Abendprogramm Konzerthausorchester Berlin 08.09.2013
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1 M US I K FEST BERLIN 2 0 13 M us i k f e st Berlin 3 0 . Au g u s t – 1 8 . S e p t e m b e r 2 0 1 3 Berliner Festspiele in Zusammenarbeit mit der Stiftung Berliner Philharmoniker Bildnachweise Titel:Versteinerung eines Ammoniten (Crioceratites emerici), eines marin lebenden Kopffüßlers, aus dem Barremium (vor 130,7 bis 126,3 Mio. Jahren), Fundort: Gard, Frankreich S. 11Witold Lutosławski, Stuttgart Sammlung Witold Lutosławski, Paul Sacher Stiftung, Basel © Hugo Jehle, Marquardtstr. 37, Stuttgart S. 12 Benjamin Britten 1974 im Red House in seinem Musikzimmer © Edward Morgan S. 14 Ilan Volkov © Iceland Orchestra S. 15 Konzerthausorchester Berlin © Felix Broede M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Musik fest Berlin 2013 5 Sonntag 08. September Konzertprogramm 6 Essay 11 Komponisten 14 Interpreten 22 Musikfest Berlin 2013 Programmübersicht 24 Musikfest Berlin 2013 im Radio 25 Impressum 3 Bitte schalten Sie Ihr Mobiltelefon vor Beginn des Konzerts aus. Das Konzert wird von Kulturradio vom rbb aufgezeichnet. Sendung am 27. Oktober um 20:04 Uhr Kulturradio vom rbb ist in Berlin über UKW 92,4 MHz, Kabel 95,35 und digital auf www.kulturradio.de zu empfangen. M US I K FEST BERLIN 2 0 13 ProgrammSonntag 08. September 20:00 Uhr Konzerthaus Berlin Witold LutosŁawski (1913–1994) Jeux vénitiens (1960–1961) 19:00 Uhr Ludwig van Beethoven-Saal Einführung mit Dr. Dietmar Hiller BENJAMIN BRITTEN (1913–1976) Konzert für Klavier und Orchester op. 13 (1938, rev. 1945) für Kammerorchester I.Toccata II.Waltz III.Impromptu IV.March Pause BENJAMIN BRITTEN Sinfonia da Requiem op. 20 (1940) I.Lacrymosa II. Dies irae III. Requiem aeternam LEOŠ JANÁčEK (1854–1928) Taras Bulba Rhapsodie für Orchester Nach einer Novelle von Nikolai Gogol (1915–18) I. Andrijs Tod II. Ostaps Tod III. Prophezeiung und Tod Taras Bulbas BENJAMIN GROSVENOR Klavier KONZERTHAUSORCHESTER BERLIN ILAN VOLKOV Leitung Eine Veranstaltung des Konzerthaus Berlin in Kooperation mit Berliner Festspiele / Musikfest Berlin 5 Essay Schönes Spiel und bitterer Ernst Benjamin Britten und Witold Lutosławski wurden 1913 geboren, im letzten Jahr des Friedens vor dem ersten modernen Krieg mit seinen verheerenden Materialschlachten. Beide waren Wunderkinder, lernten schnell, komponierten mit leichter Hand und brauchten Krisen, um zur Verbindlichkeit eines eigenen Stils zu finden. In ihrer Ästhetik schlugen sie verschiedene Wege ein; die musikalische Avantgarde, die Lutosławski als anspornendes Gegenüber schätzte, lag für Britten außerhalb seiner stilistischen Bestrebungen. Dennoch respektierten sie sich nicht nur, sondern schlossen Anfang der Sechzigerjahre eine Freundschaft, die bis an Brittens Lebensende hielt. Zwei Gemeinsamkeiten trugen die gegenseitige Sympathie: die entschiedene Opposition gegen Krieg und diktatorische Gewalt, und die Tatsache, dass beide wichtige Festivals für Gegenwartsmusik mit initiierten und leiteten: Britten das von ihm und Peter Pears 1948 gegründete Aldeburgh Festival, Lutosławski den Warschauer Herbst, den Treffpunkt der Moderne seit 1956. Jeux vénitiens Lutosławskis „Venezianische Spiele“ gehören in den Umkreis der Kompositionen, mit denen er sich Anfang der Sechzigerjahre auch in Aldeburgh vorstellte. Geschrieben wurde das Werk für ein Konzert, das die Krakauer Philharmonie am 24. April 1961 im Rahmen der Biennale von Venedig im Teatro La Fenice gab. Der Komponist betonte immer wieder, dass er den Titel allein wegen des Uraufführungsortes gewählt hatte. Dennoch enthält er bedeutsame Hinweise auf Substanz und Konzeption des Werkes. Zum ersten Mal komponierte Lutosławski nach dem Prinzip des „gelenkten Zufalls“. Das heißt: Die einzelnen Stimmen sind zwar genau notiert, die Musiker aber handeln als Individuen. „Jeder führt seinen Part so frei aus, als ob er ihn allein spiele; die rhythmischen Werte dienen nur als Anhalt“, merkt er an. Für das Tempo wird eine Bandbreite angegeben, die exakte Ausgestaltung von Pausen und Zäsuren liegt ebenso wie die expressive Auffassung in der Verantwortung des Einzelnen. Gleichzeitig gespielte Parts sind so gefasst, dass unerwünschte Effekte, die den rhythmischen Reichtum (zer-)stören könnten, ausgeschlossen sind. Einen solch begrenzt aleatorischen Zusammenhang ordnet Lutosławski in der Regel einer Instrumentengruppe zu, der er außerdem einen genau definierten und strukturierten Tonvorrat zuweist. So formt jede Gruppe ein innerlich stärker oder geringer bewegtes Klangfeld aus, im Verhältnis mehrerer Gruppen zueinander bilden sich Klangkraftfelder, die aufeinander einwirken. Mit diesem Verfahren ließen sich, so Lutosławski, besondere Teile, nicht aber größere Werke als ganze ausgestalten. In den „Jeux vénitiens“ wendet er es im ersten und letzten der vier Sätze an. Im ersten ruft ein scharfer signalartiger Klang den Auftritt der acht verschiedenen Abschnitte auf. Jeder hat seinen Eigenklang, seine Eigenzeit, sein eigenes Maß an innerer Bewegung. Sie wechseln sich rondoartig ab. M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Die Rolle des Ritornells übernimmt ein Abschnitt, den jedes Mal eine andere Kombination aus Blas- und Streichinstrumenten in unterschiedlicher Länge ausführt; die meist ruhigeren Episoden sind anderen Instrumentengruppen übertragen. Den zweiten Satz notierte Lutosławski auch hinsichtlich des Zusammenspiels genau aus. In den Raumflug kurzer, rascher Streicher­motive werfen die anderen Instrumente mit zunehmender Dichte Einzeltöne ein, bis sich die Verhältnisse zwischen den ausführenden