität Paderborn zugesprochen. Heckmanns lebt als freier Autor in Berlin. Stücke – eine Auswahl Schieß doch, Kaufhaus! Frankfurter Fassung 5 Personen UA: 9.5.2002, TiF/Staatsschauspiel Dresden in Koproduktion mit Theaterhaus Jena, Sophiensaele Berlin und Thalia Theater Hamburg Regie: Simone Blattner Kränk 3 D, 2 H UA: 11.3.2004, Schauspiel Frankfurt Regie: Simone Blattner Das wundervolle Zwischending 1 D, 2 H UA: 10.2.2005, Niedersächsisches Staatstheater Hannover Regie: Charlotte Roos Wörter und Körper 4 D, 7 H UA: 10.2.2007 Staatstheater Stuttgart Regie: Hasko Weber Kommt ein Mann zur Welt Mindestens 2 D, 3 H UA: 24.3.2007 Düsseldorfer Schauspielhaus Regie: Rafael Sanchez Vater Mutter Geisterbahn 1 D, 2 H UA: 6.5.2011 Staatsschauspiel Dresden Regie: Christoph Frick Einer und Eine 2 D, 2 H UA: 15.11.2012 Nationaltheater Mannheim Regie: Dominic Friedel Neuinszenierung: 14.2.2014 Theater DER KELLER, Köln Regie: Martin Schulze 22 Foto: Andrej Glusgold 23 INGRID L AUSUND Wolfram Höll Und dann »Vier Plattenbauten / drei Verlierlinge / zwei Kinder / ein Vater«, so könnte das Inventar aussehen dieses außergewöhnlichen Theatertextes. Es ist ein Rückblick auf eine Kindheit in einem ostdeutschen Neubaugebiet, der um Verlusterfahrungen kreist: den Verlust der Mutter, eines Landes, einer sozialen Rolle. Hölls Sprache ist lyrisch, rhythmisiert, und in seinem Sprachfluss ist eine Erzählung eingebettet, die durch die Perspektive des kindlichen Erzählers gekennzeichnet ist. Der Junge versucht, Begriffe erfindend, die Phänomene seiner Umgebung sprachlich zu fassen: das Funkgerät des Vaters, die Plattenbauten und die Hausfassade gegenüber, an die der Vater Filme projiziert und die Erinnerung an die Mutter lebendig hält. Bis das ältere Kind eine Entscheidung trifft. (Besetzung variabel) Wolfram Höll wurde 1986 in Leipzig geboren und lebt in Biel. Er studierte Literarisches Schreiben am Schweizerischen Literaturinstitut Biel und Theater an der Hochschule der Künste Bern. Nach Regiearbeiten am Schlachthaus Theater Bern ist er als Hörspielregisseur und -dramaturg beim Schweizer Radio und Fernsehen tätig. Er erhielt mehrere Auszeichnungen (Heidelberger Stückemarkt, Stückemarkt des Theatertreffens Berlin, Literaturpreis Kanton Bern). Uraufführung: 4. Oktober 2013, Schauspiel Leipzig Regie: Claudia Bauer Neuinszenierung: 24. Oktober 2013, Deutsches Nationaltheater Weimar Regie: Nina Mattenklotz »Der 1986 in Leipzig geborene Autor erzählt in poetisch dichten Sequenzen von zwei Jungen, die mit ihrem Vater (…) in einem Plattenbau aufwachsen. Die Verlorenheit der Geschwister in einer sich nach dem Mauerfall abrupt wandelnden Welt wird ohne Larmoyanz in surreal gebrochenen Wahrnehmungsfetzen und Lautmalereien aus der Kinderperspektive geschildert.« Irene Bazinger anlässlich der Uraufführung von ›Und dann‹, Frankfurter Allgemeine Zeitung 24 Foto: Patrick Savolainen 25 Stephan Kaluza Studie einer menschlichen Figur im Raum Episodenstück in vier Bildern In dem neuen Stück von Stephan Kaluza öffnen sich menschliche Abgründe und Wahnsysteme. Einerseits konfrontiert er uns mit unbegreiflicher Gewalt, zu der Menschen fähig sind, und zugleich geht es in den vier Episoden um den Versuch des Verstehenwollens des abwegigen menschlichen Handelns und Denkens. Episode 1 Baby / die Maschine Etwas stimmt nicht. Kastner besucht Ritchi, er will mit ihm reden über Vergangenes, Geschehnisse in der Vergangenheit. Aber warum diese Elektroden, die Kastner auf Ritchis Unterarm befestigt hat? Beide kennen sich, der Arzt und sein Patient, der Arzt, der vergeblich das Böse in seinem Patienten vertreiben wollte, der den Patienten in seine Familie aufnahm, damit der soziale Bezug heilenden Einfluss auf die gestörte Psyche nehme. Stattdessen musste er erleben, dass das »absolut Böse« nicht zu zähmen ist. Ritchi hat Anna und Jules, Kastners Kinder, auf bestialische Weise umgebracht. Nun hat sich Kastner unter falschem Namen Zugang zu Ritchi verschafft. Wird er zu der Tat, seiner Rache fähig sein, Falsches mit Falschem zu vergelten? (2 H) Foto: Greg Gorman Der junge, wissenschaftlich orientierte Psychologe Albers sucht, als vermeintlicher Journalist, das Vertrauen Braccos zu erlangen. Bracco, wir befinden uns in einer geschlossenen Psychiatrie, ist ein offensichtlich geisteskranker Mörder. Er hat eine Menschheits- und Weltvernichtungsmaschine gebaut, der nur noch die »Liebe« fehlt, damit sie funktioniert. Die Anstaltsleiterin Christmann gewährt trotz aller Vorbehalte Albers den Zugang zu Bracco, ein letzter Versuch, ihn zu therapieren. Aber ihre Befürchtungen bewahrheiten sich. Am Ende hat Bracco Albers so manipuliert, dass dieser schuldig wird, indem er eine grauenhafte Tat begeht. (1 D, 2 H) Episode 2 Hotdog / Anna und Jules Stephan Kaluza studierte Kunst und Kunstgeschichte. Anschließend ergänzte er diese Studien an der Philosophischen Fakultät, Düsseldorf. Er lebt heute in Düsseldorf. Der Autor ist sowohl im Bereich der Bildenden Kunst als auch in der Literatur tätig. In seinen Bildstücken inszeniert er Theaterstücke und Performances zu stillstehenden, simultan erlebbaren Bildern; u.a. wurden diese Interpretationen des Narrativen im Zendai Museum of Modern Art, Shanghai, im State Contemporary Museum of Art, Seoul, im Museum of the Seam, Jerusalem, und im Künstlerhaus Bethanien, Berlin, ausgestellt. Atlantic Zero wurde im Mai 2010 am Düsseldorfer Schauspielhaus uraufgeführt, 3 D im Oktober 2012 am Schauspiel Stuttgart. 26 Episode 3 / Studie einer menschlichen Figur im Raum Die wahre Geschichte: Am Vorabend der Eröffnung der Ausstellung von Francis Bacon 1971 im Grand Palais in Paris wird Bacons Geliebter im Hotelzimmer tot aufgefunden. Das Stück: Frank ist ein berühmter Maler. Heute Abend ist die Vernissage seiner Bilder in Paris. Die Stimmung ist gelöst, voller vorfreudiger Erwartung im Hotelzimmer, in dem er mit seinem Geliebten George wohnt. Es ist ein ungleiches Paar. Frank ist der Erfolgreiche, der Aktive, ein ruheloser Leistungsmensch. Er sorgt für das Geld, die Mittel. Die treibende Kraft für seine künstlerische Kreativität ist der Erfolg, der Ruhm, schließlich die Unsterblichkeit, und dafür scheinen ihm alle Mittel recht. George dagegen, sein drogenabhängiger Geliebter, ist der passive, abhängige Teil dieser Beziehung. Seine ganze Existenz scheint an Frank gebunden, seine Selbstbehauptung gründet einzig in dem Motiv, das er für den Künstler in dessen Bildern ist. Was so gelöst an diesem Abend beginnt, entwickelt sich bald zu einem existentiellen Schlagabtausch, zu eben den traumatischen, lebensbedrohenden Szenen, die wir von den Bildern des Malers kennen und die zu der Frage führen, ob der Tod notwendiger Preis für ewigen Ruhm ist. (2 H) Episode 4 / Übermensch Rösler hat Jacco. Nitsch will ihm Jacco abkaufen. Jacco ist der Beste, ein Hit, ein Kampfhund. »Mann, der kann’s, das Killen, klar, aber er soll’s ja nicht, das ist es doch. Wissen Sie, was der Kerl kann? In ein drei Sätzen ist er dem andren Viech an der Kehle, der sagt noch einmal Mäh und weg ist der.« Nitsch aber hat ganz andere Absichten mit dem Kampfhund. Er soll, losgelassen, die Stadt in Angst und Schrecken versetzen, um dann von Nitsch erlegt zu werden, und die Heldentat ist ihm einiges wert. Nie und nimmer würde Rösler seinen Hund dafür hergeben, aber »140 Mille« sind schon ein Argument. In dieser bösen Komödie gibt es dann aber doch eine ganz andere Lösung. (2 H) Stücke 3D 1 D, 1 H UA: 26.10.2012, Schauspiel Stuttgart Regie: Stephan Kimmig Atlantic Zero 4H UA: 5.5.2010, Düsseldorfer Schauspielhaus Regie: Christian Doll Sand 2 D, 6 H Frei zur UA Weil ich es kann 1D Frei zur UA 27 STEPHAN KALUZA Der absolute Zustand Stephan Kaluza im Gespräch Manfred Ortmann: In Ihrem ersten Theaterstück ›Atlantic Zero‹ geht es um die Entführung von Milliardären zum Zwecke der Lösegelderpressung, wobei der wahre Coup ist, was mit den erpressten Geldern geschehen wird. Wird hier nicht eine kriminelle Tat durch ein moralisch legitimes Anliegen gerechtfertigt oder habe ich da etwas übersehen? Stephan Kaluza: Die Handlung und somit auch die Entführung stellt den Rahmen her, eine fixe Situation, in der man Farbe bekennen muss und z.B. nicht sagen kann: »Wir klären das später«; so ist der Rahmen das abgesteckte Feld, die Bühne, für den eigentlichen Sinn des Stückes, den Disput zweier Antipoden, Ronaldo und Meisner, über sehr unterschiedliche soziale und soziologische Grundauffassungen. Wenn zum Beispiel Ronaldo sagt: »Ihre Macht ist nur eine, weil andere machtlos sind«, und Meisner lapidar damit kontert, dass das eben die Ordnung darstelle und vorherige nicht zwangsläufig besser gewesen wären. Die Legitimation besteht darin, dass diese Entwürfe sich quasi klaustrophobisch gegenüberstehen. Entkommen unmöglich! In dem Stück ›3 D‹ begegnen sich nach 20 Jahren – ja, wer sich dort wirklich begegnet, darf ich nicht preisgeben, um den thrillerartigen Schluss nicht zu gefährden. Lassen Sie mich also direkt nach dem Thema fragen: Ist ›3 D‹ ein Stück über Kindesmissbrauch oder geht es doch eher um eine Verschiebung der Realität, das Verdrängen, oder geht es um etwas ganz anderes? In 3 D geht es um die Sackgasse der Psychologie; für Albert ist der dritte Raum ein Ort, an dem es vor der Wahrheit kein Entrinnen mehr gibt; diese steht ihm in Form seiner totgeglaubten Tochter sehr physisch vor Augen, da hilft auch kein Verdrängen mehr. Einerseits bedient das Stück eine Analyse dessen, was Täter und Opfer in solchen Fällen ausmacht und skurrilerweise auch verbindet, andererseits war mir die sprachliche, dialogische Konstruktion dieser »Sackgasse« wichtig. In 3 D geht es um 28 die Wahrheit, und wirklich um nichts als die Wahrheit ... Sprechen wir über Ihr Stück ›Sand‹. Auch in der Zukunft, in der man sich daran gewöhnt hat, dass beinahe alles »Erleben« virtuell ist, gibt es noch Wirtschaftstycoons, die machtbewusst und sehr real Wirklichkeit manipulieren. Und dann passiert Unvorhergesehenes, das nicht sein kann, weil es nicht sein darf, weil es das System gefährdet: Zwei Menschen verlieben sich ineinander, Romeo und Julia im dritten Jahrtausend. Richtig, Herr Kaluza? Ja. Diese Klassiker, wie u.a. Romeo und Julia, sind ja deshalb Klassiker, weil sie anerkannte Axiome sind; solange es Menschen gibt, wird es auch diese geben, selbst in einer dystopischen Welt, die wir heute als sehr anders oder auch »seelenlos« empfinden würden. Und das rein virtuell Erlebte basiert ebenso auf postmodernen Mechanismen; die virtuelle Welt ist nicht zwangsläufig kreativer und erfindungsreicher als die sogenannte Realwelt, ihr Zugang ist nur individueller ... und einsamer. In Ihrem Stück ›Weil ich es kann‹ erwartet das Theatertier, die Operndiva, auf der Probebühne den Intendanten, der aber nicht kommt; wir erleben eine hadernde Primadonna und ihren Seelenstriptease. Sie haben gerade von anerkannten Axiomen, was klassische Themen angeht, gesprochen. Was aber geht uns der tragische Seelenstriptease einer Künstlerin an? Da würde ich Sie gerne überzeugen, dass uns besonders ein Seelenstriptease einer Künstlerin, oder besser: der Kunstschaffenden allgemein, etwas angeht. Wenn nämlich Erwartungen und Hoffnungen nicht erfüllt werden und nur noch ein trotziges »Weil ich es (aber) kann« gilt. Wenn ein(e) Künstler(in) nicht er/sie selbst sein darf, ist das ein Verenden auf Raten ... umso schlimmer, wenn das in der Abhängigkeit solcher geschieht, die das nicht einmal wissen. Siehe Tucholsky: »... lass die Dummheit der Leute den Künstler nicht entgelten.« Dies sind vier Theaterstücke, ich weiß, dass es weitere Stücke gibt, an denen Sie arbeiten. Ich finde, dass sowohl die Themen wie auch die Formen, was die dramaturgische wie die sprachliche Behandlung angeht, in jedem Stück unterschiedlich, anders sind. Gibt es dennoch etwas Verbindendes, also so etwas wie ein »Generalinteresse«? Ihr erstes Stück ›Atlantic Zero‹ hat mich auch deshalb so beeindruckt, weil ich es als ein absolut politisches Stück gelesen habe. Und, lassen Sie mich ergänzen, dass alle folgenden Stücke derart radikal Themen besetzt haben, dass es einem, ja, den Atem nimmt und das gerade, weil Sie Menschen zeigen, die eben bis in ihre Abgründe hinein ernst genommen werden. So dass man sich fragt, was leitete Ihr Interesse, die Menschen oder die Themen? Das Generalinteresse besteht sicher in der Lust, Situationen zu schaffen, die ungewohnte Zusammenhänge fördern, solche, die sich im freien Fall des psychologisch Absurden bewegen (»Nur das Bodenlose ist tief genug.