Gruppen und in den Tonlagen verkehren. Im dritten Satz hebt sich das Solo der ersten Flöte vom übrigen Ensemble ab, dessen Begleitung an Intensität gewinnt. Das Hauptstück aber wird mit dem letzten und längsten Satz erreicht. Mehrere Klang­formationen schieben sich darin immer dichter an- und übereinander. Die Dramatik, die dadurch entsteht, mündet in eine Art von „großem Gelächter“. So löst sich das Klangdrama wie in einer Commedia dell’arte, die in Venedig zwar nicht ihren Ursprung, aber eine starke Tradition hatte. Ein anders Spiel: Brittens Klavierkonzert Samuel Hynes nannte die Künstler, die sich in Großbritannien während der Dreißigerjahre Gehör verschafften, die „Auden-Generation“ – nach dem wohl bedeutendsten Dichter unter ihnen. Neben Auden selbst rechnete er ihr u.a. George Orwell, Graham Greene, Christopher Isherwood und den Komponisten Benjamin Britten zu. Sie sahen sich in ein „Zeitalter der Angst“ (Auden) geworfen, das ihr Lebensgefühl und ihren Lebensentwurf bestimmte. Die drohende Eskalation der Politik, die von Deutschland ausging, spürten sie voraus. Auden zog im Januar 1939 mit seinem Freund Christopher Isherwood in die USA, Britten folgte ihnen drei Monate später mit seinem Partner Peter Pears. Brittens Kompositionen im heutigen Programm rahmen diesen existenziellen Schritt. Das Klavierkonzert schrieb er im Frühjahr 1938 um die Zeit, als Hitler seine „Heimat“ Österreich dem Deutschen Reich einverleibte, die „Sinfonia da Requiem“ entstand 1940 in den USA. Form und Tonsprache des Klavierkonzerts reflektieren die britische Tradition, aus welcher der junge Komponist manche Inspiration zog, sie stehen aber vor allem der französischen Musik der späten 1920er-Jahre, besonders dem musikantischen Stil Francis Poulencs nahe. Auch er brachte gerne barocke Genres wie die virtuose Toccata und die Kettenvariationen der Passacaglia mit Gesellschaftsmusik wie dem Walzer und dem Marsch zusammen. Die brillante Schreibweise für das Klavier im ersten Satz – die Virtuosität – greift dort auch auf das Orchester über. Sie erhält ihren Kontrast in kantablen Passagen mit einem leichten Einschlag von Salonton im zweiten, mit traurigschöner Expressivität im dritten Satz. In dessen erstem Abschnitt erscheint beides: erst der gesangliche Gedanke, der in den nachfolgenden Variationen durch alle Klanglagen des Orchesters wandert, danach das Figurenwerk, das in seinen Akkordbrechungen das charakteristische Helldunkel von Dur und Moll erzeugt. Elemente des freien, quasi improvisatorischen und des strukturell gebundenen Stils arbeitet Britten ineinander; er nennt den Satz ein 7 Essay Impromptu und gibt ihm die strenge Form einer Passacaglia. Damit fasst er einen Wesenszug des ganzen Werkes zusammen. Mit dem ersten Satz, der Toccata, bezieht er sich auf eine Spielform des Barock, verleiht ihr jedoch durch klar gezeichnete Themen bestimmte Konturen. Eines setzt sich durch; es nimmt den Marschcharakter des Finales vorweg und breitet sich in Variationsketten aus. Drängende und akzentuierte, kantige Bewegungen greifen ineinander. Der Solist agiert als treibende Kraft und als Mitgerissener der Ereignisse, die keinen Stillstand dulden. Im Gesamtwerk gibt die Toccata die Perspektiven vor und dient als Ouvertüre zu einer Tanzszene, dem Walzer, so wie danach der dritte Satz die Atmosphäre schafft, in die der finale Marsch aus der Tiefe kommend vordringt. Britten komponierte den dritten Satz neu, als er das Konzert 1945 revidierte. Er ersetzte die ursprüngliche Kombination von Rezitativ und Arie, die hauptsächlich eine Trauermusik auf den Tod der Mutter war. Die Passacaglia lockert den persönlichen Bezug, objektiviert ihn und ordnet dadurch die expressiven Gewichte im Werk neu. Das Marsch-Finale rückt in seiner Wirkung nahe an Gustav Mahlers Sätze dieses Genres, in denen stets das Mitleiden mit dem geschundenen Leben mitschwingt. Es wurde vermutet, Britten habe mit dem zweiten Satz, dem Walzer, auf den „Anschluss“ Österreichs an Deutschland reagiert. Entstehungsgeschichtlich gibt es dafür keine Belege. Die musikalische Trinität von Walzer, Passacaglia und Marsch nach dem Spiel der Toccata aber legt diese Deutung im Sinne der „Auden-Generation“ nahe. Symphonisches Requiem Politisch-gesellschaftliches und persönliches Erleben ließen sich für die „Auden-Generation“ nicht trennen. Was im Bereich von Macht und Öffentlichkeit geschah, zeichnete den Individuen, selbst den kritischen, ihren Weg vor. Entsprechend erschienen ihnen die privaten Schicksale in den Resonanzraum der Weltgeschichte projiziert und hallten von dort verstärkt wider. In der Geschichte um Brittens „Sinfonia da Requiem“ spiegelt sich die Ver­ quickung auf fast bizarre Weise. Der Komponist widmete das Werk dem Andenken seiner Eltern. Der Vater war 1934, die Mutter, in Brittens Erziehung die Prägende, 1937 gestorben. Das Gedenkwerk entstand jedoch in deutlicher Distanz – räumlich (in den USA) und zeitlich. Der Auftrag für die „Sinfonia da Requiem“ aber kam von offizieller Seite. Das japanische Kaiserhaus wollte das 2 600 Jahre lange Wirken seiner Dynastie feiern und bat angesehene Komponisten um Werke zum Fest. Britten nahm an, reichte ein Exposé ein. Der Auftrag wurde bestätigt, der Komponist lieferte pünktlich, erhielt aber nach einem halben Jahr die Auskunft, die Symphonie werde nicht aufgeführt, sie eigne sich wegen des christlichen Inhalts und des elegischen Charakters nicht für die Feierlichkeiten. Tatsächlich gehören Totenmessen, gesungen oder instrumental, nicht zur Spezies der Jubelmusiken. M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Die Widmung an die Eltern nennt