«). Zum Beispiel in dem neuen Stück Studie einer menschlichen Figur im Raum der Psychiater, der den Ziehsohn und Mörder seiner Familie immer noch liebt; ein Mann, der pekuniär alles besitzt, nur noch nicht die Eitelkeit und Macht, einen Hund erschossen zu haben; eine Weltvernichtungsmaschine aus Sperrmüll etc. … Solche und ähnliche Situationen bewegen sich am Rand des Surrealen, wollen aber doch mit dem Hier und Jetzt verkettet bleiben; es sind sozusagen Fallbeispiele für eine bestimmte Erkenntnis oder eine bestimmte Aussage. In der Person Braccos wird z.B. deutlich, dass Glaube eine persönliche Realität entstehen lassen kann. Vielleicht ist das eine Variante des Fanatismus, der mich hier besonders interessiert hat. Ein weiteres Grundinteresse gilt den »absoluten Zuständen«, solchen, in denen die Gewalt, oder besser: die Androhung von Gewalt, eine ganz eigene Rolle spielt. Eine Gewalt in der Theorie, sprich in Stücken oder in der Belletristik, ist immer eine »Sprache der Gewalt«, sie findet verbal und in der Vorstellung statt und sie versetzt die Protagonisten in diesen »absoluten Zustand«; zeichnet sich das mögliche Ende der eigenen Existenz ab, bekommt jedes Wort ein Tonnengewicht, wird zum Richter über Details, die entscheidend sein können – deshalb ist Gewalt Sprache ... und auch hier, eine Sackgasse der Wahrheit. Sie sind als Bildender Künstler mit Ihren Bildern international erfolgreich – gerade erscheint Ihr erster Roman –, sind mit der Oper und dem Film vielfach vernetzt. Erst später, wenn ich richtig informiert bin, haben Sie angefangen, für das Theater zu schreiben. Wie kam es dazu? Nein, nicht wirklich später, ich habe nur anfangs die Texte im Rahmen der Bildenden Kunst umgesetzt, die Arbeiten hießen allgemein »Bildstücke«, eigene Inszenierungen, die als Abfolge, also montierte Bildserien, ausgestellt wurden. Zeitgleich hat sich der Text zu diesen Bildstücken »verselbstständigt«, bis ich dann später ganz auf die Bildmontagen verzichtet habe. Kann man vermuten, dass Ihre Erfahrungen mit anderen Künsten Eingang finden in Ihre Stücke, oder ist das ganz zu trennen? Generell ist das Bild der Szene verwandt, man hat das ja auch so vor Augen; manche Situationen können sehr bildhaft oder auch filmisch ausfallen (wenn ich u.a. an das herabregnende Geld in Atlantic Zero denke). Und vor allen Dingen meine ich eines: Das Medium sollte doch der Idee folgen und nicht umgekehrt. Es liegt ja im Charakter der Idee selbst begründet, in welche Fakultät sie gehört, es gibt ausschließliche Bild-Ideen, Theater-Ideen und ebenso Film-Ideen. Die Umsetzung folgt also der Art einer Idee, von daher glaube ich, dass diese »Grenzen« immer osmotische sind ... und sich im besten Fall auch gegenseitig befruchten können. Wie erleben Sie die Inszenierungen Ihrer Stücke, gehen Erfahrungen damit in Ihre nächsten Stücke ein? Bei einer Inszenierung sieht man ja, was besonders gut klappt oder eben auch nicht. 3 D, in der Umsetzung von Stephan Kimmig, hat mir noch einmal bewusst gemacht, dass dies meiner Auffassung von Theaterstücken am nächsten kommt: spartanisch ausgestattet, die Psychologie der Personen steht im Vordergrund ... und der Zuschauer fiebert mit. Und das nicht über ausgedehnte Handlungen, sondern eben über das Aufeinanderprallen zweier oder mehrerer Psychen. 29 INGRID L AUSUND Jörn Klare Du sollst den Wald nicht vor dem Hasen loben Jörn Klare, geboren 1965, schreibt Reportagen und Features, unter anderem für den Deutschlandfunk und Die Zeit. Für seine Arbeit erhielt er verschiedene Preise und Auszeichnungen. Der Dokumentarfilm Was bin ich wert? zu seinem viel diskutierten, gleichnamigen Sachbuch (Suhrkamp, 2011) kommt im Herbst 2014 ins Kino. Erst verlegte sie ihre Brille, dann vergaß sie ein paar PIN-Nummern, schließlich fand sich Jörn Klares Mutter in ihrem eigenen Haus nicht mehr zurecht. Die Diagnose hieß Demenz. Aus der Konfrontation mit den Veränderungen im Leben seiner Mutter entstand das Sachbuch Als meine Mutter ihre Küche nicht mehr fand – Vom Wert des Lebens mit Demenz (Suhrkamp, 2012) und ein Theaterstück für zwei Frauen: Mutter und Tochter. Mit einem alten Tonbandgerät und Aufnahmen, die zwanzig Jahre früher entstanden, konfrontiert die Tochter ihre 75-jährige Mutter. Ging es ursprünglich darum, das Leben der Mutter, das durch den Zweiten Weltkrieg geprägt war, zu dokumentieren, so dienen die Aufnahmen jetzt als Mittel, dem Gedächtnis der alten Frau auf die Sprünge zu helfen. Denn wer ihr Vater ist, weiß die Tochter bis heute nicht. Du sollst den Wald nicht vor dem Hasen loben ist eine zarte, berührende und mitunter überaus komische Auseinandersetzung mit einer Lebensphase, in der Erinnerungen ihre Bedeutung verlieren und die unser Bewusstsein für Vernunft, Logik und Sprache radikal in Frage stellt. (2 D) Uraufführung des Stückes in Verhandlung Tochter: Ich bin deine Tochter. Mutter: Ach, das ist ja nett. Und wer bin ich dann? Tochter: Meine Mutter. Mutter: Und wer bin ich für mich? Tochter: Das weiß ich nicht. Mutter: Man muss ja nicht alles wissen. (aus: Du sollst den Wald nicht vor dem Hasen loben) 30 Foto: Joachim Zimmermann 250 Seiten. Geb. € 17,95 (978-3-518-46401-4) 31 INGRID L AUSUND Konstantin Küspert mensch maschine Diese Wissenschaftler gehen über Leichen. Jupiter, Ernö und Pasar dringen in ein Haus ein, entführen einen Mann, ER, und separieren, in einem provisorischen OP-Saal, sein Gehirn. Angeschlossen an eine Maschine, wird ER weiterleben, und seine Umwelt wird fortan durch Computer generiert. mensch maschine erzählt von den Machenschaften dreier egomanischer Wissenschaftler, die den Menschen in Zahlen, Fakten und abstrakte Fachbegriffe zerlegen. Küsperts Stück ist zu komisch und zynisch, um als Thriller durchzugehen. (3 H, 2 D, Besetzung variabel) Konstantin Küspert, Autor und Dramaturg, wurde 1982 in Regensburg geboren. Seit dem Studium der Germanistik, Philosophie, Politikwissenschaft und Theaterwissenschaft in Regensburg und Wien zahlreiche Theaterprojekte mit Claudia Bosse und Produktionen u.a. am Germanistentheater an der Uni Regensburg, am Staatstheater Karlsruhe und am HAU Berlin. Küspert studierte an der Berliner Universität der Künste Szenisches Schreiben. Uraufführung: 22. September 2013, Theater Regensburg Regie: Sahar Amini »Was sich nun entspinnt, ist ein handfester Bewusstseins-Krimi mit feiner philosophischer Unterfütterung. (…) Küspert erzählt sein – im wahrsten Sinne des Wortes – Gedankenexperiment mit Tempo, direkter Prosa und großer Lockerheit.« Christian Rakow, nachtkritik »Wissenschaftliche Erfahrungen der Hirnforschung und die damit verbundenen philosophischen Fragen wie auch die Frage nach der wissenschaftlichen Ethik sind Auslöser für eine Handlung, die mit starken crime-Elementen arbeitet, also einer Spannungsdramaturgie, zumal Küspert seine Themen objektiv vorführt und es den Zuschauern überlässt, dazu Stellung zu beziehen.« Manfred Jahnke, Die Deutsche Bühne »Konstantin Küspert vereint in seinem Stück Science-Fiction, Wissenschaftskrimi und Komödie.« Britta Schönhütl, Süddeutsche Zeitung 32 Foto: Susanne Schleyer 33 Thomas Kyd Hieronimo Eine spanische Tragödie I Originaltitel: The Spanish Tragedie: or: Hieronimo is mad againe Aus dem Englischen von Oliver Schmaering Am Anfang schließen zwei Untote einen Pakt: der Geist des ermordeten spanischen Offiziers Andrea – und die Rache. Andreas Mörder soll zur Verantwortung gezogen werden. Kyds blutiges Schauspiel lässt die beiden jenseitigen Verschwörer das blutige Geschehen bis zum bitteren Ende als Chor begleiten. Alles beginnt und endet im Krieg: Das spanische Heer hat die portugiesischen Streitkräfte besiegt. Es folgt ein offizieller Friedensschluss, doch der Krieg setzt sich in Köpfen und Leibern fort. Balthasar, der Mörder Andreas, befindet sich mittlerweile in privilegierter spanischer Gefangenschaft und verliebt sich ausgerechnet in die schöne Spanierin Bel-Imperia, die mit Andrea verbunden war. Diese Verbindung wäre auch von der Politik gewünscht. Doch Bel-Imperia entzieht sich Balthasars Werben. Sie will ihn demütigen und findet in Horatio einen neuen Liebhaber. Als Balthasar den Rivalen Horatio ums Leben bringen lässt, kommt Horatios Vater Hieronimo ins Spiel. Nach und nach erfährt er von den Hintergründen der Morde an Andrea und seinem Sohn. Sein Eingreifen setzt eine Kette von Bluttaten in Gang. Unwissentlich wird er zum Vollstrecker eines gespenstischen Racheplans, und erst nachdem alle Beteiligten ihr Leben verloren haben, gibt sich die Rache zufrieden. Ein Stück über den Krieg in den Köpfen, der keinen Frieden kennt. Ein Stück über den ewigen Konflikt zwi- schen Recht und Gerechtigkeit. Über politisches Machtkalkül und individuellen Widerstand. Über Selbstjustiz, die ihr Recht einfordert, sobald ein Staat versagt. Der Dramatiker Oliver Schmaering legt mit seiner kongenialen Übertragung dieses seit elisabethanischen Zeiten im anglo-amerikanischen Sprachraum vielgespielten, hierzulande aber weitgehend unbekannten Schauspielklassikers die einzige momentan verfügbare deutsche Übersetzung vor. Thomas Kyds The Spanish Tragedie ist Urbild aller Rachetragödien, diente u.a. Shakespeares Hamlet als Vorlage und harrt seiner Entdeckung auf deutschsprachigen Bühnen. (2 D, 18 H, Nebenfiguren, Mehrfachbesetzungen möglich) Frei zur Erstaufführung der Übersetzung Die Titelseite von 1615 (aus: Akt II, Szene 5) Thomas Kyd (1558–1594) gilt neben Shakespeare, Jonson und Marlowe als bedeutendster elisabethanischer Dramatiker. The Spanish Tragedie: or: Hieronimo is mad againe ist das einzige überlieferte und ihm als Autor gesichert zuschreibbare Drama. Das Stück gehört im englischen Sprachraum zum Klassikerrepertoire. 34 Hieronimo Hausen Bestien in diesem rohen Land Wesen, denen nachts Blutskarneval ist Denen auf Maß die Menschenmaske sitzt Fledderer mit Hyänenseelen sinds Die meinem Schatten nur eine Leiche Zur Seite ließen und Tränen – wozu? Ein Schlager seiner Zeit Oliver Schmaering über seine Nachdichtung von Kyds Stück Thomas Kyds Hieronimo war eines der einflussreichsten Stücke des Elisabethanischen Theaters. Es gilt als sicher, dass Shakespeare es mehrfach sah und vielfach zitierte. Hamlet kann als genialer Reflex, als ein meisterhaftes Remake verstanden werden. Im anglophonen Sprachraum ist Kyds Hieronimo so selbstverständlich Teil des literarischen Kanons, wie es Shakespeares Werk ist. In der Regel wird der Text dort unter dem Titel The Spanish Tragedy behandelt. Die im Text weit leuchtende Selbstreferenzialität der prä-Brechtschen Zeigegeste auf das Drama als Drama ermahnt zur Strenge der Gestalt des Bedeuteten, zu einer möglichst formgenauen Abbildung des Kydschen Textes, um im Gegenzug binnensprachlich die Freiheiten zu gewinnen, die dem Sinn nach mehr zu greifen vermögen als nur das schiere Wort. (…) In der Spiel-imSpiel-Anlage des Textes ist der Grundtopos einer Zirkularität klar erkennbar, die Akteure agieren nicht nur, sie treten als Beobachter von Aktionen und darüber hinaus auch als Beobachter ihres eigenen Beobachtens in Erscheinung. Für jene Selbstbezüglichkeit mussten Form und Sprache bestimmt werden. Ein Stück über den Krieg in den Köpfen, der keinen Frieden kennt. Ein Stück über den ewigen Konflikt zwischen Recht und Gerechtigkeit. Über politisches Machtkalkül und individuellen Widerstand. 35 THOMAS KYD – HIERONIMO Kyd gibt im Hieronimo in der Regel dem zehnsilbigen, männlichen Blankvers den Vorzug. Die Entschiedenheit in der Silbigkeit wirkt als Dominante der Textgestalt, dies spiegelt sich entsprechend in der Übersetzung; im sprachlichen Konfliktfall musste die Regelmäßigkeit der Hebungen zurückstehen. Ein freierer Umgang mit der Proportion des Verses verbot sich nicht nur aus genannten Gründen. Wäre es dem Text möglich, sich in der Übertragung mäandernd und breit des Blattes zu bemächtigen, verlöre er seinen immanenten Hinweis auf das anzuschlagende Tempo. Die Sprechgeschwindigkeit in der Aufführungspraxis des Elisabethanischen Theaters kann anhand der gut bekannten Aufführungszeiten und der ohnehin bekannten Textlängen bestens rekonstruiert werden. Thomas Larque beispielsweise verweist auf jene als gesichert geltenden Erkenntnisse, nach denen Elisabethanische Schauspieler viel schneller sprachen, als es heute auf Bühnen üblich oder auch nur vorstellbar ist, ohne Pausen und Phrasierungen für die Unterstreichung bestimmter Sprechinhalte. Angaben zeitgenössischer Quellen legen nahe, dass es sich bei dem hohen Sprechtempo des damaligen Theaters um eine Art von Notwehr gegenüber einem ungeduldigen Publikum gehandelt habe, das sich im Zweifel auch laut mit dem Nachbarn unterhielt. Nur lautes und ununterbroche- Oliver Schmaering, 1968 in Berlin geboren. Studium der Film- und Fernsehdramaturgie an der HFF »Konrad Wolf« in Babelsberg. Seit 2001 arbeitet er als freier Autor. Stücke, Übersetzungen, RadioFeatures und Hörspiele. 