den emotionalen Anlass des Werkes. Nicht weniger deutlich aber antwortet die Symphonie auf die Kriegswirklichkeit ihrer Entstehungszeit. Sie beginnt mit dem „Lacrymosa“, in dem einst Mozarts Requiem abbrach. Im Text aus der Sequenz der lateinischen Totenmesse, aus welcher der Satztitel stammt, ist vom „tränenreichen“ Jüngsten Tag die Rede, an dem die Menschen zur Rechenschaft vor Gott gerufen werden. Das ist eher an die Mächtigen der Welt als an geliebte Eltern gesprochen. Nach den harten Weltgerichtsuhr-Schlägen des Anfangs schaffen die Pauken die rhythmische Basis eines imaginären Trauerzugs, dem zwei Themen individuelle Kontur verleihen: die Kantilene, die sich aus einem Klagemotiv im Cello entwickelt, im Fagott fortsetzt und von dort ins Orchester ausstrahlt, und der Kontrastgedanke des Altsaxophons, der sich in ruhigerem Zeitmaß, aber weiteren Sprüngen bewegt. Gegen Ende des Satzes häuft sich eine Wendung, die als Vokabel aus Gustav Mahlers Symphonien bekannt ist: das Umfärben eines Klanges von Dur nach Moll, Hell-Dunkel auf engstem Raum. Den zweiten Satz bezog Britten auf den Anfang der Sequenz aus dem Requiem. Das „Dies irae“, die Vision vom letzten Weltgericht, inspirierte schon manches musikalische Katastrophengemälde. Britten komponierte das symphonische Mittelstück, als rückte die apokalyptischen Kavallerie gleich legionenweise an. Nur einmal wird der unablässige Sturm des Reiter­ marsches gebrochen, wenn das Altsaxophon vor dem Hintergrund eines Militärmarsches an die Klage-Kantilene aus dem ersten Satz erinnernt. Aber er kehrt wieder. Am Ende zerstiebt, zerfällt er wie ein Goya’sches Traumbild. Externer Auftrag, persönliche Trauer und Reaktion auf die Zeitgeschichte verbinden sich in diesem Werk und schaffen die Intensität einer Tonsprache, die sich an zwei bedeutenden, von den Nationalsozialisten verfemten Ausdrucksmusikern orientiert, an Gustav Mahler und Alban Berg, dessen Violin­ konzert, ein instrumentales Requiem, Britten 1936 bei der Uraufführung in Barcelona tief beeindruckte. An Mahler gemahnt neben dem Dur-MollPendeln der Charakter des ersten Satzes. An Berg erinnern unter anderem die Verwendung des Altsaxophons, das sonst kaum zu symphonischen Ehren kam, und die gebrochene Schönheit des letzten Satzes, der sich in einem langen Decrescendo aus der Welt des Greifbaren entfernt. Vox belli Krieg herrschte in Europa, als Leoš Janáček seine Konzertrhapsodie „Taras Bulba“ nach einer Erzählung von Nikolai Gogol komponierte. Auch sie handelt vom Krieg, vom osteuropäischen Parallelfall zum Dreißigjährigen, konfessionell aufgeladen und grausam durchgefochten wie jener. Politisch ging es um die Machtverteilung zwischen den polnischen Königen, den russischen Zaren, dem osmanischen Sultanat und um die Freiheit unabhängiger Völker wie der Kosaken und der Tataren. Der Glaubensstreit entbrannte am Verhältnis zwischen der orthodoxen Kirche, dem Islam, zu dem sich Türken und Tataren bekannten, und dem Katholizismus, dem sich einige Würdenträger 9 Essay der südrussischen Kirche anschlossen. Die Kosaken fühlten sich als Wahrer von Rechtgläubigkeit und Freiheit, die für sie hieß: keine Unterwerfung unter die (katholischen) polnischen Fürsten, keine Unterwerfung unter den (isla­ mischen) Sultan, enge Allianz mit den (orthodoxen) Mächtigen Russlands. Den Kosaken-Hetman Taras Bulba beschreibt Gogol als Haudegen mit geradliniger Moral, festem Glauben und ausgeprägter Rauflust. Er hatte zwei Söhne. Der Ältere, Ostap, war ein Vatersohn, Kampf, Ehre und ein kräftiger Trunk gingen ihm über alles. Der andere, Andri, der Liebling der Mutter, träumte nebenbei noch von der Liebe – ausgerechnet die Tochter eines polnischen Wojwoden, des Erzfeinds aller Kosaken, hatte es ihm angetan. Bulba und seine Söhne ziehen mit den Ihren gegen die Polen. Sie belagern Dubno, hinter dessen Mauern auch des Wojwoden Töchterlein hungert; sie schickt nach Andri, der kommt und wechselt die Fronten. Beim Ausbruch aus der Stadt wird er von den Seinen gejagt, vom Vater schließlich erschossen. Janáčeks erstes Stück aus der Kosakentrilogie zeichnet die Szene nach: den Liebestraum, den Gang durch den geheimen Tunnel in die Stadt, die Ankunft in der Kirche, den Weg durch die öden, von Toten und Verhungernden gesäumten Straßen, die Begegnung mit der traurigen Schönen, die leidenschaftliche Liebe, die Kriegsfanfaren und den Tod. Im Spiel des Schicksals mit Taras Bulba war dies der erste Streich. Er führte ihn selbst. Den zweiten führten die Polen. Beim Gemetzel vor Dubno gerät Ostap in die Hände der Feinde. Der Vater besticht einen Juden, dass er ihn ins Gefängnis zu seinem Sohn schmuggle. Doch er erlebt nur noch die Folterung und Hinrichtung seines Ältesten. Janáčeks Musik beschwört anfangs das Morgengrauen im doppelten Wortsinn. Ein charakteristisches Quarten­motiv erscheint als Klangfiguration in der Harfe und als grob einschlagende Geste in den Streichern. Später symbolisiert es in hartnäckiger Wiederholung Ostaps Gang zum Richtplatz. Ein Marschmotiv kennzeichnet die Atmos­ phäre von Kampf und Krieg. Über das Quartenmotiv erhebt sich in der Mitte Ostaps Thema. Eine fiese Mazurka meint die polnischen Zuschauer des Exekutionsspektakels. Schrille Töne der kleinen Klarinette deuten Ostaps Schmerzensruf, Paukenschläge Taras’ Antwort an. Der dritte Streich der Tragödie trifft Taras selbst. Er gerät in die Gewalt der Polen. Sie wollen ein Exempel statuieren und ihn öffentlich verbrennen. An einen Baum gefesselt, unter sich den Scheiterhaufen, verabschiedet er sich mit einer großen Vision. Die mächtige Apotheose in Janáčeks Schlussstück meint mit ihrer hymnischen Breite, mit Orgel und Glocken als Requisiten des Heiligen diese großrussische Vision. Zum Glück spricht Musik nicht in wörtlichen Bedeutungen. Aus kleinen Motivzellen, deren Gestik der Melodik slawischer Sprachen abgelauscht ist, entwickelte Janáček die Dramatik seiner Stücke und gab ihnen eine Form, in welcher der Inhalt der literarischen Vorlage über sich selbst hinausgetragen wird. Die Tragödie erscheint als Morgenröte großer Hoffnung. Bei Beethoven nannte man dies „Menschheitston“. Habakuk Traber M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Biografien Komponisten Witold Lutosławski Wie lässt sich in neuer Musik eine anschauliche Form organisieren? Auf diese grundlegende Frage fand der polnische Komponist Witold Lutosławski (1913–1994) im Alter von fast 50 Jahren eine schlagend einfache Lösung. Er entwickelte ein aus zwei Teilen bestehendes Modell. Auf eine vorbereitende Phase, in der zerstreute Elemente allmählich zusammengeführt werden, folgt eine zweite, die in einem kontinuierlichen Prozess auf einen Höhepunkt zuläuft. Dieses „Zwei-Phasen-Modell“ entspricht zwei besonderen Fähigkeiten Lutosławskis, die unter den Komponisten der Musik nach 1945 nur selten anzutreffen sind: die Fähigkeit zur bündigen Gestaltung großer Zusammenhänge und Zeitstrecken und die Fähigkeit zur dramatischen Zuspitzung. Dieses Modell liegt zahlreichen großen Werken Lutosławskis zu Grunde, oft auf mancherlei Weise modifiziert, aber dennoch erkennbar. deutlich zu spüren. Manch älterer Fernsehzuschauer wird sich noch an die rhythmisch prägnante Titelmusik des früheren „ZDF-Magazins“ erinnern, die aus diesem Werk stammt. Von der Mitte der 1950er Jahre an änderte sich Lutosławskis Tonsprache grundlegend. Er fand Anschluss an die internationale Avantgarde und nahm serielle und aleatorische Techniken auf. Die Aleatorik, der Umgang mit dem Element des Zufalls in der Musik, fand auf besonders originelle und produktive Weise Eingang in sein Schaffen. Lutosławski entwickelte das Verfahren der so genannten „kontrollierten Aleatorik“. In seinen Partituren gibt er hierbei innerhalb von kurzen, Bausteinen gleichenden Segmenten wesentliche Elemente wie Tonhöhen, den Rahmen, in dem sich das Tempo bewegen soll, oder die Artikulation vor. Andere Elemente aber wie die exakte Wahl Lutosławski stammt aus einem musikbegeisterten War- des Tempos, die Dauer von Pausen oder die Anzahl von schauer Elternhaus. Schon als Kind fühlte er, wie er sich später erinnerte, ein inneres Verlangen nach Musik. Mit sechs Jahren bat er um Klavierunterricht, den er auch erhielt. Später kamen Geigen- und schließlich Kompositionsunterricht hinzu. Von 1931 bis 1937 studierte Lutosławski dann Klavier und Komposition am Warschauer Konservatorium, zu Beginn für zwei Jahre gleichzeitig auch Mathematik. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkrieges wurde Lutosławski zur Armee eingezogen. Er geriet kurz in deutsche Gefangenschaft, konnte aber fliehen und fand dann in Warschau Unterschlupf. Seinen Lebensunterhalt während der deutschen Besatzung verdiente sich Lutosławski mit Auftritten als Pianist in heimlichen Konzerten und in verschiedenen Cafés. Nach Kriegsende beteiligte sich Lutosławski dann in verschiedenen Positionen am Wiederaufbau des Musiklebens im Verband der polnischen Komponisten, dessen Präsidium er später bis 1993 angehörte. In der ersten Zeit nach dem Krieg komponierte Lutosławski überwiegend Gebrauchsmusik, er fand aber bald auch zu autonomem Komponieren. Sein Schaffen der 1950er Jahre steht dabei unter dem Einfluss der Musik Béla Bartóks. So verdankt etwa Lutosławskis Konzert für Orchester (1950–54) vieles dem Vorbild Bartóks, gleichzeitig ist aber auch die eigenständige schöpferische Kraft Lutosławskis 11 Biografien Komponisten Benjamin Britten Wiederholungen bleiben den Ausführenden überlassen. Vor allem wenn mehrere solcher Bausteine übereinander geschichtet sind, wird jede rhythmisch-metrische Eindeutigkeit aufgehoben und es entstehen Klangkomplexe von faszinierender Farbigkeit und Intensität. Der Ablauf eines Werkes folgt dabei aber immer dem Gestaltungswillen des Komponisten, nur Details variieren von Aufführung zu Aufführung. Das erste Werk, in dem die kontrollierte Aleatorik und das zweiphasige Form­modell zusammen exemplarisch ausgeformt sind, ist das Streichquartett aus dem Jahr 1964, das mittlerweile zu einem viel gespielten Klassiker der neuen Quartettliteratur geworden ist. Benjamin Britten wurde am 22. November 1913 in Lowestoft, einem kleinen Ort in Suffolk an der Ostküste Englands, geboren. Britten zeigte schon sehr früh eine erstaunliche musikalische Begabung und begann bereits in seinem fünften Lebensjahr zu komponieren. Mit sieben Jahren erhielt er Klavier-, drei Jahre später auch Bratschenunterricht. 1927 wurde Britten dem Komponisten Frank Bridge vorgestellt, bei dem er ernsthaften Kompositionsunterricht erhielt. Bridge führte Britten in die in England kaum bekannte neue Musik seiner Zeit von Skrjabin bis zur Schönberg-Schule ein. Er förderte seinen Schüler so, dass diesem später das reguläre Komposi­ tionsstudium in London kaum noch etwas geben konnSpätestens seit diesem Werk galt Lutosławski als einer der te. Immerhin konnte Britten hier in seinem gleichzeitigen führenden Schöpfer der neuen Musik. Er erhielt repräsen- Klavierstudium seine pianistische Technik zur Konzertreife tative Kompositionsaufträge, internationale Einladungen entwickeln. 