36 nes Sprechen, verbunden mit körperlicher Präsenz (»... stalking stamping player, that will raise a tempest with his tongue, and thunder with his heels ...«), konnten hier helfen. Die Übersetzung sucht Historizismen in der Wortgestalt ebenso zu meiden wie eine Heutigkeit der Sprache. Angestrebt wurde Zeitlosigkeit, wobei nicht die Vorstellung bestand, der übertragene Text könne seiner Zeit gänzlich enthoben sein, vielmehr möge er weder explizit auf seine noch auf eine bestimmte andere Zeit verweisen. Semantische und syntaktische Aus- und Umbrüche sind wesentlich nur als Mittel zur Abbildung des vielfarbigen Changierens der Kydschen Sprache genutzt. Die Vielgestalt des Textes schließt gar Lateinpassagen ein, die (ebenso wie die Präsenz von Geistern) dem Vorbild Senecas zuzuschreiben sind. Im Jahr 1602, genau eine Dekade nach dem Erstabdruck, wurden dem Text fünf Additions hinzugefügt. Andrew Gurr weist auf einen Eintrag vom September 1601 im Tagebuch des Theaterdirektors Philip Henslowe hin, er verzeichnet eine Zahlung von zwei Pfund an Ben Jonson und setzt hinzu, das Geld sei für »... writtinge of his adicians in geronymo ...« geflossen. Im Juni 1602 gehen erneut zehn Pfund an Jonson »... for new adicyons for Jeronymo ...«. Nicht alle, aber die weitaus meisten Forscher sehen dementsprechend Ben Jonson als Autor der Additions. Gurr geht, einem Hinweis auf ein Wit’s Triumvirate betiteltes Manuskript folgend (»... What so lowd and acting as if Burbedge’s soule had newly reviv’d Hamlett & Jeronimo againe ...«), davon aus, dass der damals wohl berühmteste Schauspieler Richard Burbage nicht nur die Rolle des Hamlet, sondern auch die des »älteren Zwillings« Hieronimo spielte. Das Stück war ein Schlager seiner Zeit, nicht nur in England. Es wurde schon 1601 in Frankfurt am Main und 1626 in Dresden aufgeführt. Dann verschwand es von den hiesigen Spielplänen. In England selbst stand das Stück bis zum Ende des Jakobinischen Zeitalters in vielfacher Gunst, wie eine von Gurr erwähnte Überlegung George Bucks, des damaligen Master of the Revels am Hof (»... The Spanish Tragedy might make a good pairing with Hamlet«), aus dem Jahr 1619 oder 1620 belegt. Im Jahr 1997 wurde in Stratford upon Avon erneut die naheliegende Idee nun von der Royal Shakespeare Company aufgegriffen. Shakespeares Hamlet und Kyds Hieronimo wurden parallel produziert und der heute viel berühmtere »jüngere Zwilling« Hamlet auf großer Bühne gezeigt, während Hieronimo mit dem kleineren Swan Theatre vorliebnahm. Thomas Kyds Hieronimo gilt als Modell für alle darauf folgenden Revenge Plays, nachfolgende Dramatiker und viele Stücke verdanken diesem Text mehr, als gemeinhin bekannt sein dürfte. Eine Einladung zur Entdeckung eines großen Elisabethanischen Klassikers 37 Cesare Lievi Machtspiele. Eine Soap Opera Über Macht, Politik und das Spiel mit dem Fächer Originaltitel: Soap Opera I Deutsch von Peter Iden Fragen an Cesare Lievi An der Spitze kann es einsam sein. Und wird es einsam bleiben. Aber die namenlos bleibende Signora in Cesare Lievis neuem Stück ist bereit, auch diesen Preis zu zahlen. Vom Präsidentenamt, der Spitze des Staates, ist sie nur noch einen kleinen Schritt entfernt. Der Sieg in der bevorstehenden Wahl scheint ihr sicher, aber dem Zufall überlassen will sie dennoch nichts. Voller Unruhe spürt sie in einer schlaflosen Nacht ihrer Wirkung auf die Massen nach, überprüft ihre Reize, posiert vor dem Spiegel. Das Volk will verführt werden! Und im Verführen hat sie über die Jahre hinweg beachtliches Talent erlangt. Nicht nur den verstorbenen Präsidenten konnte sie für sich gewinnen. Natürlich gab es auf ihrem Weg auch schmerzhafte Erfahrungen. Die haben sie aber nur abgehärtet für das, was kommt. Denn: Politik ist ein Geschäft, Liebe ein Spiel und Macht ist das größte Vergnügen. Sie ist bereit, ihren Platz in einer von Männern dominierten Welt einzunehmen. Cesare Lievis Stück führt direkt hinein ins Vorzimmer der Macht. Es ist die ungeschönte Lebensbeichte einer Frau, die die Regeln der Männer zu ihren eigenen gemacht hat. Virtuos führt es vor, wie politische Ziele hinter der Inszenierung und Ästhetisierung von Politik und Politikern verschwinden, und zeigt, wie Gefühle und zwischenmenschliche Beziehungen dem Spiel um die Macht unterworfen werden. (2 D) Frei zur Uraufführung »Das schmeichelhafte Vergnügen, so heimtückisch wie unwiderstehlich, oben zu sein, die Fäden unzählbarer menschlicher Schicksale in Händen zu halten, sie zu verstricken, zu verknoten, sie heillos zu verwirren – und sie wieder zu lösen, ganz nach deinem Belieben.« Cesare Lievi, ›Machtspiele. Eine Soap Opera‹ Cesare Lievi: Natürlich kann man an Politikerinnen wie die Präsidentin von Argentinien, Cristina Fernández de Kirchner, oder auch die deutsche Kanzlerin, Angela Merkel, denken. Mir geht es aber um etwas anderes, nämlich um die Inszenierung von Politik, von Macht. Wie stilisiert, inszeniert und kontrolliert sich jemand, um glaubhaft einen Politiker darzustellen, als eine von vielen Rollen, die man im Leben spielen kann. So etwas kann man aber auch bei Politikern wie Berlusconi oder Schröder – gerade zu Beginn seiner Kanzlerschaft – beobachten. Und grundsätzlich bei jedem, der mehr auf seine Wirkung nach außen achtet und dabei vergisst, dass es auch um Inhalte geht. Heißt das, dass die Signora in Ihrem Stück an dem politischen Amt, das sie anstrebt, gar nicht interessiert ist? Foto: Maurizio Buscarino 38 Cesare Lievi wurde 1952 in Gargnano am Gardasee geboren. Der Regisseur und Autor promovierte in Philosophie mit einer Arbeit über »Trotzki und den Surrealismus«. Er gilt als einer der großen Poeten des Theaters. Erste Erfolge feierte er durch seine Schauspielinszenierungen (u.a. am Schauspiel Frankfurt, an der Schaubühne Berlin, dem Burgtheater Wien oder dem Thalia Theater Hamburg), bevor die Oper zu seiner zweiten Heimat wurde. So inszenierte er u.a. an der Metropolitan Opera New York und regelmäßig an der Mailänder Scala und der Oper Zürich. Mit seinen Stücken Fotografie eines Raums und Fremde im Haus war er zu Gast bei der Theaterbiennale »Neue Stücke aus Europa«. 2010/11 wurde er zum Leiter des Schauspiels am Teatro Nuovo Giovanni da Udine berufen. Michael Sauter: Gibt es ein Vorbild unter den aktuellen Politikerinnen für die namenlos bleibende Signora in Ihrem Stück, die das Präsidentenamt anstrebt? Was sie interessiert, ist ihre Wirkung nach außen. Mit dieser will sie ihr Ziel erreichen, die Präsidentschaftswahl zu gewinnen. Das würde ihr Selbstbestätigung und, das Wichtigste, Macht geben. Sie will das Gefühl haben, bestimmen zu können, ihren Willen durchzusetzen. Auch, um sich über die Welt der Männer zu erheben. Männer betrachtet sie als Gegner oder Konkurren- ten. Sie hat sie in ihrem Leben nie als Partner erlebt. Wir begegnen der Signora als Kind, als junge Frau und als Erwachsene kurz vor der entscheidenden Wahl. Unterschiedliche Lebensalter, unterschiedliche Zeiten prallen also aufeinander, die im Stück zusammengeführt und verdichtet werden. Wichtiges Accessoire für die Selbstinszenierung der Signora ist ein Fächer, ihr Gesprächspartner ist ihre Amme. Das wirkt etwas anachronistisch, hat geradezu märchenhafte, opernhafte Züge … Genau das ist auch beabsichtigt. Es handelt sich hier ja nicht um ein psychologisch-realistisches Stück, sondern eher um eine Groteske, eine Farce. Die verschiedenen Zeiten, die zusammenkommen, die leicht unheimliche Amme, die sich nicht so recht zuordnen lässt … Das hat natürlich auch etwas Surreales, etwas aus der Realität Herausgefallenes. Wie würden Sie dann die Beziehung zwischen der Amme und der Signora beschreiben? Sie sind aneinander gebunden, brauchen einander. Sie schätzen und hassen sich zugleich. Jeder weiß alles vom anderen. Und somit hat jeder, vielleicht auf unterschiedliche Weise, Macht über den anderen. Und mit dieser Macht spielen sie, jeden Tag, an dem sie mehr oder weniger dasselbe Gespräch führen. Stücke – eine Auswahl Fotografie eines Raums Originaltitel: Fotografia di una stanza Deutsch von Peter Iden 1 D, 2 H UA: 25.1.2005, Teatro Brescia Regie: Cesare Lievi Fremde im Haus Originaltitel: La Badante Deutsch von Annette Hunscha de Cordero und Peter Iden 3 D, 2 H UA: 22.9.2007, Staatstheater Wiesbaden Regie: Cesare Lievi Die Sommergeschwister Originaltitel: Fratelli d’Estate Ein Stück Deutsch von Peter Iden 4 D, 4 H UA: 25.4.1992, Schaubühne Berlin Regie: Cesare Lievi Zweierlei Zeit Originaltitel: Festa d’Anime Deutsch von Annette Hunscha de Cordero und Peter Iden 9 D, 6 H UA: 18.9.1999, Schauspiel Bonn Regie: Cesare Lievi Himmel Originaltitel: Cielo Deutsch von Annette Hunscha de Cordero 2 D, 2 H Frei zur Uraufführung 39 INGRID L AUSUND Friederike Mayröcker Requiem für Ernst Jandl Musik von Lesch Schmidt Ein halbes Jahrhundert gemeinsamen Lebens, und das hieß ganz selbstverständlich auch gemeinsamer literarischer Arbeit, verband und verbindet Friederike Mayröcker und Ernst Jandl. Unmittelbar nach dem Tod des Gefährten im Frühsommer des Jahres 2000 hat Friederike Mayröcker den Schmerz des Verlustes in einer stillen und zugleich leidenschaftlichen Todesklage zu bewältigen versucht, die zu einem Gesang von berückender Intensität wird. Friederike Mayröcker hat diesen Text für Lesch Schmidt eingelesen. Der Komponist hat dem Vortrag der Dichterin eine ganz eigene musikalische und theatrale Ebene hinzugefügt. Mit Versatzstücken von Jazzrock bis Neuer Musik setzt er überraschende Kontrapunkte zum berührenden Vortrag der Dichterin und schafft so eine spielerisch-leichte, ganz unsentimentale musikalische Ausweitung des Requiems. Ein unkonventionelles Angebot für die kleine musikalische Besetzung und eine Sing-/Sprechstimme. Friederike Mayröcker wurde am 20. Dezember 1924 in Wien geboren. Seit 1956 veröffentlicht sie Gedichte, Prosa, Hörspiele und Kinderbücher. Für ihr Werk erhielt sie zahlreiche Preise, u.a. den Georg-Büchner-Preis (2001), den Hermann-Lenz-Preis (2009), den Peter-Huchel-Preis (2010) und den Bremer Literaturpreis (2011). Lesch Schmidt wurde 1957 in Gießen geboren und studierte Medizin, Klavier und Tonsatz. Seit den 80er Jahren komponierte er zahlreiche Bühnenmusiken, unter anderem für das Residenztheater München und das Deutsche Schauspielhaus Hamburg. Er arbeitete u.a. mit den Regisseuren Wilfried Minks, Urs Troller, Gabriele Jacobi und Dietrich Hilsdorf zusammen. 1999 wurde Der Golem in Bayreuth von Ulla Berkéwicz und Lesch Schmidt in der Regie von Einar Schleef am Wiener Burgtheater uraufgeführt. 2004 wurde er mit dem Franz Liszt Prize for Musical Composition der Europäischen Kulturstiftung und der Cité des Cultures de la Paix ausgezeichnet. Derzeit komponiert er Kaspar, eine Oper nach dem gleichnamigen Theaterstück von Peter Handke. 90. Geburtstag von Friederike Mayröcker im Jahr 2014 90. Geburtstag von Ernst Jandl im Jahr 2015 40 Foto: Brigitte Friedrich Foto: Janine Guldener Uraufführung geplant zum 20. Dezember 2014, Burgtheater Wien 41 INGRID L AUSUND Christoph Nußbaumeder Meine gottverlassene Aufdringlichkeit Eine junge Frau kann nicht schlafen und quält sich mit dröger Textarbeit für einen Kunstkatalog. Sie trinkt ein Glas Wein und grübelt in der Einsamkeit der Nacht über ihr Leben. Sie ist überdurchschnittlich gebildet, Kunsthistorikerin mit Abschluss, und nun hockt sie da und kann nachdenken, wie sie zu dem geworden ist, was sie heute ist: eine Vertreterin des akademischen Prekariats. Alles könnte anders sein, besser, leidenschaftlicher, selbstbestimmter! Doch plötzlich klingelt es … (1 D) »Man möchte den Autor umarmen für diese sensible, komplex angedachte Skizze, die nicht nur das Erfassen der Welt in seinem Grundwiderstreit beschreibt, sondern darin genauso die Zumutungen der alles in die Einseitigkeit privatisierenden Gegenwartsgesellschaft.