1933 beendete er seine Studien und schon im zu Konzerten – 1963 hatte er begonnen, eigene Werke zu folgenden Jahr wurde eins seiner Werke, die „Phantasy“ dirigieren –, leitete Kompositionskurse und hielt Vorträge. für Oboenquartett, erfolgreich im Ausland aufgeführt. Große Interpreten wie Mstislav Rostropowitsch, Krystian Zimerman oder Anne-Sophie Mutter baten ihn um neue 1935 nahm Britten den Auftrag an, Musik zu einigen von Werke und setzten sich für sie ein. Der 80. Geburtstag der britischen Postgesellschaft produzierten, sozial engades Komponisten wurde 1993 in der ganzen Musikwelt gierten Dokumentarfilmen zu schreiben. Durch diese Armit Konzerten, Festivals und Auszeichnungen begangen. beit kam er mit dem Dichter W. H. Auden zusammen, desAm 7. Februar 1994 verstarb Lutosławski kurz nach seinem sen politisches Denken und soziales Bewusstsein B ­ ritten 81. Geburtstag in seiner Heimatstadt Warschau. stark beeinflussten. In Zusammenarbeit mit A ­ uden entstanden einige anklagende, bitter ironische Chorwerke, in denen sich auch der überzeugte Pazifismus des Komponisten äußerte. Als Auden England 1939 den Rücken kehrte und sich in den USA niederließ, folgte ihm bald auch der von seiner Heimat enttäuschte Britten. Dabei wurde er von dem Tenor Peter Pears be­ gleitet, der sein kongenialer, viele Werke inspirierender Interpret und Lebenspartner werden sollte. Noch dominierte allerdings die M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Leoš Janáček Instrumentalmusik in Brittens Schaffen und in den USA kamen gewichtige Orchesterwerke hinzu, das Violinkonzert und die „Sinfonia da requiem“. In der Fremde merkte Britten bald, wie tief er in seiner Heimat verwurzelt war. So entschlossen er und Peter Pears sich zur Rückkehr und reisten im März 1942 zurück in das vom Krieg gezeichnete Großbritannien. Als Kriegsdienstverweigerer wurde er nicht eingezogen, wohl aber verpflichtet, zahlreiche Konzerte auch vor einem der Musik eigentlich fern stehendem Publikum zu geben. Mit dem Bemühen um größere Einfachheit und breitere Verständlichkeit scheinen Brittens Werke dieser Zeit diese Umstände zu reflektieren. „Den ganzen Vormittag erklang das Klavier, allerdings in einer ungewöhnlichen Weise. Janáček hämmerte so laut, wie es überhaupt möglich war, und zumeist bei ständig gehobenem Pedal mit dem Finger immer wieder ein und dasselbe Motiv von ein paar Tönen aus dem Klavier hervor. (…) Aus der Verve, mit der er spielte, war herauszufühlen, wie stark er von der Gefühlskraft des Motivs erregt und hingerissen wurde.“ An dieser Erinnerung eines Zeitgenossen an die Arbeitsweise Leoš Janáčeks (1854–1928) ist nicht nur das Hervorheben der prägnanten Kurzmotive bemerkenswert, die für das Schaffen des Komponisten so charakteristisch ist. In ihr wird auch das Bild eines genialen Dilettanten entworfen und tatsächlich fehlen solche Züge der Gestalt des großen Komponisten nicht. 1944 begann der Komponist mit der Arbeit an der Oper, die sein Hauptwerk werden sollte: „Peter Grimes“, dem Drama eines Außenseiters. Das Datum der enthusiastisch aufgenommen Uraufführung der Oper, der 7. Juni 1945, bezeichnet einen Wendepunkt in der Geschichte der britischen Oper, die sich von da an quasi aus dem Nichts zu einer lebendigen Kunstform entwickelte. Mit einer Reihe von Kammeropern und Werken für große Bühnen hatte Britten selbst maßgeblichen Anteil an dieser Entwicklung. Leoš Janáček hat als Komponist erst spät ganz zu sich selbst gefunden. Den entscheidenden Schritt tat er mit der Oper „Jenufa“, an der er mit Unterbrechungen fast zehn Jahre lang von 1894 bis 1903 arbeitete. Die produktivste Phase seines Schaffens setzte aber erst 1917 ein, als Janáček bereits über sechzig Jahre alt war. In den folgenden Jahren bis zu seinem Tod 1928 entstanden die meisten Werke, die wir heute mit seinem Namen verbinden. Neben seinen Opern sind das vor allem die „Sinfo1948 ließ sich Britten und Pears in Aldeburgh nieder, einer nietta“ (1926), die „Glagolitische Messe“ (1926/27) und Kleinstadt in Suffolk, der Heimat des Komponisten. Sie die Streichquartette Nr. 1 und Nr. 2, die die Beinamen gründeten hier ein jährlich stattfindendes Festival, das bis „Kreutzer­sonate“ und „Intime Briefe“ tragen. heute zu den wichtigsten in Großbritannien zählt. In den Kompositionen für das Aldeburgh Festival und für seine In- Leoš Janáček wurde am 3. Juli 1854 in die ärmlichen Verterpreten lag fortan der Schwerpunkt seines Schaffens. So hältnisse eines abgelegenen mährischen Dorfes in eine entstanden zum Beispiel die drei Suiten für Violoncello solo Familie von Lehrern und Musikern hinein geboren. Mit elf für Mstislav Rostropowitsch, der sie auf dem Aldeburgh Jahren schickten ihn seine Eltern nach Brno (Brünn), wo er Festival uraufführte. Daneben nahm Britten auch einige eine höhere Schulbildung erwarb und auch musikalischen gewichtige auswärtige Kompositionsaufträge an, wie den Unterricht erhielt. Nach Studien in Prag, wo er Antonin für das erschütternde „War Requiem“, das zum ersten Mal Dvořak persönlich kennenlernte, und Leipzig ging Janáček zur Wiedereröffnung der im Zweiten Weltkrieg zerstörten nach Brünn zurück. Dort gründete er 1881 eine OrgelschuKathedrale von Coventry am 25. Mai 1962 erklang. Brittens le, deren Direktor er bis 1919 blieb und aus der später das letzte Lebensjahre waren von Krankheit überschattet. 1973 Konservatorium der Stadt hervorging. musst er sich einer schweren Herzoperation unterziehen, Angeregt von seinem Freund František Bartoš begann von der er sich nicht mehr richtig erholen konnte. Die Kom- Janáček bereits 1885 sich mit der Volksmusik seiner Heiposition „Phaedra“, eine Kantate für Mezzospran und klei- mat zu beschäftigen. Auf regelmäßigen Exkursionen, nes Orchester, sollte eines seiner letzten Werke sein. Am oftmals zu Fuß, da viele Ortschaften anders gar nicht 4. Dezember 1976 starb der Komponist in Aldeburgh. zu erreichen waren, trug Janáček gemeinsam mit Bartoš 13 Biografien Interpreten Ilan Volkov eine imponierende Anzahl von Liedern zusammen, die in verschiedenen Formen von der wissenschaftlichen Edition bis zur praktischen Ausgabe publiziert wurden. Die Auseinandersetzung mit der mährischen Volksmusik wirkte wie ein Katalysator auf Janáčeks Schaffen, seine ehemals oft epigonal wirkenden Kompositionen nahmen nun zusehends individuelle und originelle Züge an. Mit der erfolgreichen Uraufführung der „Jenufa“ in Brünn am 21. Januar 1904 wurde Janáček zu einer respektierten Persönlichkeit des Brünner Musiklebens, wo er auch mehrere Chöre und Orchester leitete. Trotz dieses lokalen Erfolges blieb sein Name aber außerhalb Mährens so gut wie unbekannt. Dies änderte sich erst mit der nachgerade sensationellen Wiederaufführung der „Jenufa“ 1916 in Prag. In kurzer Zeit folgten Aufführungen in Wien, Köln, Berlin und New York, die Janáček internationale Anerkennung brachten. Janáček konnte sich nun ausschließlich dem Komponieren widmen und schuf in den verbleibenden Jahren seiner reifen Meisterschaft unter anderem vier Opern, Orchesterwerke und Kammermusik in einem unverwechselbar eigenen, bezwingend ausdrucksstarken Stil. Leoš Janáček starb am 12. August 1928. Der Dirigent Ilan Volkov wurde 1976 in Tel Aviv geboren. Er studierte Dirigieren in Jerusalem und London. Mit 19 Jahren begann er seine Karriere als Dirigent im Jugendförderprogramm der englischen Northern Sinfonia. Nach Stationen in London und Boston übernahm er 2003 als bis dato jüngster Chefdirigent das in Glasgow residierende BBC Scottish Symphony Orchestra. Im Jahr 2009 wechselte er zur Position des Ersten Gastdirigenten dieses Orchesters. Zur Konzertsaison 2011/12 trat Ilan Volkov das Amt des Chefdirigenten und Musikalischen Direktors beim Iceland Symphony Orchestra in Reykjavik an. In seiner künstlerischen Tätigkeit widmet sich Ilan Volkov mit besonderer Verve der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts. Dabei ist er auch abseits vom Dirigentenpult als Organisator des Musiklebens hervorgetreten. So gründete Ilan Volkov im vergangenen Jahr aus Anlass des 100. Geburtstages von John Cage das Festival für zeitgenössische Musik „Tectonics“, das in diesem Jahr in zwei Städten, in Glasgow und Reykjavik, stattfindet. Ivan Volkov arbeitet als Gastdirigent kontinuierlich mit zahlreichen führenden Klangkörpern zusammen. Zu ihnen gehören unter anderem das Israel Philharmonic Orchestra, das Orchestre National de Paris, das BBC Symphony Orchestra, das City of Birmingham Symphony Orchestra, das WDR Sinfonieorchester Köln, das Oslo Philharmonic Orchestra, das SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg und das Ensemble Modern. Der Dirigent hat eine große Anzahl von Werken für das Label Hyperion eingespielt und dafür herausragende Kritiken und Auszeichnungen bekommen. Unter anderem erhielt seine Gesamteinspielung der konzertanten Werke für Klavier und Orchester von Benjamin Britten den begehrten Gramophone-Award. M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Benjamin Grosvenor Konzerthausorchester Berlin Der junge britische Pianist Benjamin Grosvenor ist eines der vielversprechendsten Talente seiner Generation. Er wurde am 8. Juli 1992 geboren und begann im Alter von sechs Jahren unter der Anleitung seiner Mutter, einer Klavierlehrerin, mit dem Klavierspiel. Benjamin Grosvenor studierte dann an der Royal Academy of Music in London. Bereits mit elf Jahren machte er in der Musikwelt von sich reden, als er nach Erfolgen bei vier kleineren Wettbewerben auch den von der BBC veranstalteten Young Musician of the Year Award 2004 erhielt. Seitdem hat Benjamin Grosvenor eine ruhig und kontinuierlich voranschreitende Entwicklung genommen und ist vom pianistischen Wunderkind zum ernst zu nehmenden Künstler gereift. Er hat inzwischen mit dem London Symphony Orchestra, dem New York Philharmonic, dem Royal Philharmonic Orchestra und anderen bekannten Orchestern konzertiert und hat dabei mit Dirigenten wie Vladimir Ashkenazy, Semyon Bychkov und Vladimir Jurowski zusammengearbeitet. Benjamin Grosvenor gibt regelmäßig Klavierabende in den prominentesten Konzertsälen. In Berlin war er nach seinem Debüt im vergangenen Jahr auch im April 2013 mit einem Recital im Konzerthaus zu hören. Seit 2011 hat Benjamin Grosvenor bei einem international renommierten Klassiklabel zwei CDs mit Werken von Chopin bis George Gershwin eingespielt, die von der Kritik mit Begeisterung aufgenommen worden sind. Mit seinen über 12.000 Abonnenten gehört das Konzerthausorchester Berlin zu den Klangkörpern mit der größten Stammhörerschaft in ganz Deutschland. Seit seinem ersten Auftritt im Jahr 2007 ist das Konzerthausorchester in jedem Jahr beim Musikfest Berlin vertreten gewesen. Das Konzerthausorchester Berlin kann mittlerweile auf eine 60jährige Tradition zurückblicken. 1952 als Berliner Sinfonie-Orchester (BSO) gegründet, erfuhr es seine entscheidende Profilierung in der Ära Kurt Sanderling (1960– 1977). Sanderling machte das Orchester als Chefdirigent zu einem musikalischen Aushängeschild der DDR und formte es zu einem der besten Klangkörper des Landes. Solisten vom Range eines David Oistrach oder Emil Gilels kamen gern und regelmäßig zu Konzerten nach Berlin. Obwohl das BSO für seine Konzerte zwischen mehreren Spielorten wechseln musste, gelang es Sanderling, eine große Stammhörerschaft für seine erfolgreichen Abonnementreihen aufzubauen. Unter den nachfolgenden Chefdirigenten Günter Herbig (1977–1984), Claus Peter Flor (1984–1992), Michael Schønwandt (1992–1998) und Eliahu Inbal (2001–2005) wurde die Reisetätigkeit des Orchesters energisch und mit großem Erfolg ausgebaut. Als 1984 als Konzerthaus wiedereröffnet wurde, erhielt das BSO an einem der prominentesten Plätze der Stadt, dem Gendarmenmarkt, endlich eine feste Spielstätte für seine Konzertreihen. 