« Doris Meierhenrich, Berliner Zeitung Christoph Nußbaumeder wurde 1978 im niederbayerischen Eggenfelden geboren und lebt in Berlin. Studium der Rechtswissenschaften, Germanistik und Geschichte in Berlin. Nußbaumeders Stücke wurden u.a. bei den Ruhrfestspielen Recklinghausen, an der Berliner Schaubühne, am Nationaltheater Mannheim und am Schauspiel Köln uraufgeführt. Zahlreiche Inszenierungen erfuhr insbesondere sein Stück Eisenstein, das 2010 am Schauspielhaus Bochum uraufgeführt wurde. Im Mai 2013 folgte die Uraufführung von Mutter Kramers Fahrt zur Gnade als Koproduktion mit dem Schauspielhaus Bochum bei den Ruhrfestspielen Recklinghausen. Meine gottverlassene Aufdringlichkeit 1D UA: 18.9.2012, Sophiensaele, Berlin Regie: Bernarda Horres, Anna Eger (Spiel) ÖEA: 11.1.2013 Schauspielhaus Wien Regie: Daniela Kranz 1.12.2012, Stadttheater Ingolstadt Regie: Donald Berkenhoff Siehe auch S.50: Anna Maria Jokl: Die Perlmutterfarbe. Für die Bühne bearbeitet von Christoph Nußbaumeder »[…] Christoph Nußbaumeder bringt in seinem Text die Probleme einer Generation, die sich auch nach einer Reihe unbezahlter Praktika nur mit prekären Angeboten zufrieden geben muss, treffend und tragikomisch zur Sprache.« Hilde Haider-Pregler, Wiener Zeitung »Ein abgründiger, hellsichtiger und humorvoller Monolog.« Esther Slevogt, taz 253 Seiten. Broschur. € 20,– (978-3-518-42378-3) 42 Foto: Susanne Schleyer 43 Sean O’Casey Dramatische Aufwärtshaken zum 50. Todestag So beschreibt ein enger Wegbegleiter O’Caseys die Uraufführung von Der Pflug und die Sterne im Dubliner Abbey Theatre am 8. Februar 1926. Wer war dieser politisch engagierte, ideologisch aber immer um Unabhängigkeit bemühte Theaterdichter O’Casey, der seine Landsleute mit seinen Stücken derart in Rage brachte? In welche Wunden legte dieser ›Gassenjunge aus den Dubliner Slums‹, wie ein zeitgenössischer Theaterkritiker ihn nannte, seine Finger, um derart wüste Publikumsreaktionen auslösen zu können? Der Autor wanderte ein Jahr nach dem oben geschilderten Skandal um sein Stück nach England aus, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1964 weiter Stücke schrieb. Zum 50. Todestag O’Caseys liegen nun sämtliche deutschen Übersetzungen seiner wichtigsten Stücke bei Suhrkamp vor. Wir laden zur Entdeckung der komischen, hintersinnigen und gesellschaftskritischen Schauspiele dieses großen irischen Dramatikers ein – auch jenseits seines weltweit viel gespielten Komödienklassikers Das Ende vom Anfang. Sean O’Casey (1880-1964) gilt als moderner Klassiker. Seine gesellschaftskritischen Stücke werden weltweit gespielt. Alfred Hitchcock verfilmte 1930 Juno und der Pfau. 44 Hinter den grünen Vorhängen Originaltitel: Behind The Green Curtains Übersetzung: Dieter Hildebrandt Ein Pfund abheben Originaltitel: A Pound on Demand ▯ Übersetzung: Johanna und Martin Walser ▯ Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen Juno und der Pfau Originaltitel: Juno and The Paycock Übersetzung: Lukas B. Suter Das Ende vom Anfang Originaltitel: The End of The Beginning ▯ Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen ▯ Übersetzung: Johanna und Martin Walser Das Erntefest Originaltitel: The Harvest Festival Übersetzung: Konrad Zschiedrich Figur in der Nacht Originaltitel: Figuro in the Night Übersetzung: Eva Walch Das Freudenfeuer für den Bischof Originaltitel: The Bishop’s Bonfire Übersetzung: Michael Eberth, Kurt Heinrich Hansen, Dieter Hildebrandt Gutnachtgeschichte Originaltitel: Bedtime Story ▯ Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen ▯ Übersetzung: Johanna und Martin Walser Halle der Heilung Originaltitel: Hall of Healing Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen Foto: Wolfgang Suschitzky »Die Premiere am Montag wurde insgesamt enthusiastisch aufgenommen, doch die Andersdenkenden überwanden rasch ihre Fassungslosigkeit, verbreiteten die Kunde von diesem Stück und organisierten mit viel Krawall Demonstrationen an den drei folgenden Abenden. Am Dienstag und Mittwoch wurde das Stück wiederholt von Spottrufen und Schreien unterbrochen, am Donnerstag dann brach das komplette Chaos aus. Schon zu Beginn der Vorstellung gab es Zwischenfälle, im zweiten Akt wurden die Schauspieler dann von Buhrufen, Schreien, Pfiffen und Gesängen vollends übertönt. Kaum ein Wort des zweiten Aktes war noch vernehmbar, die Schauspieler vollführten eine Pantomime. Zu Beginn des dritten Aktes wurde das Stück dann unterbrochen. Flüche, Gemüse, Schuhe und Stühle wurden Richtung Bühne geschleudert, Stinkbomben wurden im ganzen Theater gezündet und irgendwann enterte eine Gruppe von Männern und Frauen die Bühne und begann eine Schlägerei mit den Schauspielern. Barry Fitzgerald, der die Rolle des ›Fluther Good‹ spielte, prügelte einen der Männer in den Orchestergraben, indem er ihm einen saftigen Aufwärtshaken verpasste …« Eichenlaub und Lavendel oder Eine Welt aus Kulissenpapier Originaltitel: Oak Leaves and Lavender Übersetzung: Ute und Volker Canaris Kathleen hört zu Originaltitel: Kathleen Listens In Übersetzung: Eva Walch Kikeriki Originaltitel: Cock-a-Doodle Dandy Übersetzung: Helmut Baierl und Georg Simmgen Der Mond scheint auf Kylenamoe Originaltitel: The Moon Shines on Kylenamoe Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen Nannie geht aus Originaltitel: Nannie’s Night Out Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen Der Park Originaltitel: Within The Gates Übersetzung: Eva Walch und Klaus Tews Der Preispokal Originaltitel: The Silver Tassie Übersetzung: Tankred Dorst Purpurstaub Originaltitel: Purple Dust ▯ Übersetzung: Helmut Baierl und Hans-Georg Simmgen ▯ Übersetzung: Michael Eberth ▯ Neu übersetzt und bearbeitet von Michael Eberth Der Rebell, der keiner war Originaltitel: The Shadow of a Gunman Übersetzung: Jörg Graser Der Schatten eines Rebellen Originaltitel: The Shadow of a Gunman Übersetzung: Helmut Baierl und Georg Simmgen Rote Rosen für mich Originaltitel: Red Roses for Me Übersetzung: Maik Hamburger und Adolf Dresen Der Stern wird rot Originaltitel: The Star Turns Red Übersetzung: Helmut Baierl Zeit zu gehen Originaltitel: Time To Go Übersetzung: Maik Hamburger Pater Neds Trommeln Originaltitel: The Drums of Father Ned Übersetzung: Gustav K. Kemperdick Der Pflug und die Sterne Originaltitel: The Plough and The Stars Übersetzung: Volker Canaris und Dieter Hildebrandt Nähere Angaben zum Inhalt der Stücke, zu Besetzungsmöglichkeiten, zu Aufführungen und Bestellmöglichkeiten finden Sie auf der O’CaseyAutorenseite auf www.suhrkamptheater.de »Wenn ich in diesen Jahren von jungen Regisseuren gefragt werde, ob ich ihnen ein Stück vorschlagen kann, das nicht zum (geschrumpften) Kanon des heutigen Stadttheaters gehört, kommt mir als erstes O’Casey’s ›Purpurstaub‹ in den Sinn. Ich kenne kein zweites Stück, das die Krise des Abendlands (das erschöpfte Selbst, die entwurzelten Sprachen und Identitäten, der Zerfall der Ordnungs-Systeme, der drohende Untergang) so drastisch und schreiend komisch darstellt wie dieses eine. Man muss sich natürlich für Menschen aus anderen Zeiten und Welten interessieren, wenn man es aufführen will, und sich dem Zwang widersetzen, alles fürs Jetzt platt zu machen.« Michael Eberth 45 INGRID L AUSUND Georg Ringsgwandl Der varreckte Hof Dr. Georg Ringsgwandl hängte mit 45 seinen Beruf als Kardiologe an den Nagel und widmete sich ganz dem Musikkabarett. Er steht seit über 30 Jahren auf der Bühne, schreibt Bühnenmusik und Theaterstücke. Stubenoper. Gesänge in einer sterbenden Sprache (Bayerische Fassung: Der varreckte Hof) (Hochdeutsche Fassung: Der verreckte Hof) Mutter Weichsenrieder wird wunderlich, oder vielleicht tut sie auch nur so. Aber eine Pflegerin muss her, denn ihre Kinder, die allzeit überforderte Halbtagshandarbeitslehrerin Gerlinde und Manager Rupert, können die Alte nicht betreuen. So kommt Svetlana aus Moldawien auf den Hof und mischt die Kräfteverhältnisse neu. In Georg Ringsgwandls Stubenoper Der varreckte Hof (das Stück liegt in zwei Fassungen vor, in einer bayerischen sowie einer hochdeutschen Fassung: Der verreckte Hof) kollidieren die Werte einer alten, dörflichen Gesellschaft mit denen einer neuen, kapitalistischen Welt in der Idylle eines verfallenen Bauernhofes. Mit komischen Dialogen, großartigen Charakterfiguren und scharfer Zeitkritik entwirft Ringsgwandl eine dörfliche Szenerie, die von den Erschütterungen der Globalisierung nicht verschont wird. Ein modernes Volksstück mit Gesang. (3 D, 2 H) Uraufführung: 4. August 2012, Tiroler Volksschauspiele Telfs Regie: Susn Weber Deutsche Erstaufführung: 4. Oktober 2013, Theater an der Rott Regie: Susn Weber »Auf hinterlistige und poetische Art und Weise entlarvt Ringsgwandl die vermeintliche Arbeitswut unserer ›Computergesellschaft‹ als reinen Selbstzweck und stellt mit der Figur der kauzigen alten Bäuerin die brisante Gegenfrage: Was lohnt sich denn wirklich und vor allem für wen?« Bayerischer Rundfunk Gerlinde: Sie brauchen mir gar nichts erzählen. Ich habe einen harten Vormittag hinter mir. Wissen Sie eigentlich, was auf mich alles einprasselt? Wenn ich in der Früh das Klassenzimmer aufsperre, stürmen die globalen Verwerfungen in Gestalt einer Horde rotzfrecher Kinder auf mich los, und wenn ich auf den Hof komme, sagen Sie zu meiner Mutter »Oma«. Svetlana: Ohne die globalen Verwerfungen würde ich zur Oma gar nix sagen, da wär’ ich Professor in Belarus. (aus: Der varreckte Hof) 46 Foto: Christian Kaufmann 47 INGRID L AUSUND Gesine Schmidt O alte Burschenherrlichkeit Männerbünde fürs Leben Füchse, Burschen, Alte Herren, Bundes-, Farben-, Waffenbrüder. Es gibt viele Geschichten und Mythen über die Mensur, den Schmiss, den Zipfeltausch oder die Couleurdamen. Männerbünde, für viele eine fremde Welt. »Ehre, Freiheit, Vaterland« lautete der Wahlspruch der Urburschenschaft von 1815 als Resultat der Befreiungskriege gegen die französische Hegemonie in Europa. Für die Burschenschaften gilt diese Devise noch heute. Viele Studentenverbindungen bekennen sich zu ihren traditionellen Werten. »Mein Eintritt in die Burschenschaft war ein bewusster Schritt – und ich habe ihn niemals bereut. Letztlich konzentriert sich die Kritik an den Korporationen immer auf die eine Frage: Passt das noch in unserer Zeit? Meine Antwort lautet stets: Offensichtlich! Sonst würden sich ja nicht so viele Studenten dafür entscheiden. Es ist ein gutes Recht der Akademiker, sich zu einem Lebensbund zusammenzuschließen, Farben tragen, aber auch zechen und fechten zu wollen.« So äußerte sich Günter Kießling (1925–2009), Bundeswehrgeneral und Bonner Burschenschaftler. Studentische Verbindungen polarisieren. Allein an den Bonner Hochschulen sind etwa fünfzig verschiedene Verbindungen ansässig, einige davon seit über 150 Jahren. Worin liegt heute die Anziehungskraft studentischer Verbindungen? Welche Rituale und Brauchtümer werden gepflegt? Welche Wertvorstellungen und Weltbilder dominieren? Wo liegen die historischen Wurzeln, wo die Anbindung zur gegenwärtigen Gesellschaft? Gesine Schmidt wurde für ihre dokumentarischen Theaterstücke mehrfach ausgezeichnet. Gemeinsam mit der Autorin begibt sich der Regisseur Volker Lösch auf eine theatrale Recherche auf der Grundlage historischer und aktueller Dokumente. (Besetzung variabel) Uraufführung: 9. Mai 2014, Schauspiel Bonn Regie: Volker Lösch Ein tiefer Blick in die urdeutsche, männliche Seele und Stoff für polarisierende Diskussionen 48 Foto: Susanne Schleyer Gesine Schmidt, 1966 in Köln geboren. Nach dem Studium der Komparatistik und Theaterwissenschaft an der Ruhr-Universität Bochum folgen Stationen als Dramaturgin am Schauspiel Frankfurt, dem Badischen Staatstheater Karlsruhe und dem Berliner Ensemble. Von 2004 bis 2006 arbeitet sie als Dramaturgin am Maxim Gorki Theater, Berlin. In der Spielzeit 2008/2009 ist Gesine Schmidt Dramaturgin am Deutschen Theater Berlin. Gesine Schmidt lebt als freie Autorin in Berlin. Werkübersicht Gemeinsam mit Andres Veiel entsteht 2005 das Dokumentartheaterstück Der Kick, das sich mit dem Mord an einem Jugendlichen in einem brandenburgischen Dorf beschäftigt. Die Uraufführungsinszenierung, eine Koproduktion des Berliner Maxim Gorki Theaters und des Theater Basel, und das Hörspiel werden mit mehreren Preisen ausgezeichnet. Auf der Grundlage von Interviews mit einem deutsch-türkischen Pärchen entsteht das Stück liebesrap. Das gleichnamige Hörspiel (DLF 2010) erhält u.a. den 1. Preis beim internationalen Wettbewerb Prix Marulic in Kroatien. liebesrap ist frei zur Uraufführung (1 D, 1 H). 