15 Bedeutenden Einfluss auf das Orchester hatten die Berufungen von Michael Gielen zum Ersten Gastdirigenten (1996) und von Eliahu Inbal zum Chefdirigenten (2001). Beide konnten dem Orchester frische Impulse geben. Inbal leitete den mittlerweile 50jährigen Klangkörper in die nächste Generation. Neue, junge Musiker aus allen Teilen der Welt veränderten das Gesicht und die Strahlkraft des BSO. Unter Inbals Stabführung absolvierte das Orchester erfolgreiche Tourneen durch Japan, China, Korea und Spanien. Beide Dirigenten, Gielen und Inbal, wurden wegen ihrer großen Verdienste zu Ehrenmitgliedern des Orchesters ernannt. hervorgegangenen Kammermusikensembles finden hier einen prominenten Auftrittsort. Mit der Gründung einer eigenen Orchesterakademie im Januar 2011 hat das Konzerthausorchester in der Amtszeit von Lothar Zagrosek eine wichtige Initiative zur Förderung des musikalischen Nachwuchses ergriffen. Seit der Konzertsaison 2012/13 ist der Ungar Iván Fischer Chefdirigent des Konzerthausorchesters. Mit Dimitrij Kitajenko steht ihm ein international renommierter ­ Künstler im Amt des Ersten Gastdirigenten zur Seite. Im August 2006 trat Lothar Zagrosek das Amt des Chefdirigenten an. Gleichzeitig wurde das Orchester umbenannt: Aus dem Berliner Sinfonie-Orchester wurde das Konzerthausorchester Berlin. Der Name zeigt, wie sehr sich das Orchester mit seiner Spielstätte identifiziert. Mit fast 100 Konzerten pro Saison prägt es den Spielplan des Konzerthauses, und auch die vielen aus dem Orchester Aktuelle Veröffentlichungen auf & DAS WEST-EASTERNDIVAN ORCHESTRA DVD © Felix Broede / DG CD Berlioz’ »Symphonie fantastique« und Liszt »Les Préludes« 2009 live aufgenommen bei den BBC Proms! Als Abschluss des großen »BEETHOVEN FÜR ALLE«-Projektes jetzt die wunderbar gestaltete 4 DVD Box mit den neun Beethoven Symphonien live von den BBC Proms. Inkl. BBCDokumentation mit dem Titel »Barenboim on Beethoven – Nine Symphonies that changed the world«. www.daniel-barenboim.de M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Um den Weltbesten Konzertflügel zu bauen haben wir uns auf den wettbewerb konzentriert 19 Jahre lang haben die talentiertesten Köpfe der Klavier-Welt daran gearbeitet, den besten Konzertflügel aller Zeiten zu erschaffen. Wir haben nicht nur unsere eigenen Instrumente hinterfragt, sondern auch die unserer Wettbewerber. Das herausragende Resultat dieser Arbeit ist der großartige CFX. Unsere Leidenschaft, das Beste zu erschaffen blieb nicht unbemerkt: sowohl im Internationalen Chopin-, als auch im Paderewski-Wettbewerb spielten Erstplatzierte auf einem CFX. Wettbewerb ist offensichtlich eine sehr gute Sache. www.yamahapremiumpianos.com Foto: S. Lauterbach Das Maga zin der Berliner Philharmoniker V e r pA s s e n sie k e ine Ausg Abe meHr! iHre Vorte ile im Abonnement 15 % ersparnis gegenüber dem kioskpreis — pünktlich, bequem und portofrei nach Hause — Jetzt Neu im Abo ein Jahr lang spannende und exklusive berichte aus der Welt der klassik — Die nächste Ausgabe erscheint am 03.09.2013 ✗ Ja, ich bestelle 4 Ausgaben 128 — das Magazin der Berliner Philharmoniker zum Vorzugspreis von nur 5,95 € pro Heft! Das Abo verlängert sich nach Erhalt der 4. Ausgabe automatisch solange Sie mögen. Dieses Angebot gilt nur für Bestellungen innerhalb Deutschlands. Name & Vo r n a m e Te l e f o n 040 / 468 605 117 S t r a ß e / N r. ✎ PLZ / Ort Ich zahle bequem & umweltfreundlich per Bankeinzug K o n t o - N r. Ich zahle gegen Rechnung Bankleitzahl Post nebenstehender Coupon an: Aboservice 128 — Berliner Philharmoniker Postfach 10 03 31 20002 Hamburg @ E-Mail [email protected] Geldinstitut Unterschrif t Abo bestellen sie Jetzt! Datum Widerrufsrecht: Die Bestellung kann ich innerhalb von 14 Tagen schriftlich und ohne Angaben von Gründen beim Leserservice (128 — Berliner Philharmoniker, Axel Springer Vertriebsservice GmbH, Süderstraße 77, 20097 Hamburg) widerrufen. Zur Wahrung der Frist gilt die rechtzeitige Absendung des Widerrufs. Online www.berliner-philharmoniker.de/128 WO Klassik / CD DVD Stöbern. Entdecken. Mitnehmen. • KOMPONISTEN BESTER STIMMUNG SIND CHRISTIAN GERHAHER MAHLER: ORCHESTERWERKE ESA-PEKKA SALONEN LUTOSŁAWSKI: DIE SINFONIEN KLAUS FLORIAN VOGT WAGNER Bariton Christian Gerhaher singt auf seiner neuen CD Mahlers Lieder eines fahrenden Gesellen, die Kindertotenlieder und die RückertLieder, begleitet vom Orchestre Symphonique de Montreal unter Kent Nagano. Als Schüler von Witold Lutosławski ist Esa-Pekka Salonen dem Komponisten sehr verbunden. Zum 100. Geburtstag Lutosławskis hat er mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra die maßstabsgebende Einspielung aller Sinfonien vollendet. Der gefragte Wagner-Tenor Klaus Florian Vogt präsentiert in Begleitung der Bamberger Symphoniker Ausschnitte aus Lohengrin, Parsifal, Die Meistersinger von Nürnberg, Rienzi, Götterdämmerung und Tristan und Isolde. www.kulturkaufhaus.de Mo-Fr 9-24 Uhr Sa 9-23:30 Uhr JAHRE Friedrichstraße 13-053-039 Kooperationsanzeige Berliner Festspiele 168 x 111 mm Version RZ Der Klassiker. 039_Berliner Festspiele_168x111_RZrh.indd 1 KW31 30.07.13 16:39 schoneberg konzerte 2013 / 14 - Berlin Fr. 20.09.2013 - Do. 05.12.2013 - Fr. 07.03.2014 max brod trio - salon trialog Villa Elisabeth / Sophienkirche Sa. 26.10.2013 - So. 01.12.2013 - Mi. 22.01.2014 Mi. 16.04.2014 - Fr. 06.06.2014 cello case eckart runge & friends Heimathafen Neukölln gidon kremer u.a. / Kammermusiksaal Do. 24.10.2013 sophie pacini Otto-Braun-Saal Sa. 02.11.2013 david orlowsky trio Passionskirche Mi. 06.11.2013 nobu tsujii Kammermusiksaal Do. 12.12.2013 valentina lisitsa Kammermusiksaal Fr. 13.12.2013 alexej gorlatch Otto-Braun-Saal Fr. 03.01.2014 agnes obel Philharmonie Di. 28.01.2014 bergen philharmonic / nicola benedetti Konzerthaus Mi. 12.03.2014 chad hoopes Otto-Braun-Saal , Fr. 14.03.2014 king s singers Kammermusiksaal Mi. 02.04.2014 caroline goulding Otto-Braun-Saal Fr. 04.04.2014 rafa /l blechacz Kammermusiksaal Fr. 30.05.2014 jan lisiecki Kammermusiksaal Foto Nicola Benedetti: Rhys Frampton Mo. 07.10.2013 Gerne schicken wir Ihnen kostenlos das aktuelle Vorschauheft zu. Tel.: 030 - 22 44 59 910 oder [email protected] www.schoneberg.de DAS Musik fest Berlin 2013 pROGRAMMübersicht Fr. 30.08. 20:00 Kammermusiksaal Sa. 31.08. 20:00 Philharmonie Pittsburgh Symphony Orchestra Manfred Honeck So. 01.09. 20:00 Philharmonie Chamber Orchestra of Europe Pierre-Laurent Aimard Mo. 02.09. 20:00 Philharmonie Emerson String Quartet Mahler Chamber Orchestra Teodor Currentzis Di. 03.09. 20:00 Philharmonie Orchester der Deutschen Oper Berlin Donald Runnicles Mi. 04.09. 20:00 Philharmonie Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam Daniele Gatti Do. 05.09. 20:00 PhilharmonieRundfunk-Sinfonieorchester Berlin Marek Janowski Fr. 06.09. 17:30 Ausstellungsfoyer Kammermusiksaal Quartett der Kritiker Fr. 06.09. Philharmonie Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Mariss Jansons 20:00 Sa. 07.09. 20:00 Philharmonie So. 08.09. 20:00 Berliner Philharmoniker Sir Simon Rattle M US I K FEST BERLIN 2 0 13 So. 08.09. 20:00 Konzerthaus BerlinKonzerthausorchester Berlin Ilan Volkov Mo. 09.09. 20:00 Philharmonie Philharmonia Orchestra London Esa-Pekka Salonen Di. 10.09. 20:00 Kammermusiksaal Mi. 11.09. 20:00 Philharmonie Deutsches Symphonie-orchester Berlin Tugan Sokhiev Do. 12.09. 20:00 Philharmonie Fr. 13.09. 20:00 Sa. 14.09. 20:00 Quatuor Diotima Berliner Philharmoniker Alan Gilbert Sa. 14.09. 20:00 KammermusiksaalRIAS Kammerchor James Wood So. 15.09. 11:00 Kammermusiksaal Philharmonia Quartett Berlin So. 15.09. Mo. 16.09. 20:00 20:00 Philharmonie Konzerthaus Berlin Staatskapelle Berlin Daniel Barenboim Di. 17.09. 20:00 Kammermusiksaal Carolin Widmann Mi. 18.09. 20:00 Kammermusiksaal Benefizkonzert András Schiff Hanno Müller-Brachmann 23 DAS Musik fest Berlin 2013 IM RADIO Deutschlandradio Kultur Die Sendetermine Fr 30.08. 20:03 UhrEmerson String Quartet Live-Übertragung Do 05.09. 20:03 UhrRundfunk-Sinfonieorchester Berlin / Marek Janowski Live-Übertragung Fr 06.09. 20:03 UhrRoyal Concertgebouw Orchestra Amsterdam / Daniele Gatti Aufzeichnung vom 04.09. So 08.09. 20:03 UhrBerliner Philharmoniker / Sir Simon Rattle Aufzeichnung vom 07.09. Mi 11.09. 20:03 Uhr„Quartett der Kritiker” Aufzeichnung vom 06.09. Do 12.09. 20:03 UhrSymphonieorchester des Bayerischen Rundfunks / Mariss Jansons Aufzeichnung vom 06.09. So 22.09. 20:03 UhrBenefizkonzert András Schiff / Hanno Müller-Brachmann Aufzeichnung vom 18.09. Im Anschluss an die Sendung des Konzerts: IPPNW-Diskussionsveranstaltung „Wie ist es in Europa um die Menschenrechte bestellt?“ Aufzeichnung vom 17.09. Di 24.09. 20:03 Uhr Quatuor Diotima Aufzeichnung vom 10.09. Deutschlandradio Kultur ist in Berlin über 89,6 MHz, Kabel 97,50, digital und über Livestream auf www.dradio.de zu empfangen. Kulturradio vom rbb Die Sendetermine Di 03.09. Sa 21.09. Sa 29.09. So 06.10. So 13.10. So 27.10. 20:05 Uhr Orchester der Deutschen Oper Berlin / Donald Runnicles Live-Übertragung 20:04 UhrBerliner Philharmoniker / Alan Gilbert Aufzeichnung vom 12.09. 20:04 Uhr Staatskapelle Berlin / Daniel Barenboim Aufzeichnung vom 15.09. 20:04 UhrDeutsches Symphonie-Orchester Berlin / Tugan Sokhiev Aufzeichnung vom 11.09. 20:04 Uhr RIAS Kammerchor / Ensemble musikFabrik / James Wood Aufzeichnung vom 14.09. 20:04 Uhr Konzerthausorchester Berlin / Ilan Volkov Aufzeichnung vom 08.09. Kulturradio vom rbb ist in Berlin über 92,4 MHz, Kabel 95,35, digital und über Livestream auf www.kulturradio zu empfangen. M US I K FEST BERLIN 2 0 13 Impressum MUSIKFEST BERLIN 2013Künstlerischer Leiter: Dr. Winrich Hopp Organisationsleitung: Anke Buckentin Organisation: Chloë Richardson, Ina Steffan Presse: Patricia Hofmann, Kathrin Rusch PROGRAMMHEFTHerausgeber: Berliner Festspiele Redaktion: Dr. Barbara Barthelmes Mitarbeit: Anke Buckentin Komponisten- und Künstlerbiografien: Dr. Volker Rülke Graphik: Ta-Trung, Berlin und Christine Berkenhoff Druck: Medialis Offsetdruck GmbH Berlin Anzeigenservice: Runze & Casper Werbeagentur GmbH Stand: 15. August 2013 Copyright: 2013 Berliner Festspiele und Autoren VERANSTALTERBerliner Festspiele Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH Gefördert durch den Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. In Zusammenarbeit mit der Stiftung Berliner Philharmoniker Intendant: Dr. Thomas Oberender Kaufmännische Geschäftsführerin: Charlotte Sieben Leitung Redaktion: Christina Tilmann Leitung Marketing: Stefan Wollmann Leitung Presse: Jagoda Engelbrecht Ticket Office: Michael Grimm Hotelbüro: Heinz Bernd Kleinpaß Protokoll: Gerhild Heyder Technische Leitung: Andreas Weidmann InformationenBerliner Festspiele, Schaperstraße 24, 10719 Berlin, T +49 30 254 89 0 www.berlinerfestspiele.de, [email protected] Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH, Schöneberger Straße 15, 10963 Berlin Medienpartner Partner 25 M US I K FEST BERLIN 2 0 13