2010 erlebt Schmidts Stück Die Russen kommen! am Staatstheater Nürnberg seine Uraufführung. Als Auftragswerk entstanden, thematisiert das Dokudrama die widersprüchlichen Integrationserfahrungen sogenannter Russlanddeutscher. 2011 folgt die Uraufführung von Oops, wrong planet! am Theater Basel. Im Stück kommen Autisten zu Wort, die uns teilnehmen lassen an ihrer speziellen Sicht auf unsere Welt. Das Stück wurde 2012 von DLF/WDR auch als Hörspiel produziert. 2013 kommt Expats in China am Theater Basel zur Uraufführung (Premiere: 16.3.2013, Regie: Antje Schupp), ein Monolog-Parcours über das konfliktreiche Aufeinandertreffen mitteleuropäischer und chinesischer Kulturstandards. 49 INGRID L AUSUND Peter Turrini Aus Liebe Michael Weber, 40 Jahre alt, ist schon ein paar Jahre zu lange Assistent eines Parlamentsabgeordneten. Seine Ehe ist zerrüttet, Schulden plagen ihn. Er sucht sich käuflichen Trost, aber auch das will nicht mehr so recht gelingen. Das Stück skizziert in pointierten, tragikomischen Kurzszenen den unaufhaltsamen (?) Abstieg des Normalbürgers Weber. Bis der sich im Baumarkt eine »Hacke« zulegt, um seinen Nächsten Gewalt anzutun. Turrini hat einen modernen Woyzeck geschrieben – unter heutigen gesellschaftlichen Vorzeichen. Die Unterdrückungsverhältnisse sind subtiler, gleichwohl bestimmen uralte Mächte, Triebe und Affekte das Leben. Es geht um Symptome eines Systems, das Menschen planmäßig verschleißt. Und das Stück macht es sich und uns dabei nicht leicht, weil es einfache Identifikationen unmöglich macht. Weber zeigt sich in seiner entgrenzten Gewalt nicht nur als Opfer der Verhältnisse, als Scheiternder, Verlierer, von Frau und Lohngeliebten Zurückgewiesener, sondern als (Mit-)Täter. Das zentrale Geschehen um den plötzlich entsicherten Weber ist in eine Reihe von Nebenhandlungen eingebettet, die sich final verschränken: Eine alte Frau begeht kultivierten Mundraub, die Polizei bemüht sich auf drastische Weise um Nachwuchs, die Prostitution ist auch nicht mehr das, was sie einmal war. Und der liebe Gott streicht immer wieder als »Sandler« über die Szene und versucht erfolglos, seine alten Botschaften loszuschlagen. Ein großes Stück mit zahlreichen, wunderbar angeschrägten und lebensprallen Rollen, das Peter Turrini für das Wiener Theater in der Josefstadt geschrieben hat. (7 D, 11 H, Mehrfachbesetzungen möglich) Uraufführung: 16. Mai 2013, Theater in der Josefstadt, Wien Regie: Herbert Föttinger »Was findet alles im Zusammenhang mit einem Mord statt? Wenn jemand seine Familie mit einer Axt umbringen will und in den Baumarkt geht, um eine solche zu kaufen, wie läuft sein Gespräch mit dem Verkäufer ab? (…) Ich möchte mich der großen Frage nach dem ›Warum‹ mit scheinbar kleineren Fragen nähern. Vielleicht erfährt man etwas über das Zentrale, das Mörderische, indem man die Peripherie abschreitet? Und vielleicht ist unsere Gesellschaft eine generell ›mörderische‹? Vielleicht verbergen sich hinter den sichtbar gewordenen Taten von wenigen die verborgenen Abgründe von vielen?« Peter Turrini 50 Foto: Astrid Bartl Peter Turrini, geboren 1944 in St. Margarethen in Kärnten, wuchs in Maria Saal auf und war von 1963 bis 1971 in verschiedenen Berufen tätig. Seit 1971 freier Schriftsteller, lebt in Kleinriedenthal bei Retz. Mit seinem ersten Theaterstück Rozznjogd (Uraufführung 1971 am Wiener Volkstheater) wurde Turrini schlagartig bekannt. Es folgen Stücke, u.a. Sauschlachten, Münchner Kammerspiele 1972; Josef und Maria, Volkstheater Wien 1980; Die Minderleister, Akademietheater Wien 1988; Alpenglühen, Burgtheater Wien 1993; Die Liebe in Madagaskar, Akademietheater 1998; Die Eröffnung, Schauspielhaus Bochum 2000; Ich liebe dieses Land, Berliner Ensemble 2001; Der Riese vom Steinfeld, Wiener Staatsoper 2002; Da Ponte in Santa Fe, Salzburger Festspiele 2002; Bei Einbruch der Dunkelheit, Stadttheater Klagenfurt 2006; Mein Nestroy, Theater in der Josefstadt Wien 2006; Jedem das Seine (gemeinsam mit Silke Hassler), Stadttheater Klagenfurt 2007; Die Minderleister (Neufassung), Schauspielhaus Graz 2007; Der Diener zweier Herren (frei nach Goldoni), Theater in der Josefstadt 2007; Die Wirtin (frei nach Goldoni, Neufassung), Theater in der Josefstadt 2009; Die Liebe in Madagaskar (Neufassung), Stadttheater Walfischgasse Wien 2010; Campiello (frei nach Goldoni, Neufassung), Theater in der Josefstadt 2011; Silvester, Stadttheater Klagenfurt 2011; Endlich Schluß (Neufassung), Theater in der Josefstadt 2012. Gedichtbände, Drehbücher, Reden und Essays. Zahlreiche Auszeichnungen (zuletzt Nestroypreis 2010 für das Lebenswerk). Turrinis Werke wurden in über dreißig Sprachen übersetzt, seine Stücke werden weltweit gespielt. Im Suhrkamp Verlag erscheint eine umfassende Werkausgabe. 51 JUNGES PROGRAMM Anna Maria Jokl Die Perlmutterfarbe Schule des Lebens Ein Kinderroman für fast alle Leute I Für die Bühne bearbeitet von Christoph Nußbaumeder Itta Shedletzky, Nachlassverwalterin von Anna Maria Jokl, im Gespräch Von der Schulbank des Maulwurf, einem der beliebtesten Schüler der »A-Klasse«, verschwindet ein Töpfchen mit selbstgemachter Farbe, der Perlmutterfarbe. Bald scheint klar, dass nur die »B-Klasse« hinter dem Verschwinden stecken kann. Dass Alexander, der beste Freund von Maulwurf, mehr mit dieser Geschichte zu tun hat, als ihm selbst lieb ist, weiß nur Gruber. Gruber ist neu in der Klasse, und sein Ziel, Freundschaften zu zerstören und Feindschaft zu säen zwischen der »Aund der B-Klasse«, scheint aufzugehen. Bis Alexander schließlich den Mut findet, öffentlich zu sprechen. Die Perlmutterfarbe. Ein Kinderroman für fast alle Leute begründete Anna Maria Jokls Ruhm als Schriftstellerin. 2009 wurde der Stoff von Regisseur Marcus H. Rosenmüller verfilmt. Nun hat der Dramatiker Christoph Nußbaumeder Die Perlmutterfarbe für die Bühne adaptiert. (15 Mädchen und Jungen, Besetzung variabel, Doppelbesetzungen möglich, ab 11 Jahren) Nina Peters: ›Die Perlmutterfarbe‹ entstand während Anna Maria Jokls Exilzeit in Prag. Was ist für Sie das Besondere an diesem Buch? Uraufführung: 7. November 2013 Junges Schauspielhaus Düsseldorf Regie: Annette Kuß Anna Maria Jokl, 1911 als Tochter jüdischer Eltern in Wien geboren, kam in den 20er Jahren nach Berlin. Sie war Schauspielelerin bei Erwin Piscator, arbeitete erfolgreich für den Rundfunk. Nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten floh sie nach Prag. Als die Deutschen in die Tschechoslowakei einmarschierten, floh Jokl über Polen nach London. Dort begann Anna Maria Jokl eine Ausbildung zur Psychotherapeutin, die sie bei C. G. Jung in Zürich abschließen wollte. 1951 kehrte Jokl zurück nach Berlin und wurde schließlich aus Ostberlin ausgewiesen. In Deutschland wurde Anna Maria Jokl nicht mehr heimisch, sie ging nach Israel. In Jerusalem, wo die Schriftstellerin und Psychotherapeutin seit 1965 lebte, starb sie im Oktober 2001 mit 90 Jahren. Jokls Leben war durch Flucht, Krieg und Exil geprägt. Ihre Mutter und ihren Stiefvater, die 1942 aus ihrer Wohnung in Berlin-Tiergarten deportiert wurden, hat Anna Maria Jokl nie mehr gesehen. Jokl hat ein schmales literarisches Werk hinterlassen, darunter auch Aus sechs Leben, Aufzeichnungen und Briefe aus Jokls Nachlass, die Zeugnis geben von dieser außergewöhnlichen Biografie. Im Prager Exil entstanden Die wirklichen Wunder des Basilius Knox und Die Perlmutterfarbe, ein Roman über Freundschaft und Verrat zweier rivalisierender Schulklassen, der zum Welterfolg wurde. Ihr Gesamtwerk wurde 1995 mit dem Hans-Erich-Nossack-Preis ausgezeichnet. Als Die Zeit 2002 in einer Jury aus Kritikern, Lehrern, Schülern und Schriftstellern einen »literarischen Kanon für Schüler« ab zehn Jahren vorstellte, war Die Perlmutterfarbe selbstverständlich dabei. Weitere Angebote für das Kinder- und Jugendtheater finden Sie auf www.suhrkamptheater.de/jungesprogramm Itta Shedletzky: Anna Maria Jokl gelingt es, exemplarische Personen, Kinder und Erwachsene, in einer spannenden Handlung agieren zu lassen. Die Spannung und die Lebendigkeit des Buches ergeben sich nicht aus einer äußeren Handlung, sondern aus den Figuren selbst, aus ihrer Haltung, aus ihren Entscheidungen. Gruber lügt, und wie die Menschen auf die Lüge von Gruber reagieren, wie die Menschen aus dieser bestimmten Konstellation sich verhalten, das ist das Besondere dieses Buches. Anna Maria Jokl betrieb »Seelenerfahrungskunde«, ihre Figuren sind differenziert und tief. Dabei ist sie keine allwissende Autorin, die sich direkt und belehrend an die Kinder wendet. Ich glaube, auch das ist eine große Qualität des Buches. Anna Maria Jokl hatte einen bemerkenswert scharfen Blick auf das Individuum und seine Rolle in der Gesellschaft. In diesen beiden Klassen findet man »die Ängstlichen, Feigen, die Aufrichtigen, Mutigen, die Dumpfen, die Gewitzten, die wirklich Schuldigen und die Mitläufer, die Unterdrückten und Entrechteten«, so der Kölner Psychoanalytiker Klaus Röckenrath. Haben Sie eine Lieblingsfigur in diesem Buch? Ja, absolut. Das ist der Maulwurf … Maulwurf ist der beste Freund von Alexander. Gruber nutzt die Schwäche von Alexander aus, er setzt ihn unter Druck und zieht Alexander auf seine Seite. Gruber zerstört die Freundschaft zwischen Alexander und Maulwurf … Maulwurf ist für Anna Maria Jokl eine Idealfigur, die sie allerdings plausibel darstellt. In der Diskussion zu dem Buch geht es oft um die Zeitgeschichte und die Handlung, Jokl schrieb das Buch ja nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten. Was dieses Buch so besonders macht und was man vielleicht nicht immer so beachtet, das sind die Familienkonstellationen der Figuren, vor allem bei den Hauptfiguren. Bei allen diesen Figuren fehlt ein Elternteil. Alexander hat keinen Vater, Gruber keine Mutter, Maulwurf gar keine Eltern. Das ist ein autobiografisches Moment, denn Anna Maria Jokl hatte ihren leiblichen Vater früh verloren. Ihre Mutter hatte sie als hilflos empfunden, sie war jemand, auf den sich Jokl nicht verlassen konnte. Bei Maulwurf entwirft sie eine Konstellation, in der beide Eltern bei einem Unfall ums Leben gekommen sind. Maulwurf wohnt bei seinem Onkel Ernst, einem Physiker, der auch sein Mentor ist. Dieser Onkel Ernst nimmt ihn ernst. Und ich glaube, diese Konstellation ist für Anna Maria Jokl eine Möglichkeit, wie ein Kind, das keine Eltern hat, mit einem Erwachsenen aufwächst, der es ernst nimmt, der eine verantwortliche Vertrauensperson ist, die sich um den Jungen kümmert. Das ist eine Idealfigur, aber sie ist ja auch realistisch dargestellt. »Weil sich die Geschichte nicht holzhammerartig mit dem Naziterror auseinandersetzt, sondern die Mechanismen von Vorurteilen und Ausgrenzungen deutlich macht, gelingt es dem jungen Team, das Premierenpublikum 90 Minuten in den Bann zu ziehen. (…) Ein Stück (…), das zur Diskussion über Widerstand, Macht und Mut auffordert.« Pamela Broszat, Der Westen 52 53 JUNGES PROGRAMM »Es gibt nicht viele Bücher, in denen ein ganzes Zeitalter vor uns aufsteht.« Sybil Gräfin Schönfeldt in der ›Süddeutschen Zeitung‹ über ›Die Perlmutterfarbe‹ Im Buch gibt es einen Lehrer, der schließlich die Befriedung der verfeindeten Situation zwischen den Klassen herbeiführt. Er ist ein auffallender Sympathieträger. Bei der erneuten Lektüre des Buches ist mir noch einmal aufgefallen, wie wichtig es ist, dass der Lehrer ein Mathelehrer ist. Die Mathematik und die Physik waren für Anna Maria Jokl die wichtigsten Wissenschaften, weil es objektive Wissenschaften sind. Und weil sie eigentlich nichts mit Menschlichkeit zu tun haben, die Menschlichkeit der Menschen liegt woanders. Aber wenn ein Mathematiker und ein Physiker menschlich sind, dann ist das das Ideal. (lacht.) Es ist auch typisch, dass er einen äußerlichen Fehler hat, er hat krumme Beine. Das heißt, das Äußerliche ist nicht wichtig. Der Magnetmaxl ist so, wie Anna Maria Jokl den Erwachsenen empfehlen würde, zu handeln: Sie müssen flexibel sein, je nach Situation sich einmischen oder sich zurückhalten, wichtig ist, dass sie die Kinder ernst nehmen und beschützen, dass sie sich immer in verantwortlicher Weise um die Kinder kümmern. Anna Maria Jokl hat immer gesagt, es hätte sich als Kind niemand in diesem Sinne um sie gekümmert. Anna Maria Jokl begann in Prag, Kinderromane zu schreiben. Zunächst ›Die wirklichen Wunder des Basilius Knox‹ sowie ›Die Perlmutterfarbe‹. Dabei scheint Jokls Impuls, für Kinder zu schreiben, einer zu sein, der sich aus dem Zweifel am Gelingen von Kommunikation ergibt. Im Januar 1939 notiert die Schriftstellerin: »Ich schreibe meine Kinderbücher doch nicht für Kinder, sondern so, wie ich mir wünschte, mit Erwachsenen sprechen zu können.« 54 Das bezieht sich sowohl auf die Kinder als auch auf die Erwachsenen. Es geht ihr im Grunde um die Verantwortung der Erwachsenen, dass sie die Kinder ernst nehmen, auch mit ihren Schwächen. Jokl erkennt ja die Schwächen der Menschen an, wenn sie nicht böse und gemein sind. Erwachsene sollten, wenn sie verantwortliche Bezugspersonen sind, Kinder so erziehen, dass diese auf ihren eigenen Beinen stehen. Und darin ist Jokl natürlich eine Aufklärerin: Die Kinder sind die große Hoffnung der Menschheit. Es geht ihr auch um die Erziehung des Menschengeschlechts, sie beobachtet die Individuen und zeigt, wie man sich in ganz alltäglichen Situationen, die man auch erfinden kann, so verhalten muss, dass eine Erziehung des Menschengeschlechts funktioniert. Das Manuskript des Buches hat eine abenteuerliche und berührende Geschichte, die im Zusammenhang steht mit Jokls Flucht aus Prag nach London. Anna Maria Jokl war in die Französische Botschaft in Prag geflüchtet und hatte sich dort mit zwei Angestellten angefreundet. Ihnen hatte sie das Manuskript zur Verwahrung gegeben. Von einem Fluchthelfer ist sie dann über die polnische Grenze nach Kattowitz gebracht worden. Als sie auf der Flucht in einer Hütte übernachten mussten, hat dieser sie nachts gefragt, was sie am meisten bereut, zurückgelassen zu haben. Und da nannte sie dieses Manuskript. Er hat es auf sich genommen, dieses Manuskript zu retten und es ihr zu bringen. Als Grund nannte er später, es habe ihn beeindruckt, dass sie auf seine Frage so geantwortet habe, während andere Möbel oder Schmuck genannt hätten. In ›Die Perlmutterfarbe‹ wird die Frage nach der »Kollektivschuld«, die nach dem Dritten Reich gestellt wird, vorweggenommen. Wurde das schon 1947 so reflektiert, als das Buch in Deutschland erschien? Nun singen sie wieder von Max Frisch, das haben wir Anfang der 1960er-Jahre im Gymnasium in Zürich gelesen, und es gab damals auch eine Diskussion über die Kollektivschuld. Und ich habe erst im Nachhinein verstanden, dass mein Lehrer, den ich sehr schätzte, den Deutschen die Kollektivschuld gegeben hat. Frischs Stück wurde 1945 in Zürich uraufgeführt, und man hat diesem Stück ja auch seine Neutralität vorgeworfen, dass es keine Schuldigen gibt. In Die Perlmutterfarbe gibt es im Grunde auch keinen Schuldigen, bei Gruber stellt Jokl den familiären Hintergrund vor und damit die Gründe, warum dieser Junge so wurde, wie er ist. Und gegen das Überhandnehmen der Gemeinheit gibt es in diesem Buch ein Mittel, und das ist der Mut, die Zivilcourage, einen Fehler zu gestehen. Ich glaube, in Albert Gruber steckt schon Hitler. Das A von Adolf und der Gruber von Schicklgruber. Jokl hat untersucht, wie Unterdrückung und Diktatur im Kleinen anfangen, in ganz alltäglichen Situationen. Ihre Schule des Lebens hat ihr den scharfen Blick gegeben. Itta Shedletzky, geboren 1943 in Zürich, lehrte deutsche Literatur an der Hebräischen Universität Jerusalem und hatte wechselnde Gastprofessuren. Sie hat im Auftrag des Leo Baeck Instituts die Briefe Gershom Scholems herausgegeben und ist Mitherausgeberin der Kritischen Ausgabe der Werke und Briefe Else Lasker-Schülers. Über Anna Maria Jokl schrieb sie u.a. 2010 in Aus sechs Leben (Jüdischer Verlag im Suhrkamp Verlag). 280 S. Broschur. € 8,99 (978-3-518-46039-9) 368 S. Geb. € 22,90 (978-3-633-54245-1) »Am Ende hat man gelernt, wie falsch gesetzte Autorität Menschen entmündigen und zu unrechten Taten verleiten kann. Und man hat gesehen, wie aus einer Lüge 1000 Lügen geworden sind. Ein Stück zum Lernen, bei dem allerdings im Vordergrund die Kraft des Erzählens steht.« Annette Bosetti, Rheinische Post 55 JUNGES PROGRAMM Ruth Johanna Benrath Klassenkämpfe Tarek, Alexandra, Beatrice und Marcel sind die Klasse. Und Günter Fischer, seit dreißig Jahren Lehrer für Latein, Geschichte und politische Weltkunde, ist der neue Lehrer an der Schule. Er soll die vier auf die Abschlussprüfung vorbereiten. Fischers elitäres Bildungsideal geht weit über den Horizont der meisten Schüler hinaus. Und das Menschenbild des Pädagogen, der von einem Direktor einst zum »Menschenfischer« geadelt wurde, entspricht schon lange nicht mehr der Lebenswirklichkeit der Jugendlichen. Während Fischer glaubt, jeden Einzelnen nach seinen Vorstellungen formen zu können, formuliert Marcel in »Politischer Weltkunde« stellvertretend für die Klasse: »Wir brauchen niemanden, der uns die Geschichte erklärt, wir machen die Geschichte selbst.« Fischers Erziehungskonzept trägt Züge von Gewalt, und diese richtet sich schließlich gegen ihn selbst. Ruth Johanna Benrath skizziert im Mikrokosmos Schule eine Gemeinschaft, in der die Machtverhältnisse von allen Figuren immer wieder aufs Neue ausbalanciert werden müssen. Mit knappen, scharfen Dialogen und verblüffender Leichtigkeit beschreibt Benrath eine Begegnung zweier Generationen, zwischen denen klare Grenzen verlaufen. (2 D, 3 H, ab 14 Jahren) Ruth Johanna Benrath, geboren 1966 in Heidelberg, aufgewachsen in Mainz, veröffentlichte Lyrik und Kurzprosa in zahlreichen Literaturzeitschriften, u.a. im Jahrbuch der Lyrik. Sie debütierte 2007 mit dem Gedichtband Kehllaute (Lunardi Verlag). 2009 erschien im Steidl Verlag ihr erster Roman Rosa Gott, wir loben dich, 2011 der zweite Roman Wimpern aus Gras bei Suhrkamp. Benraths Arbeiten wurden mit zahlreichen Stipendien gewürdigt, u.a. mit einem Stipendium des Berliner Senats, der Akademie der Künste, mit dem Frau-Ava-Preis und zuletzt mit dem Writer-in-ResidenceStipendium der Max-Kade-Stiftung in Pennsylvania/USA und einem Aufenthaltsstipendium des Landes Rheinland-Pfalz im Künstlerhaus Edenkoben/Pfalz. Frei zur Uraufführung »Wir brauchen niemanden, der uns die Geschichte erklärt, wir machen die Geschichte selbst.« (aus: Klassenkämpfe) 56 Foto: Susanne Schleyer 57 Starke Prosa für die Bühne Ausgewählte Romanvorlagen aus dem Suhrkamp-Programm und aktuelle Theatralisierungen Isabel Allende Das Geisterhaus Originaltitel: La casa de los espiritus Deutsch von Anneliese Botond Ein Roman, der zum Mythos wurde: Erzählt wird die wechselhafte Geschichte der Familie des chilenischen Patriarchen Esteban Trueba und seiner hellsichtigen Frau Clara. Sie führt durch eine Zeit, in der persönliche Schicksale und politische Gewalt eng miteinander verwoben sind. Der Erfolg dieses Buches verdankt sich dem hinreißenden Erzähltemperament Isabel Allendes: Mit Phantasie, Witz und Zärtlichkeit malt die Autorin das bunte Tableau einer Familie über vier Generationen hinweg. Premiere der Bühnenbearbeitung von Antú Romero Nunes und Florian Hirsch im Januar 2014, Burgtheater Wien Regie: Antú Romero Nunes Volker Braun Die hellen Haufen Dietmar Dath Die Abschaffung der Arten Ulrike Edschmid Das Verschwinden des Philip S. Am 1. Mai 1992 demonstrieren 4000 streikende Arbeiter an der ehemaligen deutsch-deutschen Grenze und errichten einen Zaun mit der Aufschrift: »Kein Kolonialgebiet«. Der Protest nimmt immer größere Dimensionen an, man marschiert gen Berlin, debattiert die Belagerung von Erfurt, kurz: es kommt zum großen Arbeiterkrieg. Der Fabulierkraft und -lust, dem Witz und dem Humor Volker Brauns ist es zu verdanken, wenn Die hellen Haufen konkret und einfühlsam, ironisch und bitterernst von einem Aufstand berichten, der nicht stattgefunden hat. Zwar streift ein Heerhaufen Entlassener und Arbeitsloser durch Mitteldeutschland – dass sie aber nicht kämpfen, ist der bittere, süße Faden der Erzählung. Sie sammeln sich auf einem Schlackeberg, dem Schutt ihrer Existenz, die nicht zu verteidigen ist, eines Besitzes, den sie nicht besessen haben, eines Lebens, für das man das seine nicht in die Schanze schlägt. So wird eine Niederlage erfochten und ein Widerstand erdacht. Diese klare, einfache, harte Geschichte musste geschrieben werden. »Was wir nicht zustande gebracht haben, müssen wir überliefern.« Ernst Bloch Das Zeitalter, das wir kennen, ist längst vorbei. Wo einmal Europa war, gibt es nur noch drei labyrinthische Städte, die eher gewachsen sind, als dass sie erbaut wurden. Die Welt gehört den Tieren. Cyrus Golden, der Löwe, lenkt den Staat der drei Städte. Als ein übermächtiger Gegner die neue Gesellschaft bedroht, schickt er den Wolf Dimitri als Diplomaten aus – er soll im einstigen Nordamerika einen Verbündeten finden. Die Nachtfahrt über den Ozean führt den Wolf an den Rand seiner Welt, wo er erkennt, »warum den Menschen passiert ist, was ihnen passiert ist«. Die große spekulative Literatur über Niedergang und Wiedergeburt der Zivilisation reicht von Thomas Morus über H. G. Wells und Jules Verne bis hin zu Stephen King und William Gibson. Dietmar Dath schreibt sie mit diesem Roman fort. Im Mai 1975 stirbt Philip S. beim Schusswechsel mit der Polizei auf einem Kölner Parkplatz. Fast vierzig Jahre später geht eine Frau auf die Suche nach den wenigen Spuren, die er hinterlassen hat, und kehrt zurück in die dramatischste Phase ihres Lebens. Philip S. war ihr Gefährte: ein sensibler, eigenwilliger junger Mensch, der 1967 aus Zürich nach Berlin kam, sich liebevoll um ihr Kind kümmerte und seinen ersten experimentellen Film drehte, während andere gegen den Vietnamkrieg demonstrierten und Institute besetzten. Drei Jahre später wird ihre Fabriketage mehrmals von der Polizei durchsucht. Der sechsjährige Sohn, unbestechlicher Zeuge einer zunehmenden Radikalisierung, tritt den bewaffneten Beamten mit seiner Armbrust entgegen. Als die Mutter und Philip S. verhaftet werden, kann er ihnen nicht mehr beistehen. Ohne es zu wissen, wird er seine Mutter retten. Philip S. dagegen, der sich für die Revolution entschieden hat, setzt sich Schritt für Schritt aus dem gemeinsamen Leben ab. Ulrike Edschmid erzählt vom unaufhaltsamen Verlust eines Menschen, der in den bewaffneten Untergrund geht. Sie wirft einen Blick zurück auf die prägenden Jahre im Leben ihrer Generation – und auf eine Tragödie, die so noch nie beschrieben wurde. Premiere der Rudolstädter Bühnenfassung: 16. Februar 2013, Theater Rudolstadt Regie: Steffen Mensching ▯ Premiere der Senftenberger Bühnenfassung: 14. September 2013, Neue Bühne Senftenberg Regie: Sewan Latchinian ▯ 58 883 S. Geb. € 10,– (978-3-518-46385-7) 96 S. Geb. € 14,90 (978-3-518-42239-7) Bisherige Inszenierungen: ▯ 8. November 2009, Deutsches Theater Berlin, Bühnenfassung und Regie: Kevin Rittberger ▯ 30. April 2010, Staatstheater Mainz, Bühnenfassung und Regie: Martin Oelbermann ▯ 7. Mai 2010, Schauspiel Leipzig, Bühnenfassung und Regie: Martin Laberenz ▯ 2013/14, Hochschule für Schauspiel Ernst Busch Bühnenfassung und Regie: Claudia Bauer 552 S. Broschur. € 12,– (978-3-518-46145-7) Frei zur Dramatisierung 157 S. Geb. € 15,95 (978-3-518-42349-3) 59 STARKE PROSA FÜR DIE BÜHNE Gerhard Fritsch Fasching Anna Katharina Hahn Am Schwarzen Berg Christoph Hein Weiskerns Nachlass Albert Ostermaier Schwarze Sonne scheine »Auf diesem Fasching tanzen wir noch immer. Felix Golub, aus der deutschen Wehrmacht desertiert, überlebt die Zeit bis zur Befreiung als Dienstmädchen verkleidet. Am Ende des Krieges zwingt er den Ortskommandanten ›mit den Waffen einer Frau‹ zur Kapitulation und bewahrt dadurch seine Heimatstadt vor einer sinnlosen Zerstörung. Aus ehemaligen Nazis und Mitläufern werden honorige Bürger, die den ›Feigling in Frauenkleidern‹ schließlich zur Faschingsprinzessin wählen …« Robert Menasse In ihrem Roman erzählt die Autorin die Geschichte zweier benachbarter Paare, die sie in einer befremdlichen Form der Fürsorge für Peter auf seltsame Art zusammenschweißt. Peter, der Sohn des einen Paares, inzwischen selbst erwachsen, Vater zweier Kinder, ist, von seiner Familie verlassen, erschöpft und verzweifelt ins Elternhaus zurückgekehrt. Mit dem Blick in die Innenwelten des Familiären wie des Einzelnen öffnet sich gleichzeitig die Außenwelt, die Gesellschaft, in die die Beteiligten eingebettet sind. Premiere der Bühnenfassung von Eva Lange und Matthias Huber am 3. Mai 2014 am Schauspiel Leipzig Regie: Eva Lange »Anna Katharina Hahn schreibt schonungslos, verwendet äußerst präzise Sprachbilder. Sie seziert diese Menschen, ohne sie jemals zu denunzieren oder sentimental zu werden. Mich interessieren diese Figuren, in ihrer Suche nach Trost und Lebenssinn, ihrer Sehnsucht, ihren Ecken und Kanten, ihrer Lebensunsicherheit, in ihrem Kampf, im Leben zu bestehen, klarzukommen.« Rüdiger Stolzenburg, 59 Jahre alt, hat seit 15 Jahren eine halbe Stelle als Dozent an einem kulturwissenschaftlichen Institut. Seine Aufstiegschancen tendieren gegen null, mit seinem Gehalt kommt er eher schlecht als recht über die Runden. Er ist ein prototypisches Mitglied des akademischen Prekariats. Dieser »Klasse« fehlt jede Zukunftshoffnung: Die selbst gesetzten Maßstäbe an die universitäre Lehre lassen sich nicht aufrechterhalten; die eigene Forschung führt zu keinem greifbaren Resultat. Für das Spezialgebiet des Rüdiger Stolzenburg, den im 18. Jahrhundert in Wien lebenden Schauspieler, Librettisten Mozarts und Kartografen Friedrich Wilhelm Weiskern, lassen sich weder Drittmittel noch Publikationsmöglichkeiten beschaffen. Und dann gibt es große Verwicklungen. Seine Bemühungen, eine ihn ruinierende Steuernachforderung zu erfüllen, machen ihm endgültig deutlich: die Welt, die Wirtschaft, die Politik, die privaten Beziehungen – alles ist prekär. Sie zerbrechen, sie setzen Gewalt frei, geben in großem Ausmaß den Schein für Sein aus. Im Klostergemäuer des Luxemburger Kapuzinertheaters erlebte die Monologfassung von Albert Ostermaiers Roman Schwarze Sonne scheine eine furiose Premiere. Luc Veit überzeugte in der Rolle des jungen Schriftstellers Sebastian, der sich schmerzhaft vom Trauma eines Verrats zu befreien versucht. An ihm sollte eine betrügerische, pseudo-religiöse »Wunderheilung« vollzogen werden – ein besonderer Fall kirchlichen Missbrauchs. »Die Emotionen, die Luc Veit freisetzt, die Leichtigkeit, mit der er durch den komplexen, bilderreichen Text stolziert, und vor allem seine nüchterne Ironie, mit der er die furchtbare Geschichte erzählt, sind ganz großes Theater!«, schreibt das Luxemburger Tageblatt über den dramatischen Befreiungsakt, den das Stück erzählt. Ostermaiers Thriller thematisiert auf eindringliche Weise das Fortwirken ideologischer Strukturen in pseudoreligiösem Gewand. Die konzentrierte Spielfassung des Romans ist verfügbar und für weitere Inszenierungen zu entdecken. (1 H) Christoph Mehler 60 248 S. Broschur. € 8,50 (978-3-518-38978-2) Premiere: 25. April 2014 am Schauspiel Stuttgart Regie: Christoph Mehler ▯ 237 S. Broschur. € 8,99 (978-3-518-46422-9) 318 S. Broschur. € 9,99 (978-3-518-46392-5) Premiere: 28. November 2012, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg/Théâtre des Capucines Regie: Johannes Zametzer ▯ Gastspiele in Berlin, Mülheim, Prag und München ▯ Premiere der Weimarer Bühnenfassung: 8. September 2013, Deutsches Nationaltheater Weimar Regie: Enrico Stolzenburg ▯ Premiere der Senftenberger Bühnenfassung: 14. September 2013, Neue Bühne Senftenberg, Regie: Sewan Latchinian 287 S. Broschur. € 9,99 (978-3-518-46363-5) 61 Schwerpunkt – Erster und In die historische DNA Deutschlands, Europas und der Welt haben sich zwei Daten tief eingeschrieben: 1914 und 1939. Der Beginn der beiden Weltkriege jährt sich 2014 zum hundertsten bzw. zum 75. Mal. Die hier versammelten Stücke und Prosatexte beschäftigen sich auf unterschiedliche, sehr eigene Weise mit diesen Ereignissen. Sie reflektieren die Zeit vor Ausbruch des Infernos, sie erzählen von verheerenden Angriffen, von der zutiefst verstörenden Erfahrung des Krieges, aber auch von der Zeit »danach« und dem Weiterleben … STÜCKE Edward Bond Rot, schwarz und ignorant Edward Bond Die Konservendosenmenschen Originaltitel: Red, Black and ignorant Erster Teil der Trilogie »The War Plays« Deutsch von Karin Graf und Clive Winter Originaltitel: The Tin Can People Zweiter Teil der Trilogie »The War Plays« Deutsch von Karin Graf und Clive Winter Zu Beginn dieses Stückes von Edward Bond wird ein »Monster« während eines Atomangriffs als Embryo aus dem Mutterleib geschleudert. Dieses Monster, das tot geboren wurde, absolviert ein gleichnishaftes Leben: In der Schule zu Angst und Hass erzogen, verkauft es später seinen eigenen Sohn, der, in der Armee zur Tötungsmaschine ausgebildet, den Vater erschießt. »Rot an den Händen, schwarz im Herzen und ignorant in den Köpfen«, so zeichnet Bond die Regierenden als Verantwortliche des Atomkriegs. (5 D, 5 H) »Wir lernen nicht aus den Fehlern der anderen – meistens nicht einmal aus den eigenen.« Die Erde ist nach dem großen atomaren Krieg in ein riesiges Leichenfeld verwandelt. Eine kleine Gruppe von Menschen lebt wie zu Beginn der Zivilisation und wähnt sich, traumatisiert, im Paradies. Aber bereits ein einziger Unbekannter bringt die Gruppe derart ins Ungleichgewicht, dass vergessen geglaubte Aggression und Hysterie wieder zutage treten. Die Waffe wird neu erfunden. (4 D, 3 H) Uraufführung: 29. Mai 1985, Royal Shakespeare Company, Barbican Pit London Regie: Edward Bond und Nick Hamm ▯ Deutschsprachige Erstaufführung: 26. Juni 1988 Theater Coprinus Zürich Regie: Hanspeter Müller ▯ Uraufführung: 29. Mai 1985, Royal Shakespeare Company, Barbican Pit London Regie: Edward Bond und Nick Hamm ▯ Deutsche Erstaufführung: 14. April 1988 Theater Bonn Regie: Ina-Kathrin Korff ▯ 62 Zweiter Weltkrieg Edward Bond Großer Frieden Originaltitel: Great Peace Dritter Teil der Trilogie »The War Plays« Deutsch von Karin Graf Eine Mutter füttert zwei Kleinkinder, das eigene und das der berufstätigen Nachbarin. Dann legt sie sie auf die Wickelkommode und geht, um ihrem Sohn Zigaretten zu kaufen. Der hat Urlaub von der Armee. Doch die Frau weiß nicht, dass der Sohn mit einem Auftrag in die Heimat zurückgekehrt ist: Das Militärregime hat den Massenmord an Kindern unter fünf Jahren angeordnet. Denn der Atomkrieg hat begonnen, die Wirtschaft liegt am Boden, und jeder Mensch, der den Kampf dieses totalitären Staates nicht unterstützen kann, ist ein »unnützer Fresser«. »Verleichen« heißt die Parole. (5 D, 1 H) ▯ Uraufführung: 17. Juli 1985, Royal Shakespeare Company, Barbican Pit London Regie: Nick Hamm ▯ Deutsche Erstaufführung: 22. Januar 1988 Theater Bonn Regie: Peter Eschberg Thomas Brasch Frauen. Krieg. Lustspiel Die Zeitungsnotiz aus dem Berlin von 1920 könnte etwa so lauten: »Die 25-jährige verwitwete Rosa G. muss sich vor dem Amtsgericht verantworten, ihr eigenes Kind umgebracht zu haben. Angezeigt wurde die Angeklagte von ihrer Freundin Klara B., die wie sie als Wäscherin bei der Wäscherei K. beschäftigt ist und möglicherweise aus später Rache handelte: Die Frauen hatten mit dem Wäscheausfahrer Johannes G., der am 6. Juni 1916 vor Verdun gefallen ist, beide ein Verhältnis, ehe der Verstorbene Rosa ehelichte. Nach der Nachricht von seinem Tode meldeten sich die beiden Frauen als Krankenschwestern an die Front. Die An- geklagte Rosa G. soll auch in einem Feldbordell gearbeitet haben und stellt in Abrede, zu wissen, wer der Vater des Kindes ist.« (2 D, 7 H) Uraufführung: 10. Mai 1988, Wiener Festwochen Regie: George Tabori ▯ Deutsche Erstaufführung: 14. Januar 1990 Deutsches Schauspielhaus Hamburg Regie: Uli Heising ▯ Bertolt Brecht Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui Dieses Theaterstück, 1941 in der Emigration entstanden, zeigt den Aufstieg Hitlers zur Macht bis zum Jahre 1938. Die NS-Großfunktionäre erscheinen als Chicagoer Gangster und reden in den glatten Jamben des deutschen klassischen Dramas. Durch die doppelte Verfremdung werden die Ereignisse jener Jahre erkennbar nicht als schicksalhaftes Verhängnis, sondern als die Konsequenz der herrschenden Verhältnisse: Faschismus ist die noch immer mögliche Fortsetzung der Geschäfte mit anderen Mitteln. (3 D, 28 H, Doppelbesetzungen möglich) Uraufführung: 10. November 1958, Staatstheater Stuttgart Regie: Peter Palitzsch Bertolt Brecht Schweyk im zweiten Weltkrieg / Schweyk Stück in 8 Bildern Im Schweyk sieht Brecht den »echt unpositiven Standpunkt des Volkes, das eben das einzige Positive selbst ist und daher zu nichts anderem ›positiv‹ stehen kann«. Schweyk ist »lediglich der Opportunist der winzigen Opportunitäten, die ihm geblieben sind. Er bejaht aufrichtig die bestehende Ordnung, soweit er eben ein Ordnungsprinzip bejaht, sogar das Nationale, das er nur als Unterdrückung trifft. 63 ERSTER UND ZWEITER WELTKRIEG Seine Weisheit ist umwerfend. Seine Unzerstörbarkeit macht ihn zum unerschöpflichen Objekt des Missbrauchs und zugleich zum Nährboden der Befreiung.« (3 D, 12 H, Doppelbesetzungen möglich) Uraufführung: 17. Januar 1957, Theater der polnischen Armee Warschau ▯ Deutsche Erstaufführung: Ost: 1. März 1958, Städtische Bühnen Erfurt Regie: Eugen Schaub West: 20. Juni 1959, Schauspiel Frankfurt Regie: Harry Buckwitz ▯ Tankred Dorst Eiszeit Mitarbeit Ursula Ehler Nach dem Zweiten Weltkrieg in Norwegen: Ein berühmter alter Dichter ist in einem Altersheim interniert. Widerwillig muss er sich die Frage nach seiner Mitschuld an den Gräueltaten des Naziregimes in seinem Land stellen lassen. Die extra für ihn ins Leben gerufene Untersuchungskommission steht vor einer schwierigen Aufgabe. Denn für alle Anschuldigungen hat der Alte stets eine störrische Erklärung, und sei es die, dass er alles vergessen habe. (4 D, 8 H) Uraufführung: 15. März 1973, Schauspielhaus Bochum Regie: Peter Zadek Marguerite Duras Hiroshima Mon Amour Deutsch von Walter Maria Guggenheimer Eine Französin und ein Japaner erleben zwölf Jahre nach dem Angriff auf Hiroshima eine kurze Liebesgeschichte. Selbst dem Zweiten Weltkrieg entkommen, versuchen sie, der Katastrophe von Hiroshima die Liebe zweier Menschen entgegenzusetzen. Das Stück macht Schluss mit der Schilderung des Entsetzlichen durch das Entsetzliche, lässt das Entsetzen wiederauferstehen aus der Asche und sich ein- 64 prägen in eine Liebe, die gerade durch den Ort des Entsetzens ihre Tiefe und Glaubwürdigkeit erfährt. (2 D, 3 H) Werner Fritsch Schwejk? Uraufführung: 20. August 1989, Aufführung als szenisches Oratorium: Alte Oper Frankfurt am Main Regie: Frank Moritz Es gibt in der Weltliteratur Helden, die ihren Büchern entstiegen sind, sich mitten unter den Menschen angesiedelt haben und ihr eigenes Leben führen, unabhängig von ihrem Autor und dessen Sujet. Einer von diesen Helden ist der von Jaroslav Hasek erdachte Schwejk. Werner Fritsch hat den Titel seines Volksstücks mit einem Fragezeichen versehen. Man ahnt: um eine Adaption des Hasek-Romans kann es sich nicht handeln. Vielmehr lässt Fritsch seine Figuren im Geist des braven Soldaten agieren, lässt sie die Beschränktheit militärischer Logik und die Absurdität der Kriege entlarven. (5 D, 8 H) Hans Meyer-Hörstgen Kaiserwetter Wilhelm, Kaiser von Preußen, veranstaltet mit seiner Frau Auguste Viktoria eine Séance. Bedeutende Gäste sind eingeladen: Theobald von Bethmann Hollweg, Reichskanzler, und Helmuth von Moltke, Generalstabschef. Franz Ferdinand, habsburgischer Thronfolger, wurde soeben in Serbien ermordet, und die Geister sollen, so sie denn erscheinen, einen politischen Rat geben. Nach anfänglichen Schwierigkeiten erscheint der tote Franz Ferdinand tatsächlich – in Gestalt des Kammerdieners. Schnell ist klar: Ferdinand will Rache. Deutschland zieht in den Ersten Weltkrieg. Und zwar mit einer ausgelassenen Polonaise. (1 D, 4 H) Frei zur Uraufführung Werner Fritsch Enigma Emmy Göring Der Monolog einer Frau, die entweder die übriggebliebene Gattin ihres Hermann ist oder eine Frau, die glaubt, diese zu sein: auf jeden Fall der Monolog einer Schauspielerin. Alles, was sie erzählt, ist so grässlich harmlos, dass den lachenden Zuhörern die Haare zu Berge stehen. Emmy, die ihre Schauspielerkarriere der Repräsentation im Zentrum der Macht geopfert hat, spricht nicht nur mit Hermann, Adolf und Gustaf, sondern auch als Hermann, Adolf und Gustaf. (1 D) Uraufführung: 22. Februar 2004 Hessisches Staatstheater Darmstadt Regie: Werner Fritsch Uraufführung: 14. Februar 2003, Landestheater Linz Regie: Gerhart Willert Werner Fritsch Sense Lukas, ein vereinsamter Bauer mit generationstypischen Erlebnissen im Russlandkrieg, der für ihn der einzige Ausbruch aus seiner engen Lebenswelt war, empfindet sich heute als Opfer von EG, fremden Einflüssen und maroden Zeitläufen. So schief sein Bild von der Welt auch ist, so eigen ist seine Sprache, deren Bilderwelt zur ungewollten Offenbarung seiner Wünsche wird. (1 H) Uraufführung: 9. Oktober 1993, Schauspiel Bonn Regie: Werner Fritsch Albert Ostermaier Vatersprache jedoch mit allen Vätern, sowohl mit denen der Kriegs- als auch mit denen der 68er-Generation. Im Bild, das Wolf sich vom Vater macht, zeigen sich immer mehr und unverkennbar die eigenen Züge. Der Monolog wird zu einer Konfrontation mit den eigenen Lebenslügen, zu einer Selbstabrechnung, in der alle vermeintlichen Sicherheiten auf dem Prüfstand stehen. (1 H) Uraufführung: 31. August 2002, Ruhr Triennale Essen Regie: Matthias Hartmann Albert Ostermaier Zwischen zwei Feuern Tollertopographie Am Vorabend des 2. Weltkrieges. Im New Yorker Exil durchleidet Ernst Toller seinen letzten Tag. Ostermaiers Stück entwirft eine Topographie der Künstlerseele: Tollers Alter Ego, Tollkirsch, führt ihm immer wieder sein Scheitern vor Augen und hetzt ihn so zu Tode. (2 H) Uraufführung: 31. August 2002, Ruhr Triennale Essen Regie: Matthias Hartmann Peter Weiss Die Ermittlung Auf den Dokumenten des Auschwitz-Prozesses basierend, lässt Weiss Richter, Zeugen und Angeklagte auftreten. Seine szenische Collage dient insbesondere der Anklage der deutschen Großindustrie, die Nutznießer der KZ-Greuel gewesen ist. (2 D, 28 H, Doppel- und Mehrfachbesetzung möglich) Ringuraufführung an über 14 Theatern: 19. November 1956 Wolf, ein junger Mann, kommt nach Jahren im Ausland in seine deutsche Heimat zurück, um das Erbe seines verstorbenen Vaters anzutreten: eine leere Wohnung – nichts als ein Schrank. Wolf führt in einem Frage- und Antwortspiel die Auseinandersetzung mit dem Verstorbenen, bald 65 ERSTER UND ZWEITER WELTKRIEG PROSA Marcel Beyer Flughunde Flughunde sind fledermausähnliche Flattertiere mit hundeartigem Kopf. Für Hermann Karnau sind sie von Kindheit an Sinnbild einer Welt, die vor dem Zugriff fremder Stimmen geschützt ist. Die Stimme ist der Fetisch des Akustikers Karnau, der 1940 den Plan fasst, systematisch das Phänomen der menschlichen Stimme zu erkunden. Die eine Erzählstimme gehört Hermann Karnau, dessen Namen der Autor einem Wachmann im Berliner Bunker unter der Reichskanzlei entliehen hat. Die andere gehört der achtjährigen Helga, einer Tochter des Propagandaministers. Immer wieder kommt es zu Begegnungen der beiden, zuletzt im April 1945, als Karnau in Berlin ist, um die Führerstimme aufzuzeichnen. Ein Zeitsprung führt in den Sommer 1992. Hermann Karnau, der nach dem Krieg untertauchen konnte, findet in seinem Plattenarchiv die Stimmen, die Gespräche von Helga und Helgas Geschwistern während ihrer letzten Tage und Nächte wieder. Auch den Kindern hat er die Stimmen – bis zum letzten Atemzug – abgelauscht. Marcel Beyer Kaltenburg Wer ist Kaltenburg? Ein Ornithologe und Verhaltensforscher, der nach dem Krieg in Dresden ein Forschungsinstitut aufbaut. Ein Exzentriker, der den Dienstwagen samt Stasi-Chauffeur stehen lässt und Motorrad fährt. Für Hermann Funk, der seine Eltern in der Dresdner Bombennacht verlor, wird er zum Ziehvater. Als alter Mann erinnert sich Funk: an die Gründung des Institutes und der DDR, an Kaltenburgs plötzliches Verschwinden nach dem Mauerbau, an ein möglicherweise dunkles Kapitel in dessen Vergangenheit. Vor dem Hintergrund von einem halben Jahrhundert DDR-Geschichte erzählt Marcel Beyer in seinem hochgelobten Roman meisterlich von menschlichen Lebensläufen. 66 André Kaminski Nächstes Jahr in Jerusalem Gert Ledig Stalinorgel Hans Erich Nossack Der Untergang Nächstes Jahr in Jerusalem erzählt die Geschichte zweier jüdischer Familien in wirrer Zeit, im von Krieg und Revolution erschütterten Europa vor, im und nach dem Ersten Weltkrieg – und ist doch alles andere als eine traurige Geschichte. »Gert Ledigs Stalinorgel zeigt den Kampf um eine Höhe bei Leningrad 1942 als puren Wahnsinn, als absurdes Horrorspektakel: ein radikales Buch, wie es in der deutschen Nachkriegsliteratur ohne Beispiel ist - am ehesten vergleichbar mit späteren Kriegsromanen amerikanischer Provenienz wie Joseph Hellers Catch-22 (1961) oder Kurt Vonneguts Schlachthof 5 (1969).« Volker Hage Im Jahre 1943, drei Monate nach dem »Untergang Hamburgs«, hat Hans Erich Nossack Rechenschaft abgelegt über eine Katastrophe, deren Zeuge er war. »Das Schicksal hat es mir erspart, eine Einzelrolle dabei zu spielen ... Für mich ging die Stadt als ein Ganzes unter, und meine Gefahr bestand darin, schauend und wissend durch Erleiden des Gesamtschicksals überwältigt zu werden.« Was unter dem Zwang des grauenvoll Erlebten niedergeschrieben wurde, ist das Beweisstück, dennoch überlebt zu haben. Alexander Kluge Der Luftangriff auf Halberstadt am 8. April 1945 Alexander Kluges Erzählung über die Luftangriffe auf deutsche Städte: eine analytisch-kühle Darstellung des Zerstörungswerks, die inmitten des Infernos jenen Rest an Selbstbehauptung und Rationalität sondiert, der noch die Zusammenhänge der Katastrophe als verständlich und künftige Auswege als möglich erscheinen ließ. Siegfried Kracauer Ginster Ein »Drückeberger« als Held: Ginster ist 25, als der Erste Weltkrieg ausbricht, ein begabter Frankfurter Architekt. Der patriotischen Begeisterung seiner Zeitgenossen steht er skeptisch gegenüber, und er lässt sich immer wieder vom Kriegsdienst zurückstellen – das Vaterland braucht seine Architekten schließlich nicht an der Front, sondern zu Hause. Doch dann ereilt auch Ginster der Gestellungsbefehl. Weit weg von den Schlachtfeldern lernt er, mit militärischer Präzision ein Bett zu bauen, zu schießen und »gegen die Feinde Kartoffeln zu schälen«. Und es festigt sich in ihm die Überzeugung, dass all diese Übungen nicht dem Krieg dienen, sondern der ganze Krieg ein Vorwand für die Übungen ist. Gert Ledig Vergeltung Ein geradezu apokalyptischer Antikriegsroman: die schonungslose Darstellung eines 70-minütigen, mittäglichen Bombenangriffs der amerikanischen Luftwaffe auf eine ungenannte deutsche Stadt gegen Ende des Zweiten Weltkriegs, in dessen Verlauf eine hohe Anzahl von Zivilisten und Militärangehörigen ums Leben kommt. Die Ereignisse werden dabei sowohl aus deutscher als auch aus amerikanischer Perspektive mit großer Direktheit und ohne Aussparung grausamer Details geschildert. Hermann Lenz Neue Zeit 1975 zum ersten Mal erschienen, zählt Neue Zeit zu den fesselnden Büchern innerhalb der Lenz’schen »Biographie des 20. Jahrhunderts«. Die neue Zeit, die Zeit des Nationalsozialismus und des Zweiten Weltkriegs, ist für Hermann Lenz’ Alter Ego Eugen Rapp eine Zeit der Ausgrenzung, des äußeren Zwangs. Der Münchner Kunstgeschichtsstudent, schon bald verlobt mit Hanne Trautwein, muss 1940 als Soldat zunächst den »Frankreichfeldzug« mitmachen, danach wird er nach Russland kommandiert. Ihn rettet allein sein stoisches Verhalten: nur das zu tun, was ihm ausdrücklich befohlen wird. Peter Weiss Die Ästhetik des Widerstands Der Roman Die Ästhetik des Widerstands ist zu einem Kultbuch geworden. Was erzählt der Roman? Er berichtet von jungen Arbeitern, die 1937 in Berlin ihren Standort umreißen. Über die Tschechoslowakei gelangt der Erzähler nach Spanien und nimmt teil am Bürgerkrieg. Der zweite Teil schildert die Vielschichtigkeit der Erlebnisse im Stockholmer Exil. Der Autor verfolgt die Wege der Personen: Endstation für viele sind die Hinrichtungsstätten des »Dritten Reichs«. Dennoch bleibt der Widerstand ihr Vermächtnis. 2012/13: Inszenierungen in Essen und Recklinghausen Ernst Weiß Der Augenzeuge »Dreiundzwanzig Jahre nach dem Tod des Autors – Weiß beging 1940 im Pariser Exil Selbstmord – erschien dieser Roman, der von einem Arzt berichtet, der im letzten Jahr des Ersten Weltkriegs den Gefreiten A. H. von einem eingebildeten Augenleiden heilt. Jahre später verfolgt er dessen nicht mehr aufhaltsamen Aufstieg zum Führer der Deutschen. Wegen des Krankenberichts, den er einst über A. H. abfasste, wird der Arzt im KZ gefoltert; er kann aber fliehen und tritt schließlich den spanischen Truppen bei. Neben Thomas Manns Bruder Hitler-Essay ein nicht minder kühner und gelungener Versuch, beide Parteien zu verstehen – und dann zu richten.« Der Spiegel 67 JAHRESTAGE 2014 25. Todestag Samuel Beckett 13. April 1906 – 22. Dezember 1989 60. Geburtstag 70. Geburtstag 24. Mai 1954 17. Januar 1944 – 21. Juli 2001 Rainald Goetz Einar Schleef 70. Geburtstag 70. Geburtstag 8. April 1944 26. September 1944 Christoph Hein Peter Turrini 100. Geburtstag 9. Februar 1931 – 12. Februar 1989 28. März 1914 – 3. Februar 1997 2015 80. Geburtstag 120. Geburtstag, 55. Todestag 70. Geburtstag 18. Juli 1934 17. Dezember 1894 – 29. November 1959 Edward Bond Bohumil Hrabal Hans Henny Jahnn 75. Geburtstag 80. Geburtstag, 30. Todestag 7. Mai 1939 20. Juli 1934 – vermutlich 24. Februar 1984 Volker Braun Uwe Johnson 100. Geburtstag 60. Geburtstag 4. April 1914 – 3. März 1996 16. April 1954 Marguerite Duras 80. Geburtstag Per Olov Enquist 23. September 1934 Sibylle Lewitscharoff 90. Geburtstag Friederike Mayröcker 20. Dezember 1924 60. Geburtstag Robert Menasse 21. Juni 1954 110. Geburtstag Samuel Beckett 13. April 1906 – 22. Dezember 1989 50. Geburtstag 25. Todestag Thomas Bernhard 2016 Dirk Dobbrow 6. Dezember 1966 20. Todestag Thomas Brasch Marguerite Duras 4. April 1914 – 3. März 1996 19. Februar 1945 – 3. November 2001 90. Geburtstag 90. Geburtstag Tankred Dorst Gerlind Reinshagen 4. Mai 1926 19. Dezember 1925 100. Geburtstag 50. Todestag T.S. Eliot Peter Weiss 8. November 1916 – 10. Mai 1982 26. September 1888 – 4. Januar 1965 60. Geburtstag Thomas Meinecke 25. August 1955 20. Todestag Heiner Müller 9. Januar 1929 – 30. Dezember 1995 85. Geburtstag Heiner Müller 9. Januar 1929 – 30. Dezember 1995 68 69 IMPRESSUM / KONTAKT suhrkamp spectaculum Mit neuem inhaltlichem Konzept und in attraktiver Ausstattung stellt suhrkamp spectaculum aktuelle Stücke von Dramatikerinnen und Dramatikern des Suhrkamp Verlages in autorenbezogenen Einzelbänden vor. 253 Seiten. Broschur. € 20,– (978-3-518-42378-3) 151 Seiten. Broschur. € 14,– (978-3-518-42379-0) Den Auftakt bildeten im Frühjahr 2013 zwei Bände mit Stücken von Christoph Nußbaumeder und Martin Heckmanns, die zu den meistgespielten Dramatikern ihrer Generation gehören. Im Herbst 2013 folgten zwei Ausgaben mit Werken von Ingrid Lausund und Noah Haidle. Lausund ist eine der erfolgreichsten deutschen Theaterautorinnen. Haidle gehört zu den interessantesten Stimmen des zeitgenössischen amerikanischen Theaters. suhrkamp spectaculum erscheint jährlich in vier Bänden und stellt wichtige dramatische Texte und theaterästhetische Positionen vor. Im Juni 2014 erscheint außerdem: Peter Handke Nebeneingang oder Haupteingang? Gespräche mit Thomas Oberender 205 Seiten. Broschur. € 18,– (978-3-518-42412-4) 217 Seiten. Broschur. € 18,– (978-3-518-42413-1) Impressum / Kontakt Suhrkamp Verlag GmbH & Co.KG Suhrkamp Theater & Medien Pappelallee 78-79 10437 Berlin E-Mail: [email protected] (oder: [email protected]) Telefon: +49 (0)30 / 740 744 391 Telefax: +49 (0)30 / 740 744 399 www.suhrkamptheater.de Leitung: Frank Kroll (Lektorat, Theater, Film/TV) Nicola Ahr (Assistenz) Dramaturgie: Nina Peters (Lektorat Theater) Manfred Ortmann (Lektorat Hörspiel, Theater) Michael Sauter (Lektorat Theater, Musiktheater) Lizenzen: Britta Davis (professionelle Theater, internationale Lizenzen) Alexandra Murphy (Amateure, Lesungen, TV-Ausschnitte, Vertonungen) Textbuchbestellungen:über www.suhrkamptheater.de, www.theatertexte.de oder [email protected] Das Gesamtverzeichnis von Suhrkamp Theater & Medien finden Sie auf www.suhrkamptheater.de Dramaturgie 25. November 2013 Jutta Schneider, Frankfurt a. M. Redaktion: Redaktionsschluss: Gestaltung: © Suhrkamp Verlag Berlin 2013 Alle Rechte vorbehalten. Änderungen vorbehalten. Alle Angaben zu geplanten Uraufführungen ohne Gewähr. Bildnachweis Umschlag: Uta Ackermann (Werner Fritsch), Astrid Bartl (Peter Turrini), Maurizio Buscarino (Cesare Lievi), Brigitte Friedrich (Friederike Mayröcker), Andrej Glusgold (Martin Heckmanns), Greg Gorman (Stephan Kaluza), Christian Kaufmann (Georg Ringsgwandl), Isolde Ohlbaum (Tankred Dorst), Patrick Savolainen (Wolfram Höll), Susanne Schleyer (Ruth Johanna Benrath, Noah Haidle, Konstantin Küspert, Christoph Nußbaumeder, Albert Ostermaier, Gesine Schmidt), Wolfgang Suschitzky (Sean O’Casey), Donata Wenders (Peter Handke), Ben Wright (Pamela Carter), Joachim Zimmermann (Jörn Klare); weitere Nachweise über das Bildarchiv des Suhrkamp Verlags. 70
